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Ritmo en la música

a: análisis

Hay algo en la música que deleita a la mente. En toda razonabilidad, uno no podría haber imaginado que tal placer como éste existiría. La música es un don divino. "Sin música", declaró Friedrich Nietzsche, "la vida sería un error". Psychology Today hizo una encuesta sobre los tipos de experiencias que dieron a la gente más emoción. Con el 96 por ciento de los encuestados citando sus placeres, la música encabezó la lista. Una melodía hermosa fue juzgada emocionalmente la cosa más satisfactoria que la vida humana tiene que ofrecer. Toda sociedad en la tierra tiene música y danza.

"En la raíz de todo poder y movimiento, en el centro ardiente de la existencia misma, hay música y ritmo, el juego de frecuencias modeladas contra la matriz del tiempo", escribió el periodista y autor George Leonard. "Antes de hacer música, la música nos hace. El bendito regalo de la audición sirve como un canal a través del cual podemos recordar nuestros orígenes más profundos. Porque la música es un reflejo en el sonido de la estructura del mundo, haciendo explícita la calidad rítmica en todas las cosas ".

Cada uno vive con el ritmo de su propio latido del corazón y de los pulmones que respiran continuamente dentro y fuera. El habla humana tiene ritmos de sílabas acentuadas y no acentuadas. Canción weds discurso rítmico a los sonidos pulsantes de la música. Los ritmos musicales son emblemáticos de otros tipos de experiencias hermosas, conectando la inteligencia con los misterios más profundos de la vida. Nuestros corazones se hinchan cuando oímos estos delicados y agitados sonidos. De una manera única, nos recuerdan cosas que son preciosas para nuestras almas.

En cada nivel de nuestro ser, vibramos. El cerebro humano pulsa a una velocidad de aproximadamente cuarenta ciclos por segundo durante la concentración activa, disminuyendo a menos de un ciclo por segundo en el sueño profundo. Los órganos de los sentidos son transformadores de ritmo que interpretan ondas de energía entrantes. Recogemos mensajes rítmicos a través de las vibraciones con las que estamos en sintonía. Gran parte de esta experiencia tiene lugar por debajo del nivel de conciencia. El ritmo se convierte en una cuestión de interés personal cuando involucra nuestros sentimientos y pensamientos en el nivel consciente. Aquí reivindica un área de experiencia separada de la conciencia racional.

Las sensaciones rítmicas están con nosotros en una edad temprana. Mientras todavía en el útero, el feto humano se da cuenta del latido de la madre. (Un bebé recién nacido puede hacerse callar y quedarse dormido jugando una cinta con este sonido.) Al nacer, los bebés comienzan un ritmo de respiración a lo largo de la vida. Su rutina diaria se organiza en ciclos de actividad de vigilia y sueño. Los tiempos de alimentación y evacuación de desechos, de lúdico seguido de irritación inquietante, de visitas de los padres y de estar solos en la cuna, se suceden en patrones recurrentes de experiencia infantil. Cuando un padre habla con el niño, los gestos corporales y el tono de voz serán entendidos antes que el significado de las palabras. Los bebés distinguen rápidamente entre diferentes voces. Su capacidad de hablar, incluso en palabras de bebé, lleva años. Se podría decir, entonces, que la inteligencia humana misma comienza con el reconocimiento de patrones rítmicos. Las concepciones articulares de la forma vienen después.

La inteligencia rítmica puede extenderse a otros seres vivos. Los lobos aullan en sus voces agudas. Los gorriones gorjean y los buhos gorjean. Los grillos hacen la música frotando sus piernas juntas. Los saltamontes producen un característico sonido de apareamiento desarrollado hace 250 millones de años, frotándose las piernas y las alas. La curruca de castaño tiene al menos dos tipos de canciones, que cumplen diferentes funciones. La canción primaria, destinada a atraer a las hembras, se cantará a menudo durante la temporada de apareamiento temprana. Una vez que los pájaros se han apareado, los machos cambian a canciones secundarias que se asemejan a gruñidos que están destinados a desalentar a otros machos de entrar en su territorio. En contraste con las melodías cortas y repetitivas de los pájaros cantores, la ballena más inteligente en el océano se dice para realizar "raga-como las composiciones de extraordinaria longitud y complejidad que dura en cualquier lugar de seis a treinta minutos".

La filosofía griega mira al mundo desde una perspectiva racional, con el objetivo de producir conocimiento que ayude a la sociedad a funcionar de varias maneras. Tales disciplinas como la ciencia natural, la matemática, la ingeniería y la ley ejemplifican los tipos de actividad gobernados por la razón. Hay, sin embargo, otra esfera de actividad que elude la razón. Imagínese el bullicioso ambiente en un bar deportivo. Los flujos de licor, las bromas raunchy se dicen, los clientes coquetean con las camareras, la música juega en un juke box, y una alegría se eleva de los reunidos alrededor de una televisión de pantalla grande como el equipo local puntuaciones.

Desde una perspectiva racional, experiencias rítmicas como esta pertenecen a esa otra área de la vida que es irracional y salvaje, pero también emocionante. La frase "vino, mujeres y canciones" - actualizada últimamente a "sexo, drogas y rock 'n roll" - abarca algunos elementos de esta cultura. El amor apasionado, los químicos que alteran la mente y, sobre todo, la música son los elementos básicos eternos de su estilo de vida. Este lado de la vida representa el "devenir" en lugar de "ser", el estado de ánimo oscila entre la exaltación extrema y la depresión, los valores centrados en el placer - en definitiva, todo lo que Platón despreciaba.

Los historiadores distinguen entre las tradiciones "apolínea" y "dionisíaca" en la cultura clásica griega y romana. La cultura apolínea incluía las artes y ciencias atribuidas al dios olímpico Apolo. Aunque era dios de la música, Apolo también era responsable de invenciones de la civilización superior en áreas tales como medicina, filosofía, ley y agricultura. La cultura apolínea representa, pues, el principio racional de la vida civilizada. En oposición a este principio se encontraban las prácticas culturales subterráneas asociadas con la adoración del dios tracio Dionisio, que era el dios del vino y la fertilidad. Sus ceremonias cultuales presentaban orgías borrachas, bailando hasta el frenesí extático, y rituales grotescos en los que los fieles destrozaban animales vivos y bebían su sangre.

El sucesor romano dios, Bacchus, despertó tales espectáculos de borrachera pública y licenciosidad que el gobierno romano en 186 a. Proscribieron las ceremonias bacanales. Sin embargo, su tradición cultual ha vivido en las vidas de poetas, de artistas, y de músicos tales como los poetas románticos ingleses o alemanes del diecinueveavo siglo o los "niños de la flor" que trekked a San Francisco en los últimos años 60. Siempre tendrá un seguimiento entre los jóvenes.

La cultura rítmica se extiende a las artes de la sociabilidad. El disfrute del humor implica un cierto ritmo. Hacer que una persona se ría lo hace literalmente vibrar. El mensaje humorístico, o broma, alcanza su clímax cuando el oyente detecta una incongruencia en el flujo de la expresión racional. Entonces, el estado de ánimo cambia abruptamente de la comunicación seria al juego. El ritmo también puede entrar en las artes visuales. Las pinturas chinas medievales dibujadas con pincel y tinta crean vistas frágiles de paisajes montañosos o animales retorcidos siguiendo un concepto taoísta, ch'i-yun, que se traduce como "resonancia del espíritu". El espíritu rítmico del objeto debía guiar las manos del artista durante la creación.

Tradicionalmente, los trabajadores agrícolas han cantado canciones al mismo tiempo que realizan trabajo de última hora. Los viajeros canadienses franceses de los siglos XVII y XVIII que transportaban pieles de animales en grandes canoas a través de las vías navegables norteamericanas necesitaban fuerza física y resistencia. Se informa que "porque cantaban mientras pasaban las horas de remar, sus voces eran casi tan importantes como sus bíceps, y sus voces cantantes eran consideradas cuando eran elegidas para los trabajos".

ritmo en la cultura popular

Este aspecto de la vida se enfatiza en la era de la cultura popular. Los medios contemporáneos de la grabación y la radiodifusión electrónicas permiten que las imágenes de la vista y del sonido se transmitan a las audiencias en detalle completamente sensual. Las grabaciones de cinta preservan el sonido de una voz humana o de un instrumento musical tal como se oyó originalmente. La radio transmite este sonido a una audiencia grande y dispersa. Las imágenes en movimiento y las grabaciones de video permiten que tanto imágenes visuales como auditivas sean capturadas en sus medios. La televisión es una poderosa herramienta para difundir imágenes de la vista y el sonido. Tales dispositivos graban imágenes que se mueven a través del tiempo, ya sea como ondas sonoras o como una sucesión de imágenes visuales que imitan el movimiento. A diferencia de la impresión, comunican imágenes sensuales en lugar de palabras. Los nuevos medios de comunicación exhiben el ritmo en sus diversas formas. Las personas que regularmente producen ritmos de alta calidad son muy demandados en esta cultura.

La música es el contenido dominante de la radio. Los "jockeys del disco" que anuncian y juegan las selecciones musicales son la personalidad dominante de la radio. Su papel se ha ampliado de la presentación de la música para incluir la charla de los deportes y el chit-charla ocioso en los formatos que apelan a los viajeros de la mañana; Ofrecen "compañerismo glorificado" como lo ha llamado un anfitrión de la mañana. El público que escucha tiene hambre no sólo por la música, sino por vislumbres de la personalidad humana. En los viejos tiempos, la radio era un medio preferido para la difusión directa de deportes, noticiarios, comedia y obras dramáticas en forma de serie. Aunque algunos de estos programas han continuado, son eclipsados ??por sus homólogos en la televisión, que añade imágenes visuales al sonido.

Los noticieros, las transmisiones de concursos atléticos, y las actuaciones dramáticas, especialmente los sitcoms, son las categorías principales de la programación de la televisión. Los programas de juegos, el periodismo basado en la realidad, los programas de entrevistas nocturnos, las telenovelas de la tarde y los programas de entrevistas centrados en las relaciones que atraen principalmente a las mujeres son otros tipos populares. Los espectáculos de variedades como el de Ed Sullivan, que presentó actos musicales, se han desvanecido. El denominador común de los programas de radio y televisión, así como los fonógrafos y las películas antes que ellos, es que exhiben el ritmo en sus diversas formas. Ofrecen a ejecutantes individuales que pueden entregar el ritmo. Este ritmo se asocia a las cualidades personales del intérprete, a las apariencias sensuales del rostro y la voz, así como a los hábitos mentales del intérprete. Los anfitriones del programa con "el don del gab" también transmiten la personalidad rítmica.

El cambio al entretenimiento producido electrónicamente ha sacado la atención de los textos impresos y despojado a sus autores de la aclamación pública. Si bien puede haber Shakespeares modernos entre los guionistas de Hollywood y escritores de guiones de televisión, reciben poco reconocimiento. En su lugar, los actores y actrices que memorizar y realizar los guiones se convierten en el centro de atención. Lo mismo ocurre con los compositores musicales y las personas que realizan su música.

Si la música es una composición para instrumentos, el compositor puede ser reconocido; Pero si la música está escrita para la voz humana, entonces el cantante más que el compositor goza del papel protagonista. La grabación electrónica y la radiodifusión son medios tan poderosos para entregar imágenes sensuales que estas imágenes eclipsan el diseño creativo. El ejecutante humano que se coloca delante de la cámara es la imagen que el público quiere. Comprensiblemente, hombres y mujeres que poseen buena apariencia y tienen cierto magnetismo personal gravitan a la cima de esta cultura a expensas de individuos inteligentes con mera visión creativa.

Debido a que un actor, un cantante, un atleta u otro artista intérprete o ejecutante de la estrella es una mercancía personal única en el mercado, el precio que esta persona puede comandar para su funcionamiento puede alcanzar niveles astronómicos. Las audiencias acostumbradas a las personalidades particulares de sus ejecutantes preferidos no aceptarán ningún substituto. Por lo tanto, por ley de la oferta y la demanda, el precio sube cuando la demanda excede en gran medida la oferta. No sólo los artistas bien conocidos reciben enormes sumas de dinero para ejercer sus habilidades de entretenimiento; Ellos, como celebridades, también son pagados por "respaldos de celebridades" de los productos. Michael Jordan, la estrella del baloncesto, ha recibido millones de dólares por aprobar los zapatos deportivos Nike, un producto relacionado con su deporte, pero no con las habilidades de baloncesto de Jordania per se.

Esta situación crea una anomalía en que los ejecutantes humanos que ejercen habilidades no técnicas ya menudo físicas son más generosamente compensados ??que los tipos más cerebrales, incluyendo, quizás, la persona que inventó el equipo electrónico que hizo posible que la imagen del artista se ampliara. A pesar de que la contribución de esa persona también era única, él o ella creó un diseño patentable en lugar de un ritmo personal. Ese diseño era forma. Era un esquema que, una vez articulado y presentado como modelo tecnológico, podía repetirse muchas veces. Por lo tanto, fue posible aumentar la oferta del producto creado desde el modelo para satisfacer cualquier nivel de demanda y el precio bajaría. Desde un punto de vista económico, la diferencia entre el ritmo y la forma es que el suministro de ritmos basados ??en la personalidad está limitado por su singularidad, mientras que la forma es su propio medio de aumentar la oferta.

si el ritmo se puede producir a voluntad

Porque el ritmo es tan precioso, todo el mundo lo quiere. Hay un interés en descubrir el "secreto" de producir ritmo para que una persona pueda crear esto a voluntad. En otras palabras, la gente quiere ser capaz de reducir el ritmo a ciertos principios de conocimiento - para "formar", si lo desea.

Por lo tanto, puede ser posible abordar este tema como lo harían los filósofos griegos y preguntar: "¿Qué es el ritmo? ¿Cuál es su definición? "El diccionario del Siglo Nuevo define el ritmo como:" movimiento o procedimiento con recurrencia uniforme de un latido, acento o similar; En general, procedimiento marcado por la recurrencia regular de elementos particulares, frases, etc .; Específicamente en la música, la estructura de una composición con referencia a la distribución de sus sucesivos latidos o acentos, a diferencia de la melodía y la armonía ". De estas palabras se puede suponer que el ritmo es una creación de sonido en la que ciertos sonidos tonales o Beats, se producen a intervalos regulares durante un período de tiempo. El ritmo es como el latido de su propio corazón. Los latidos son estéticamente agradables y controlados.

Usaremos el término "ritmo", de una manera diferente. El ritmo es la belleza de la música hermosa o, por extensión, la belleza de cualquier experiencia en la que una expresión inteligente, como la música, se presenta con agrado durante un período de tiempo. Por lo tanto, el ritmo no es la belleza de una pintura o una estatua que se percibe en un solo momento, sino un arreglo en el tiempo. Sus acontecimientos están dispuestos en un continuo temporal. Además de la música y la danza, las expresiones rítmicas aparecen en conversaciones personales, concursos deportivos, obras dramáticas, narración y la mayoría de las producciones para programas de radio y televisión.

En cuanto a una definición para cubrir todas estas situaciones, que podría ser difícil. Parafraseando la declaración de Louis Armstrong sobre el jazz, el filósofo diría: "Lo sabrás cuando lo veas o lo oigas. Y, si usted sabe, usted no tiene que preguntar. "Cada persona sabe lo que él o ella piensa es hermoso o que se mueve personalmente. El ritmo es lo que mueve a un individuo personalmente, tanto de una manera emocional e intelectual. Siendo personal, el ritmo no se pone fácilmente en una forma general. Por lo tanto, su definición tendrá que dejarse en esa nota.

Sin embargo, sería negligente dejar a los lectores de este libro, esperando aprender sobre el ritmo, con la conclusión de que el ritmo es simplemente lo que está en sus propias mentes. (No somos como algunos de esos otros charlatanes que dejan que el cliente hable y no proporcione ningún pensamiento propio). Así, para una discusión general del ritmo, el mejor lugar para empezar podría ser discutir las cualidades de la música. Los elementos de la música son claros y específicos en relación con otros tipos de fenómenos rítmicos.

En teoría, la música rítmica tiene un diseño que, conocido filosóficamente, podría convertirse en un patrón general para crear más de lo mismo. La cuestión podría ser reformulada de esta manera: ¿Puede la música hermosa ser escrita de una fórmula? O, ¿hay un programa de computadora que pueda escribir este tipo de música? Si los compositores humanos saben cómo escribir esa música, entonces seguramente alguien debería ser capaz de preguntarles cómo lo hicieron y, usando esa información, construir una máquina para hacerlo mejor.

La filosofía proporciona un ejemplo de cómo los principios musicales pueden convertirse en conocimiento. Uno de los primeros y más exitosos intentos de explicar el atractivo de la música fue hecho por Pitágoras en el siglo VI aC. Los pitagóricos descubrieron que la armonía en la música deriva de una simple relación numérica entre las longitudes de las cuerdas vibrantes en un instrumento de cuerdas. Por ejemplo, la relación de la octava es de 2 a 1. La proporción de la quinta es de 3 a 2. Las notas cuyas cuerdas vibrantes están relacionadas en longitud por números enteros pequeños pueden ser armoniosas en un acorde. Esa relación fue descubierta observando varios de estos acordes. Conociéndolo, se puede presumiblemente extender el patrón a otros números integrales, medir la longitud de las cuerdas y crear armonías que antes eran desconocidas.

Tales son los usos de las fórmulas. Pero los acordes armoniosos no son lo mismo que la música rítmica. El ritmo, como un elemento musical estrechamente definido, pertenece a la secuencia temporizada de los latidos. La armonía es un sonido creado cuando se tocan simultáneamente varias notas diferentes. Lo que buscamos es una definición más amplia de la música hermosa que abarca todos sus elementos.

Cada uno puede abordar esta cuestión mediante la identificación de casos específicos del objeto en cuestión y luego proponer un patrón general que se ajuste a todos los casos, pero ninguno que no encajan. En otras palabras, cada persona podría escoger algunos pasajes de su música favorita y tratar de ver lo que hace que la música hermosa. Hay, por supuesto, muchos tipos diferentes de música en la escena contemporánea: clásica, semi-clásica, jazz, música folklórica, country western, rock'n roll, canciones gospel, himnos, etc. Y, La música orquestal alemana del siglo XIX, hay música escrita por muchos compositores diferentes que cada uno se consideraría tener un estilo único.

El tipo de música puede influir en la percepción de sus admiradores de la belleza, y los gustos musicales son diferentes. Aún así, cada persona sabe lo que le gusta en la música. Después de haber identificado algunas composiciones musicales favoritas, esa persona podría escuchar atentamente la música y decidir dónde y cómo es hermosa. ¿Hay lugares en la música que tienen un atractivo especial? Si es así, ¿qué elementos están presentes? Si uno tiene una percepción clara de la belleza en varias piezas de música diferentes, entonces podría ser posible decidir lo que las selecciones tienen en común. Uno podría tratar de encontrar un patrón en ellos y así formular una idea de lo que es la música hermosa en general, o incluso lo que el ritmo es en general.

Uno puede cuestionar este tipo de ejercicio. Estamos tratando de captar la belleza de la música en una fórmula, o tratando de definir el ingrediente esencial del ritmo como si fuera un elemento químico o una cepa de virus. El elemento efervescente de la música rítmica puede no ser capaz de ser colocado bajo un microscopio analítico como tampoco se podría analizar el humor, por ejemplo, y decir por qué una broma en particular era graciosa. El sentido cómico - la parte que entrega su emocional patada - es difícil de explicar a pesar de que todo el mundo sabe cuando algo es gracioso. Del mismo modo, el ritmo de la música toca el espíritu humano de maneras misteriosas aunque evidentes. Lo principal es reconocer y apreciar el ritmo, no explicarlo.

más allá del conocimiento generalizado

La belleza rítmica puede estar más allá del conocimiento generalizado. Mientras Platón se interesaba por los estudios musicales, ridiculizaba a los pitagóricos que, buscando verdades acerca de la naturaleza de la armonía, "miden acordes audibles y sonidos unos contra otros, gastando mucho trabajo inútil ... hablan de algo que llaman mínimas y, Algunos oídos al lado, como si intentaran captar una voz desde la puerta de al lado, algunos afirman que pueden oír una nota intermedia y que este es el menor intervalo y la unidad de medida, mientras que otros insisten en que las notas ahora reproduzcan sonidos idénticos, Sus oídos a sus mentes ... Los números que buscan se encuentran en estas concordancias oídas, pero no ascienden a problemas generalizados y la consideración de que los números son inherentemente concordantes y cuáles no y por qué en cada caso ".

En el Philebus, Platón señaló que había dos tipos de artes y oficios, distinguidos por su uso o no uso de conocimiento generalizado. Los "tipos superiores de conocimiento", sugirió, se encontraron en esas artes que implicaban "numerar, medir y pesar" de acuerdo con los estándares exactos. Por ejemplo, las artes de la carpintería y la construcción requieren ese tipo de conocimiento. La música era un ejemplo del otro arte. Su conocimiento dependía de "conjeturas y el ejercicio de sus sentidos sobre la base de la experiencia y la regla de oro, que implica el uso de esa capacidad para hacer tiros de suerte que comúnmente se le otorga el título de arte o artesanía, cuando se ha consolidado su posición por Platón propuso, por tanto, «dividir las artes y oficios así llamados en dos clases, las que se asemejan a la música en sus actividades y las afines a la carpintería, las dos clases están marcadas por un menor y un mayor grado de exactitud respectivamente . "

Las diversas artes que implican el ritmo cayeron en esta segunda categoría. Platón confiaba en hacer música; Él veía esto como una influencia potencialmente subversiva en la sociedad. Los guardianes del Estado, advirtió, deberían estar "atentos a las innovaciones musicales ... pues los modos musicales nunca se alteran sin perturbar las convenciones políticas y sociales más fundamentales". El segundo funcionario más alto del Kremlin, Yegor Ligachev, en 1987, advirtió contra la infiltración de la "cultura burguesa de masas" que, según él, había incitado a la rebeldía entre los adolescentes.)

La principal objeción de Platón a la música, sin embargo, fue su fracaso en ascender al nivel de generalidad. El practicante de la música, escribió, "ajusta sus concordancias no por medio de golpes afortunados de un dedo practicado". Esa incertidumbre se encontró "en toda la música, la flauta y la lira jugando por igual, ya que ésta busca la longitud adecuada De cada cuerda mientras da su nota, haciendo un tiro para la nota, y obteniendo un resultado muy poco fiable. "

El "dedo practicado" de un músico experto se desarrolla durante un largo período de entrenamiento. Aún así, no se puede garantizar que el rendimiento vaya bien. (Eso es lo que hace que las actuaciones en vivo del ritmo sean tan emocionantes cuando van bien). Sin embargo, en teoría, la música tiene una forma ideal. Platón observó que, en el reino de los objetos oídos, "los sonidos audibles que son suaves y claros, y entregan una sola serie de notas puras, son hermosos no relativos a otra cosa, sino en sí mismos". En otra parte sugirió que "el arte De la música era crear la armonía resolviendo la discordia entre el agudo y el bajo ... como (también) producimos el ritmo resolviendo la diferencia entre rápido y lento. "Entonces Platón hizo una asombrosa admisión:" Pero cuando llegamos a la La aplicación del ritmo y la armonía a las actividades humanas -como, por ejemplo, la composición de un canto o la instrucción de otros en el correcto funcionamiento de los aires y las medidas que ya se han compuesto- entonces, caballeros, . "

Platón parece estar volviendo a la idea del medio dorado cuando escribió que el ritmo resuelve "la diferencia entre lo rápido y lo lento", y la armonía "la discordia entre los agudos y los graves". Si se tratara de encontrar la media, también se podría pensar que la música rítmica se encontraba entre sonidos demasiado complejos y ruidosos, en un extremo, y presentaciones tonales sencillamente aburridas, por el otro. El tono constante de un diapasón o incluso la "única serie de notas puras" de Platón ilustra el último extremo. Pues, parece que la buena música dirige un camino intermedio entre ser excesivamente e insuficientemente complejo. Tiene la complejidad suficiente para desafiar la imaginación musical del oyente, pero no lo suficiente como para producir aturdimiento como las sinfonías atonales a veces lo hacen.

Incluso si las generalidades pueden describir la música hermosa, pueden no poder suplantar el proceso de la creación artística. La cuestión es si el proceso de componer música de alta calidad brota misteriosamente de la mente y el corazón de un compositor "genial" o puede reducirse a un método? Rousseau afirmó que su amigo, John Philippe Rameau, había inventado tal método de componer música. Sin embargo, es uno de los compositores menos conocidos de esa época.

Intuitivamente, uno siente que ninguna fórmula o principio simple puede servir como un "modelo" para esta actividad creativa. La música contiene una mezcla de elementos secuencialmente complejos que sólo una inteligencia que se acerca al hombre en sus diversas capacidades podría componer algo valioso. Para componer música por computadora podría ser una opción en el mundo de hoy. Los ordenadores pueden tener diversos patrones en la memoria, operar secuencialmente y hacer muchas cosas.

La mayoría de las grabaciones de hoy en día se hacen con ordenadores. Trabajan con sintetizadores electrónicos para coordinar y modificar sonidos. Un solo compositor-intérprete-técnico que trabaja con una computadora puede producir grabaciones que una vez hubieran requerido una tripulación completa de músicos. Los sintetizadores pueden producir el sonido de cualquier instrumento musical conocido o crear sonidos completamente artificiales. Pueden aprovechar los sonidos que han sido digitalmente muestreados y almacenados, yuxtaponer ritmos complejos, y variar la velocidad.

Las actuaciones musicales ya no están limitadas por la inteligencia humana o la destreza manual. Lo que las computadoras todavía no pueden hacer -al menos, que yo sepa- es crear automáticamente nuevas composiciones musicales cuyas cualidades rítmicas y estéticas iguales a las encontradas en las obras maestras orquestales de renombre mundial. Tal vez algún día que sea posible. Mientras tanto, tendremos que confiar en compositores humanos y escuchar lo que tienen que decir sobre el proceso creativo.

la explicación de Aaron Copland sobre la música

Un compositor estadounidense del siglo XX, Aaron Copland, escribió un libro, What to Listen for in Music, que pone al descubierto este proceso desde el punto de vista de un compositor. De este libro, uno aprende que la composición sinfónica es más como un embarazo que una fabricación mecánica. "Cada compositor comienza con una idea musical", escribió Copland. La idea o tema puede ser una "melodía", o "una melodía con un acompañamiento", o "una idea puramente rítmica", o algo más.

El compositor recoge estas ideas en un cuaderno. Estudia de cerca "por su belleza puramente formal ... la forma en que sube y baja". Luego tratará de "encontrar otras ideas que parezcan ir con la original", ya sea por similitud o contraste. El compositor intentará conectar ideas mediante un "proceso de alargamiento" o "material de puente". Al convertir las ideas en una obra terminada, el objeto sería "la soldadura de todo ese material para que forme un todo coherente ... todo debe estar en su lugar". Las uniones deberían parecer lisas y naturales más que inventadas.

Cada compositor tiene su propia manera de trabajar, que implica una combinación de pensamiento imaginativo y el trabajo intelectual de construir una obra terminada. El enérgico Franz Schubert, a quien Copland llamó el "inspirado espontáneamente (tipo de) compositor", produjo trabajos terminados casi todos los días. Beethoven, por otra parte, ilustra el "tipo constructivo" del compositor que pacientemente crea la estructura de los sonidos de las ideas en un cuaderno.

Cualquier compositor dedicado o compositor regularmente tiene ideas. "Escribo canciones en cualquier parte, en la parte de atrás del coche, en habitaciones de hotel, en aviones", dijo Johnny Cash, el cantante pop estadounidense, que no podía leer una nota de música. Irving Berlin, también analfabeto musicalmente, instaló un embrague en su piano que le permitió cambiar fácilmente las teclas. Cuando encontró la melodía correcta, una secretaria anotaría las notas. Cada tipo de música tiene sus propias convenciones o formas que ofrecen orientación al proceso creativo.

El libro de Aaron Copland revisó los elementos que entran en la música. Los cuatro elementos básicos son: ritmo, melodía, armonía y color de tono. El ritmo es la disposición de los golpes tensionados y no tensionados recurrentes a intervalos regulares en el tiempo. La melodía es la secuencia de notas individuales de tono variable. La armonía es el sonido simultáneo de dos o más tonos diferentes en un acorde. El color del tono pertenece a la madera de un instrumento oa sus tonos. Los tonos o notas son sonidos de cierto tono que se pueden arreglar en una escala musical. Las notas pueden tener un cierto grado de intensidad o intensidad. La estructura general de una obra musical también tendría que ser considerada en la determinación de su calidad. El ritmo, en un sentido amplio, es, como dijimos, el impacto emocional o estético general que la música tiene en una persona.

En un sentido estrecho, el ritmo es el elemento original y más básico de la música. Copland ofrece el ejemplo de los ritmos de los pies en un desfile: LEFT-right, LEFT-right; O, UNO-DOS, UNO-DOS. Esto correspondería a 2/4 ª vez en la música. El ritmo de 3/4 ª vez sería: uno-dos-tres, uno-dos-tres. Los bailarines del vals reconocerían esto. Por lo general, pero no siempre, el estrés está en el primer golpe de la medida.

El esquema de la música medida, desarrollado en el siglo XII A.D., permite que las anotaciones musicales se conserven por escrito. Cada conjunto repetitivo de tiempos es una medida o barra. Las notas están situadas en los latidos. Estas notas pueden ser, dependiendo de la duración: notas enteras, medias notas, notas de cuarto, notas de dieciséis, y así sucesivamente. Las notas enteras duran el doble de media nota, que duran dos veces más que las notas de cuarto. La duración real de cada nota sonora es relativa a la de la nota entera. La velocidad del ritmo se llama su "tempo". Si hay cuatro notas de cuarto en una medida, la música se escribe en cuatro cuartos de tiempo (4/4). Tres cuartos de tiempo (3/4) de música tendría tres cuartos de notas por medida.

No todos los ritmos tienen golpes simples y pesados. Los ritmos pueden apartarse de un contador estricto para satisfacer necesidades expresivas particulares. Hasta la época medieval, los ritmos musicales siguieron patrones de expresión. Los patrones de las sílabas acentuadas y no acentuadas de las palabras, interrumpidas por pausas significativas y moduladas para enfatizar ciertas palabras o pensamientos, dan al habla una cualidad claramente rítmica. La poesía y la música, incorporando ritmos ingeniosamente arreglados, nacieron de la misma tradición cultural.

En las culturas primitivas, la paliza de los tambores crea un tipo monótono, no verbal de ritmo musical. Estos pueden ser bastante complicados cuando se golpean varios tambores al mismo tiempo o se introducen variaciones. En lugar del simple uno-dos, uno-dos, puede haber: uno-dos, uno-dos-tres / uno-dos, uno-dos-tres; O quizás uno-dos-tres, uno-dos, uno-dos-tres / uno-dos-tres, uno-dos, uno-dos-tres. Cuando se producen varios ritmos diferentes al mismo tiempo, la música se vuelve "polirrítmica". Estamos expuestos a esto en el jazz, donde el bajo consiste en una serie constante, inmutable de ritmos como otros ritmos flotan alrededor libremente en las otras partes. En piezas de piano polirrítmico, la mano izquierda generalmente tocará un conjunto de ritmos y la mano derecha otra.

Melody, el segundo de los elementos de Copland, es una serie de notas que llevan el tema musical. Aquí asumimos el ritmo como parte de la estructura de fondo. La melodía es el elemento más artístico de la música; Consiste en notas que se mueven hacia arriba y hacia abajo a varias posiciones tonales de una manera atractiva. Las melodías son la calidad única en las canciones. Escuchamos el patrón melódico mientras se teje, como un hilo, a través de una obra musical. A diferencia del ritmo, la melodía presenta variaciones de tono. Los tonos son los sonidos distintivos de las notas que son producidos por los instrumentos musicales que vibran en las frecuencias particulares - por ejemplo, "C medio". Se organizan en conjuntos escalonados llamados escalas.

En la escala "cromática" de la música occidental contemporánea, hay doce tonos uniformemente distribuidos dentro de una octava. Sin embargo, sólo siete de ellos, que comprende la "escala diatónica", se utilizan comúnmente. La progresión de las notas comienza en un tono particular y luego se eleva a lo largo de la escala a intervalos identificados por el ejercicio musical: do-re-mi-fa-so-la-ti-do. Ese rango de notas sería una octava completa. La primera nota - "hacer" - fijaría la llave para la música, dependiendo de qué tono golpeó.

Con la melodía más que el ritmo, se puede aplicar el juicio estético a una composición musical. Hay buenas melodías y malas. "Por qué una buena melodía debe tener el poder de moverse hasta ahora ha desafiado todo análisis", escribió Copland. Sin embargo, identificó algunas de las cualidades encontradas en las buenas melodías: Tales melodías tendrían "proporciones satisfactorias". Darían "un sentido de completitud e inevitabilidad". La línea melódica sería "larga y fluida, con puntos de interés bajos y altos y un momento climático que por lo general se acercaba al final". Además, tendría "tendencia a moverse entre una variedad de notas, evitando repeticiones innecesarias". O no tales recetas ayudan a crear buenas melodías, se supone que la mayoría de la gente sabe una buena melodía cuando oyen uno.

El tercer elemento musical, la armonía, es aquel cuyas excelentes cualidades son más fáciles de entender. Aunque la armonía también implica una relación entre los tonos, los tonos sonarán simultáneamente en un acorde en lugar de secuencialmente. Sabemos intuitivamente qué tonos tienen un sonido agradable cuando se juegan juntos. Las notas particulares están en armonía con otras notas que tienen una relación particular con ellas en la escala.

"La teoría armónica", escribió Copland, "se basa en el supuesto de que todos los acordes se construyen hacia arriba en una serie de intervalos de un tercio". Esto significa que en la escala diatónica de siete notas, sea cual sea la nota más baja en el acorde, La siguiente será dos notas más altas; Y el tercero, dos notas más altas que eso. En términos de la escala musical, sería "do-mi-sol". Aunque un acorde consta de al menos tres notas de este tipo, puede ampliarse a cuatro, cinco, seis o incluso siete notas. La mayor parte de la música coral está escrita en cuatro partes de armonía.

El color del tono es el cuarto de los cuatro elementos de Copland. Esto se refiere a la "calidad del sonido producido por un medio particular de producción de tonos musicales". Por ejemplo, una tuba suena diferente a una trompeta o clarinete. Cada tipo de instrumento orquestal tiene su propia calidad de sonido que hace que las notas suenen diferentes de las mismas notas producidas por otros instrumentos. Las diferencias tienen que ver con los armónicos armónicos y otras impurezas sónicas asociadas con el instrumento. Además, los instrumentos tienen diferentes volúmenes, límites de rango tonal, etc.

El compositor de música orquestal debe decidir qué instrumento poner con cada parte en la partitura para producir el efecto deseado. Hay cuatro tipos básicos de instrumentos orquestales: cuerdas, madera, latón y percusión. Dentro de cada categoría hay una serie de instrumentos diferentes, cada uno con su propio "color". La elección de los instrumentos tendrá un impacto en la calidad del sonido total producido.

Además de los elementos antes mencionados, se debe considerar la estructura de la música y su acompañamiento verbal. En cuanto a la estructura, Copland escribió que "cualquiera que sea la forma que el compositor elija adoptar ... la forma debe tener lo que en mis días estudiantiles llamábamos la grande ligne ... Toda buena pieza de música debe darnos una Sensación de flujo -una sensación de continuidad desde la primera nota hasta la última ". El sentido del flujo en las composiciones musicales crea el sentimiento de que las expresiones estaban destinadas a ser escritas como eran. Todas las partes caen naturalmente en su lugar. La buena estructura imparte un sentido de "dirección inevitable", dando al oyente "un sentimiento satisfactorio de coherencia nacido de la necesidad psicológica de las ideas musicales con las que comenzó el compositor".

Relacionado con esto es la idea de que las composiciones musicales deben tener equilibrio. El equilibrio se logra mediante la repetición de temas. Los temas se pueden repetir exactamente o se pueden repetir en variaciones. La repetición, dando a la música su "estructura espinal", es la forma principal de la mayoría de los arreglos musicales. Típicamente, la melodía se convierte en el foco del ejercicio repetitivo. Se pasa alrededor de la orquesta de una sección a otra, sufriendo muchas variaciones. La tarea del oyente es prestar atención a la melodía en todo momento y nunca perder de vista su progreso. El principio de repetición se aplica a todos los niveles de la construcción musical, incluyendo las notas mismas, el ritmo de los golpes, los movimientos, las secciones y las subsecciones, y el trabajo en su conjunto. Los diversos elementos repetitivos se refuerzan mutuamente. "La forma musical", escribió Copland, "se asemeja a una serie de ruedas dentro de ruedas en las que la formación de la rueda más pequeña es notablemente similar a la del más grande".

el atractivo personal de la música

La letra de una canción puede desempeñar un papel en su expresión rítmica. En las mejores expresiones, las palabras y los sonidos van naturalmente juntos. Si bien no forma parte de la música per se, el elemento verbal debe considerarse en el efecto estético total que tiene una composición musical. Las palabras tienen significados que están personalmente asociados con un oyente. Ellos evocan diferentes pensamientos en las mentes de los diferentes oyentes. Eso sugiere que el poder rítmico de la música, en su sentido más pleno, puede tener más que ver con la creación de una experiencia privada que con la exhibición de la belleza en general. Las palabras y su mensaje se vuelven emocionalmente simbólicos de las cosas en la vida de una persona. Si eso es cierto, es posible que algunos de los otros elementos de la música, que tienen que ver con las cualidades del sonido, también puedan agitar los corazones y las mentes de los oyentes porque estos oyentes están dispuestos a ser movidos individualmente.

La música, entonces, tiene estos diferentes elementos. Cada elemento de la música orquestal, así como otros tipos, exhibe muchas variaciones. La música hermosa se ha escrito en varios modos. ¿Qué se puede decir de la música en general? Se podría decir en general que la música, en contraposición al ruido, da una sensación de orden. Los sonidos no se ejecutan en todas las direcciones, pero tienen un diseño. Cada parte se crea con referencia a otras partes. Cada uno contribuye al patrón del todo. Sin embargo, dentro de este patrón hay vida. Hay espíritu que quiere realizarse. La música hermosa golpea un equilibrio entre orden y caos, repetición y novedad, regularidad y variación. Un patrón completamente regular de sonidos sería aburrido. Alguna irregularidad y complejidad debe introducirse en la música para hacerla más interesante, pero no demasiado.

Una vez oí a un conductor sinfónico decir en una entrevista radial que el metrónomo era el enemigo del ritmo. En su opinión, las obras musicales deben realizarse de una manera que dé una sensación de libertad y espontaneidad. El ritmo no debe ser mecánico porque no sería entonces humano. Con el fin de involucrar a nuestra imaginación, la música debe tener cierta salvajidad al respecto, testificando al espíritu interior. La referencia de Aaron Copland a "la grande ligne" - la línea larga - capta una sensación de ese espíritu. En los ritmos de todo tipo se encuentra la continuidad o el sentido del flujo. Una obra musical fluida se construye sobre sí misma rítmicamente. No habrá lugares donde la expresión llegue a un callejón sin salida, se quede sin ideas y luego muera. Alguna fuerza poderosa de la imaginación creativa tira de la expresión a lo largo. La buena música tiene un impulso de pensamiento continuo que sabe dónde dirigirse a continuación. "Una gran sinfonía", escribió Copland, "es un Mississippi hecho por el hombre, al que irresistiblemente fluimos desde el instante de nuestra partida hasta un destino largo previsto".

El ritmo, como la belleza, está en el ojo (o el oído) del espectador. El placer que uno toma de un pedazo de música depende en gran parte de la aptitud estética y del condicionamiento del oyente. Todos podemos entender ritmos sencillos, pero tienden a ser aburridos. Experimentamos emoción emocional a medida que el ritmo se vuelve más completo y perceptivamente más desafiante, siempre y cuando su percepción permanezca a nuestro alcance. Si el ritmo se vuelve demasiado complejo, sin embargo, lo perdemos. Así que el grado adecuado de complejidad en la música depende del oyente. Como el número correcto de libras para un levantador de peso depende del acondicionamiento y la fuerza del atleta, por lo que los ritmos más satisfactorios serán los que gravan los talentos perceptivos del oyente en el grado correcto. Un buen ritmo primero consigue su "gancho" en el oyente. Una vez que el oyente está enganchado, por lo general puede ser llevado a las experiencias rítmicas más exigentes y emocionantes sin perderse.

Los estudios académicos de música confirman la teoría de que una determinada pieza de música afecta a las personas de manera diferente. Diana Deutsch en la Universidad de California, San Diego, ha encontrado "enormes diferencias individuales en la forma en que la gente escucha la información musical". Esto puede tener menos que ver con el entrenamiento musical del oyente o el grado de sofisticación que se creía una vez. Incluso los patrones de notas y melodías simples tienden a ser escuchados de manera personal.

Este hecho no es un buen presagio para la música abstracta moderna. "Creo que es razonable decir que componer música con lápiz y papel sobre la base de abstracciones matemáticas, como una serie de patrones o problemas a resolver, es, si se quiere, incorrecto", dijo Deutsch. "El mecanismo auditivo humano no puede procesar una abstracción". Así que estamos de vuelta a las antiguas maneras de apreciar la música. La música, dicen algunos, proporciona un "viaje o viaje psíquico" que promete ciertas "recompensas" estéticas y cumple la mayoría de las "expectativas", pero también introduce "sorpresas periódicas".

Al final, hay límites para poner el ritmo bajo un microscopio para ver qué hay allí. Ese es el enfoque centrado en el texto. La idea de estudiar textos o partituras como si fueran obras maestras frágiles producidas por el genio es la manera equivocada de acercarse al ritmo. Esto hace que el ritmo difícil cuando es, de hecho, bastante fácil. Para, hay un cierto humor cuando cualquier acto creativo se convierte en una obra del genio y nada puede salir mal. El foco no debe estar en el trabajo sino en el momento creativo. La pregunta que vale la pena hacer no es qué arreglos exquisitos se encuentran en una expresión completa, pero: ¿Cómo me pongo en el estado de ánimo? ¿Cómo puedo traer el estado de la creación rítmica todo-poderosa?

Nota: Este es el capítulo 5 del libro, Rhythm and Self-Consciousness, de William McGaughey, publicado por Thistlerose Publications en 2001.

 

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