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Rhythmus in der Musik

zu: analyse

Es gibt etwas über Musik, die den Geist erfreut. In aller Vernunft hätte man sich nicht vorstellen können, daß ein solches Vergnügen wie es wäre. Musik ist ein göttliches Geschenk. "Ohne Musik", erklärte Friedrich Nietzsche, "das Leben wäre ein Fehler." Psychologie Heute hat eine Umfrage über die Arten von Erfahrungen gemacht, die den Menschen die meisten "Nervenkitzel" gaben. Mit 96 Prozent der Befragten zitierten seine Freuden, die Musik überstieg die Liste. Eine schöne Melodie wurde beurteilt, um emotional die befriedigendste Sache zu sein, die das menschliche Leben zu bieten hat. Jede Gesellschaft auf der Erde hat Musik und Tanz.

"An der Wurzel aller Macht und Bewegung, im brennenden Zentrum des Daseins selbst, gibt es Musik und Rhythmus, das Spiel der gemusterten Frequenzen gegen die Matrix der Zeit", Journalist und Autor George Leonard hat geschrieben. "Bevor wir Musik machen, macht uns Musik. Das gesegnete Gehör des Hörens dient als Kanal, durch den wir an unsere tiefsten Ursprünge erinnert werden können. Denn die Musik ist eine Reflexion im Klang der Weltstruktur und macht die rhythmische Qualität in allen Dingen ausdrücklich. "

Jeder lebt mit dem Rhythmus seines eigenen Herzschlags und der Lungen, die ständig ein- und ausatmen. Die menschliche Rede hat Rhythmen von gestressten und unbetonten Silben. Song weds rhythmische Rede zu den pulsierenden Klängen der Musik. Musikalische Rhythmen sind emblematisch für andere Arten von schönen Erfahrungen, die Intelligenz mit den tieferen Geheimnissen des Lebens verbinden. Unsere Herzen schwellen, wenn wir diese zarten, rührenden Geräusche hören. In einer einzigartigen Weise erinnern sie uns an Dinge, die für unsere Seelen kostbar sind.

Auf jeder Ebene unseres Wesens vibrieren wir. Die menschlichen Gehirnpulse mit einer Rate von etwa vierzig Zyklen pro Sekunde während der aktiven Konzentration, fallen auf weniger als einen Zyklus pro Sekunde im tiefen Schlaf. Die Sinnesorgane sind Rhythmus-Transformatoren, die eingehende Energiewellen interpretieren. Wir holen rhythmische Botschaften durch die Vibrationen, mit denen wir in Einklang stehen. Ein Großteil dieser Erfahrung findet unterhalb des Bewusstseinsniveaus statt. Rhythmus wird eine Frage des persönlichen Interesses, wenn es unsere Gefühle und Gedanken auf der bewussten Ebene engagiert. Hier behauptet es ein Erfahrungsfeld, das von rationalem Bewusstsein getrennt ist.

Rhythmische Empfindungen sind schon früh bei uns. Immer noch in der Gebärmutter wird der menschliche Fötus auf das Herz der Mutter aufmerksam. (Ein neugeborenes Baby kann gemacht werden, um still zu werden und einzuschlafen, indem er ein Band mit diesem Ton spielt.) Bei der Geburt beginnen Babys einen lebenslangen Rhythmus der Atmung. Ihre tägliche Routine ist in Zyklen der Wach-Aktivität und Schlaf angeordnet. Die Zeiten der Fütterung und Evakuierung von Abfällen, der Verspieltheit, gefolgt von ruheloser Reizung, von elterlichen Besuchen und alleinliegend in der Krippe, folgen einander in wiederkehrenden Mustern der infantilen Erfahrung. Wenn ein Elternteil mit dem Kind spricht, werden körperliche Gesten und Tonstimmen früher als die Bedeutung von Worten verstanden. Babys unterscheiden schnell zwischen verschiedenen Stimmen. Ihre Fähigkeit zu sprechen, auch in Baby Worten, dauert Jahre. Man könnte also sagen, dass die menschliche Intelligenz selbst mit der Erkennung rhythmischer Muster beginnt. Artikuläre Vorstellungen von Form kommen später.

Rhythmische Intelligenz kann sich auf andere Lebewesen erstrecken. Wölfe heulen in ihren hohen Stimmen. Spatzen zirpen und Eulen schreien. Grillen machen Musik, indem sie ihre Beine zusammen reiben. Heuschrecken produzieren einen charakteristischen Klang, der sich vor etwa 250 Millionen Jahren entwickelt hat, indem er ihre Beine und Flügel zusammensetzt. Der männliche Kastanien-seitige Träller hat mindestens zwei Arten von Liedern, die verschiedene Funktionen bedienen. Das primäre Lied, das Frauen anziehen soll, wird oft während der frühen Paarungszeit gesungen werden. Sobald die Vögel gepaart sind, wechseln die Männer zu sekundären Liedern, die den Growchen ähneln, die dazu bestimmt sind, andere Männer davon abzuhalten, in ihr Territorium einzutreten. Im Gegensatz zu den kurzen und sich wiederholenden Melodien der Singvögel soll der intelligentere Wal im Ozean "raga-artige Kompositionen von außerordentlicher Länge und Komplexität, die irgendwann von sechs bis dreißig Minuten dauern, durchführen".

Die griechische Philosophie betrachtet die Welt aus einer rationalen Perspektive, um Wissen zu schaffen, das der Gesellschaft hilft, auf verschiedene Weise zu funktionieren. Solche Disziplinen wie Naturwissenschaften, Mathematik, Ingenieurwesen und das Gesetz veranschaulichen die von der Vernunft geregelten Handlungsarten. Es gibt jedoch einen anderen Tätigkeitsbereich, der der Vernunft entgeht. Stellen Sie sich die stürmische Atmosphäre in einer Sportbar vor. Der Likör fließt, rauschende Witze werden erzählt, Kunden flirten mit den Kellnerinnen, Musik spielt in einer Jukebox, und ein Jubel geht von denen, die sich um einen Großbildfernseher versammelt haben, wie die Heimmannschaft punktet.

Aus einer rationalen Perspektive gehören rhythmische Erlebnisse wie diese zu jenem anderen Lebensbereich, der irrational und wild, aber auch persönlich spannend ist. Die Phrase "Wein, Frauen und Lied" - aktualisiert in letzter Zeit zu "Sex, Drogen und Rock 'n Roll" - umarmt einige Elemente dieser Kultur. Leidenschaftliche Liebe, veränderte Chemikalien und vor allem Musik sind die ewigen Heftklammern ihres Lebensstils. Diese Seite des Lebens stellt das "Werden" und nicht das "Sein" dar, die Stimmung schwingt zwischen extremer Freude und Depression, die Lust-zentrierten Werte - kurz, alles, was Platon verachtet hat.

Historiker unterscheiden zwischen den "apollinischen" und "dionysischen" Traditionen in der klassischen griechischen und römischen Kultur. Apollonische Kultur umfaßte die Künste und Wissenschaften, die dem olympischen Gott Apollo zugeschrieben wurden. Obwohl er Gott der Musik war, war Apollo auch für Erfindungen höherer Zivilisation in Bereichen wie Medizin, Philosophie, Recht und Landwirtschaft verantwortlich. Apollonische Kultur repräsentiert dann das rationale Prinzip im zivilisierten Leben. Im Gegensatz zu diesem Prinzip waren die unterirdischen kulturellen Praktiken, die mit der Verehrung des thrakischen Gottes Dionysos verbunden waren, der der Gott des Weines und der Fruchtbarkeit war. Seine kultischen Zeremonien zeigten betrunkene Orgien, tanzten auf den Punkt der ekstatischen Raserei und groteske Rituale, in denen die Verehrer lebende Tiere zerrissen und ihr Blut tranken.

Der römische Nachfolger Gott, Bacchus, erregte solche Schauspiele der öffentlichen Trunkenheit und Zügellosigkeit, dass die römische Regierung im Jahre 186.C.C. Verboten die bacchantischen Zeremonien. Allerdings hat ihre kultische Tradition im Leben von Dichtern, Künstlern und Musikern wie den englischen oder deutschen romantischen Dichtern des frühen 19. Jahrhunderts oder den "Blumenkindern" gelebt, die in den späten sechziger Jahren nach San Francisco zogen. Es wird immer unter den Jugendlichen folgen?

Die rhythmische Kultur erstreckt sich auf die Künste der Geselligkeit. Der Genuss des Humors beinhaltet einen gewissen Rhythmus. Um eine Person lachen macht ihn buchstäblich vibrieren. Die humorvolle Botschaft oder der Scherze erreicht ihren Höhepunkt, wenn der Zuhörer eine Inkongruenz im Fluß des rationalen Ausdrucks erkennt. Dann ändert sich die Stimmung plötzlich von der ernsten Kommunikation zur Verspieltheit. Rhythmus kann auch in die bildende Kunst eintreten. Mittelalterliche chinesische Gemälde, die mit Pinsel und Tinte gezeichnet werden, erzeugen zerbrechliche Aussichten auf bergige Landschaften oder windende Tiere nach einem taoistischen Konzept, ch'i-yun, das übersetzt "Geistresonanz". Der rhythmische Geist des Gegenstandes sollte die Hand des Künstlers während der Schöpfung leiten.

Traditionell haben landwirtschaftliche Arbeiter Lieder gesungen, während sie Back-Breaking arbeiten. Die französisch-kanadischen Voyageure des 17. und 18. Jahrhunderts, die tierische Pelze in großen Kanus über nordamerikanische Wasserwege transportierten, benötigten körperliche Kraft und Ausdauer. Es wird berichtet, dass "weil sie sangen, um die Stunden des Paddelns zu verlassen, ihre Stimmen waren fast so wichtig wie ihr Bizeps, und ihre Singstimmen wurden berücksichtigt, als sie für die Jobs gewählt wurden."

Rhythmus in der Volkskultur

Dieser Aspekt des Lebens wird im Zeitalter der Volkskultur betont. Die zeitgenössischen Medien der elektronischen Aufzeichnung und des Rundfunks erlauben es, Bilder von Sicht und Klang dem Publikum in ganz sinnlichen Details zu vermitteln. Bandaufnahmen bewahren den Klang einer menschlichen Stimme oder eines Musikinstruments, wie es ursprünglich gehört wurde. Radio liefert diesen Sound zu einem großen und verstreuten Publikum. Motion-Bilder und Videoaufnahmen erlauben es, sowohl visuelle als auch auditive Bilder in ihren Medien zu erfassen. Fernsehen ist ein leistungsfähiges Werkzeug für die Verbreitung von Bildern von Anblick und Ton. Solche Geräte zeichnen Bilder, die sich durch die Zeit bewegen, entweder als Schallwellen oder als eine Folge von visuellen Bildern, die Bewegung beeinträchtigen. Im Gegensatz zum Druck vermitteln sie sinnliche Bilder und nicht Worte. Die neuen Medien der Kommunikation zeigen Rhythmus in ihren verschiedenen Formen. Personen, die regelmäßig qualitativ hochwertige Rhythmen produzieren, sind in dieser Kultur sehr gefragt.

Musik ist der dominierende Inhalt für Radio. "Disk Jockeys", die die musikalischen Selektionen ankündigen und spielen, sind die dominierende Radiopersönlichkeit. Ihre Rolle wurde erweitert von der Präsentation von Musik, um Sportgespräche und Leerlauf-Chit-Chat in Formaten, die an Morgen Pendler ansprechen, Sie bieten "verherrlichte Kameradschaft" an, wie ein Morgen-Show-Host es genannt hat. Das hörende Publikum hungert nicht nur für Musik, sondern für Einblicke in die menschliche Persönlichkeit. In den alten Tagen war Radio ein Lieblingsmedium für Direktsport-Rundfunk, Nachschlagewerke, Komödien und dramatische Werke in serieller Form. Obwohl einige dieser Programme fortgesetzt wurden, werden sie von ihren Kollegen im Fernsehen verfinstert, was dem Klang visuelle Bilder hinzufügt.

Newscasts, Sendungen von Sportwettkämpfen und dramatische Aufführungen, vor allem Sitcoms, sind die Hauptkategorien der Fernsehprogrammierung. Spiel-Shows, Real-basierte Journalismus, Late-Night-Talk-Shows, Nachmittag "Seifen-Opern" und Beziehung-fokussierte Talk zeigt, dass Attraktivität vor allem Frauen sind einige andere beliebte Typen. Varieté-Shows wie Ed Sullivans, die musikalische Taten präsentierten, sind verblasst. Der gemeinsame Nenner von Rundfunk- und Fernsehshows sowie von Phonographen und Kinofilmen vor ihnen ist, dass sie in ihren verschiedenen Formen einen Rhythmus aufweisen. Sie kennzeichnen einzelne Darsteller, die Rhythmus liefern können. Dieser Rhythmus passt sich den persönlichen Qualitäten des Darstellers an, die sinnlichen Erscheinungen von Gesicht und Stimme sowie von den Gewohnheiten des Darstellers. Programm-Gastgeber mit "das Geschenk der Gab" vermitteln auch rhythmische Persönlichkeit.

Die Umstellung auf die elektronisch produzierte Unterhaltung hat die Aufmerksamkeit von gedruckten Texten auf sich genommen und ihre Autoren von öffentlichem Beifall entkleidet. Während es unter den Hollywood-Drehbuchautoren und Schriftstellern von Fernsehskripten moderne Shakespeares gibt, erhalten sie wenig Anerkennung. Stattdessen werden die Schauspieler und Schauspielerinnen, die sich auswendig lernen und ausführen, zum Mittelpunkt der Aufmerksamkeit. Das gleiche gilt für musikalische Komponisten und die Personen, die ihre Musik ausführen.

Wenn die Musik eine Komposition für Instrumente ist, kann der Komponist noch erkannt werden; Aber wenn die Musik für die menschliche Stimme geschrieben wird, dann genießt der Sänger und nicht der Songwriter die Hauptrolle. Elektronische Aufnahmen und Sendungen sind so leistungsstarke Medien für die Bereitstellung von sinnlichen Bildern, dass diese Bilder kreatives Design überstrahlen. Der menschliche Darsteller, der vor der Kamera steht, ist das Bild, das das Publikum will. Verständlicherweise haben Männer und Frauen, die ein gutes Aussehen besitzen und einen gewissen persönlichen Magnetismus besitzen, an die Spitze dieser Kultur auf Kosten von schlagenden Individuen mit bloßer kreativer Vision.

Weil ein "Star" -Akteur, Sänger, Sportler oder ein anderer Darsteller ein einzigartiges persönliches Gut auf dem Markt ist, kann der Preis, den diese Person für seine Leistung beherrschen kann, astronomische Level erreichen. Das Publikum, das an die Persönlichkeiten ihrer Lieblingskünstler gewöhnt ist, akzeptiert keinen Ersatz. Deshalb steigt der Preis nach dem Angebot von Angebot und Nachfrage, wo die Nachfrage das Angebot so stark übersteigt. Nicht nur bekannte Darsteller erhalten riesige Geldsummen für die Ausübung ihrer Unterhaltungsfähigkeiten. Sie, wie Berühmtheiten, sind auch für "Berühmtheit Endorsements" von Produkten bezahlt. Michael Jordan, der Basketball-Star, hat Millionen von Dollar für die Unterstützung Nike Sportschuhe, ein Produkt im Zusammenhang mit seinem Sport, aber nicht zu Jordanien Basketball Fähigkeiten per se erhalten.

Diese Situation schafft eine Anomalie, in der menschliche Darsteller, die nicht-technische und oft körperliche Fähigkeiten ausüben, mehr großzügig kompensiert werden als zerebrale Arten, darunter vielleicht die Person, die die elektronischen Geräte erfunden hat, die es möglich machten, das Bild des Darstellers zu vergrößern. Obwohl der Beitrag dieser Person auch einzigartig war, schuf er ein patentierbares Design und nicht einen persönlichen Rhythmus. Das Design war Form. Es war ein Schema, das, sobald es artikuliert und als technologischer Plan dargestellt wurde, viele Male repliziert werden konnte. Daher war es möglich, die Versorgung des Produkts aus der Blaupause zu erhöhen, um jede Nachfrage zu erreichen und der Preis würde herunterkommen. Aus ökonomischer Sicht ist der Unterschied zwischen Rhythmus und Form, dass die Bereitstellung von Persönlichkeits-basierten Rhythmen durch ihre Einzigartigkeit begrenzt ist, während Form ihre eigene Mittel zur Erhöhung des Angebots ist.

ob der Rhythmus nach Belieben produziert werden kann

Denn der Rhythmus ist so kostbar, jeder will es. Es gibt ein Interesse daran, das "Geheimnis" der Produktion von Rhythmus zu entdecken, damit eine Person dies nach Belieben schaffen kann. Mit anderen Worten, die Menschen wollen in der Lage sein, den Rhythmus auf bestimmte Prinzipien des Wissens zu reduzieren - um "zu bilden", wenn Sie wollen.

Es kann daher möglich sein, sich diesem Thema zu nähern, wie die griechischen Philosophen und fragten: "Was ist der Rhythmus? Was ist seine Definition? "Das Wort des neuen Jahrhunderts definiert den Rhythmus als:" Bewegung oder Prozedur mit gleichmäßigem Wiederauftreten eines Beats, Akzentes oder dergleichen; Im allgemeinen das Verfahren, das durch das regelmäßige Wiederauftreten bestimmter Elemente, Phrasen usw. gekennzeichnet ist; Speziell in der Musik, die Struktur einer Komposition mit Bezug auf die Verteilung ihrer sukzessiven Beats oder Akzente, wie sie sich von Melodie und Harmonie unterscheidet. "Aus diesen Worten kann man vermuten, dass der Rhythmus eine Schöpfung ist, in der gewisse tonale Klänge oder Beats, treten in regelmäßigen Abständen über einen Zeitraum von Zeit auf. Der Rhythmus ist wie der eigene Herzschlag. Die Beats sind ästhetisch ansprechend und kontrolliert.

Wir werden den Begriff "Rhythmus" anders verwenden. Rhythmus ist die Schönheit in der schönen Musik oder, in der Erweiterung, die Schönheit jeder Erfahrung, in der ein intelligenter Ausdruck, wie Musik, angenehm über einen Zeitraum von Zeit präsentiert wird. Der Rhythmus ist also nicht die Schönheit in einem Gemälde oder eine Statue, die in einem einzigen Moment wahrgenommen wird, sondern eine Anordnung in der Zeit. Seine Ereignisse sind auf einem zeitlichen Kontinuum angeordnet. Neben Musik und Tanz erscheinen rhythmische Ausdrücke in persönlichen Gesprächen, sportlichen Wettbewerben, dramatischen Werken, Geschichtenerzählungen und den meisten Arten von Produktionen für Radio- und Fernsehsendungen.

Wie für eine Definition, um alle diese Situationen zu decken, könnte das schwierig sein Paraphrasierung von Louis Armstrongs Aussage über Jazz, würde der Philosoph sagen: "Du wirst es wissen, wenn du es siehst (oder hörst). Und wenn du es weißt, musst du nicht fragen. "Jeder weiß, was er oder sie denkt, ist schön oder persönlich bewegt. Rhythmus ist das, was eine Person persönlich bewegt, sowohl in einer emotionalen als auch intellektuellen Weise. Sein persönlich, Rhythmus ist nicht leicht in eine allgemeine Form gebracht werden. Also muss seine Definition auf dieser Notiz bleiben.

Allerdings würden wir uns freuen, die Leser dieses Buches zu verlassen und erwarten, über den Rhythmus zu lernen, mit dem Schluss, dass der Rhythmus einfach das ist, was in ihren eigenen Köpfen ist. (Wir sind nicht wie einige der anderen Hucker, die den Klienten das Sprechen lassen und keine eigenen Gedanken machen.) Also, für eine allgemeine Diskussion über den Rhythmus, könnte der beste Ort, um zu beginnen, um die Qualitäten in der Musik zu diskutieren. Die Elemente der Musik sind klar und spezifisch in Bezug auf andere Arten von rhythmischen Phänomenen.

In der Theorie hat die rhythmische Musik ein Design, das, das philosophisch bekannt ist, ein allgemeines Muster für die Schaffung von mehr der gleichen werden könnte. Das Problem könnte auf diese Weise angepasst werden: Kann schöne Musik aus einer Formel geschrieben werden? Oder gibt es ein Computerprogramm, das diese Art von Musik schreiben kann? Wenn menschliche Komponisten wissen, wie man solche Musik schreibt, dann sollte sicher jemand in der Lage sein, sie zu fragen, wie sie es gemacht haben und mit diesen Informationen eine Maschine bauen, um es besser zu machen.

Philosophie gibt ein Beispiel dafür, wie musikalische Prinzipien Wissen werden können. Einer der frühesten und erfolgreichsten Versuche, den Klang der Musik zu erklären, wurde von Pythagoras im 6. Jahrhundert gemacht. Die Pythagoreer entdeckten, dass die Harmonie in der Musik aus einer einfachen numerischen Beziehung zwischen den Längen der vibrierenden Saiten in einem Saiteninstrument resultiert. Zum Beispiel beträgt das Verhältnis der Oktave 2 zu 1. Das Verhältnis der fünften beträgt 3 bis 2. Anmerkungen, deren vibrierende Saiten in der Länge durch kleine ganzzahlige Zahlen verknüpft sind, können harmonisch in einen Akkord zusammengestellt werden. Diese Beziehung wurde durch die Beobachtung von mehreren solcher Akkorde entdeckt. Wenn man es wisst, kann man vermutlich das Muster auf andere ganzzahlige Zahlen erweitern, die Länge der Saiten messen und Harmonien schaffen, die bisher unbekannt waren.

Das sind die Verwendungen der Formeln. Aber harmonische Akkorde sind nicht die gleichen wie rhythmische Musik. Rhythmus, als ein eng definiertes musikalisches Element, bezieht sich auf die zeitliche Abfolge von Beats. Harmonie ist ein Klang, der erzeugt wird, wenn mehrere verschiedene Noten gleichzeitig geschlagen werden. Was wir suchen, ist eine breitere Definition von schöner Musik, die alle ihre Elemente umfasst.

Jeder kann sich dieser Frage nähern, indem er bestimmte Fälle des fraglichen Objekts identifiziert und dann ein allgemeines Muster vorschlägt, das alle Fälle passt, aber keiner, der nicht passt. Mit anderen Worten, jeder Mensch könnte einige Passagen aus seiner Lieblingsmusik auswählen und versuchen zu sehen, was die Musik schön macht. Es gibt natürlich viele verschiedene Arten von Musik auf der zeitgenössischen Szene: klassisch, halb klassisch, Jazz, Volksmusik, Country Western, Rock'n Roll, Gospel Songs, Hymnen etc. Und, im klassischen oder, sagen wir, 19. Jh. Deutsche Orchestermusik, es gibt Musik, die von vielen verschiedenen Komponisten geschrieben wurde, die jeweils einen einzigartigen Stil haben würden.

Die Art der Musik kann die Wahrnehmung der Schönheit der Verehrer beeinflussen, und der musikalische Geschmack ist anders. Dennoch weiß jeder, was er oder sie in der Musik mag. Nachdem er einige Lieblingsmusikkompositionen identifiziert hatte, konnte diese Person genau auf die Musik hören und entscheiden, wo und wie es schön ist. Gibt es Orte in der Musik, die besondere Anziehungskraft haben? Wenn ja, welche Elemente sind vorhanden? Wenn man in mehreren verschiedenen Musikstücken eine klare Wahrnehmung der Schönheit hat, dann könnte man doch entscheiden, was die Selektionen gemeinsam haben. Man könnte versuchen, ein Muster in ihnen zu finden und so eine Vorstellung davon zu formulieren, was für eine schöne Musik überhaupt ist, oder sogar welcher Rhythmus im Allgemeinen ist.

Man kann diese Art von Übung in Frage stellen. Wir versuchen, die Schönheit der Musik in einer Formel zu erfassen oder zu versuchen, den wesentlichen Bestandteil des Rhythmus zu definieren, als ob es ein chemisches Element oder eine Belastung des Virus wäre. Das sprudelnde Element der rhythmischen Musik kann nicht mehr unter ein analytisches Mikroskop gestellt werden, als man den Humor vielleicht analysieren und sagen könnte, warum ein besonderer Witz lustig war. Der komische Sinn - der Teil, der seinen emotionalen Kick liefert - ist schwer zu erklären, obwohl jeder weiß, wann etwas lustig ist. Ebenso berührt der Rhythmus der Musik den menschlichen Geist in mysteriöser, aber evidenter Weise. Die Hauptsache ist, Rhythmus zu erkennen und zu schätzen, nicht zu erklären.

jenseits des allgemeinen Wissens

Rhythmische Schönheit kann jenseits des verallgemeinerten Wissens liegen Während Platon an musikalischen Studien interessiert war, verspottete er die Pythagoreer, die auf der Suche nach Wahrheiten über die Natur der Harmonie "messen, hörbare Konkordionen und Klänge gegeneinander, die viel unnötige Arbeit ausüben ... sie reden von etwas, das sie Minima nennen und sie legen Ohren neben, als ob sie versuchen, eine Stimme von nebenan zu fangen, bestätigen einige, dass sie eine Notiz dazwischen hören können und dass dies das kleinste Intervall und die Maßeinheit ist, während andere darauf bestehen, dass die Noten nun identische Klänge darstellen, die beide bevorzugen Ihre Ohren in ihren Köpfen ... Die Zahlen, die sie suchen, sind in diesen hörenden Konkordationen zu finden, aber sie steigen nicht auf generalisierte Probleme und die Betrachtung, welche Zahlen inhärent übereinstimmen und welche nicht und warum in jedem Fall. "

Im Philebus wies Platon darauf hin, dass es zwei Arten von Kunst und Handwerk gab, die sich durch ihre Verwendung oder Nichtnutzung von allgemeinem Wissen auszeichneten. Die "überlegenen Wissensarten", so schlug er, wurde in jenen Künsten gefunden, die nach genauen Normen "nummerieren, messen und wiegen" Zum Beispiel erforderten die Künste der Zimmerei und des Hochbaus diese Art von Wissen. Musik war ein Beispiel für die andere Kunst. Sein Wissen hing von "Vermutung und der Ausübung Ihrer Sinne auf der Grundlage von Erfahrung und Faustregel ab, wobei die Verwendung dieser Fähigkeit, Glücksschüsse, die gemeinhin den Titel der Kunst oder Handwerk, wenn es seine Position durch konsolidiert hat, zu machen Trotz der fleißigen Praxis. "Plato schlägt daher vor," die Künste und Handwerke, die so in zwei Klassen genannt werden, zu teilen, diejenigen, die mit Musik in ihren Tätigkeiten verwandt sind, und denen, die mit der Zimmerei verwandt sind, wobei die beiden Klassen durch einen kleineren und einen größeren Grad an Genauigkeit gekennzeichnet sind . "

Die verschiedenen Künste mit Rhythmus fielen in diese zweite Kategorie. Plato mißtraute der Musikproduktion; Er sah dies als einen potenziell subversiven Einfluss in der Gesellschaft. Die Wächter des Staates, die er gewarnt hat, sollten "gegen Innovationen in der Musik wachsam sein ... denn die Musiktypen werden niemals gestört, ohne die grundlegendsten politischen und gesellschaftlichen Konventionen zu beunruhigen." (Diese Aussage wurde von den Aussagen von 2.400 Jahren erwartet Der zweitgrößte Beamte des Kremls, Yegor Ligachschow, warnte 1987 vor der Infiltration der "massenbürgerlichen Kultur", die er bei den Jugendlichen zur Rebellion veranlasste.)

Platons Haupteinwand gegen die Musik war jedoch das Versagen, auf das Niveau der Allgemeinheit zu steigen. Der Praktizierende der Musik, schrieb er, "passt seine Einführungen nicht durch die Messung von Glücksschüssen eines geübten Fingers an." Diese Ungewißheit wurde gefunden "in der ganzen Musik, Flötenspiel und Leihen, die gleich spielen, denn dieser letztere jagt für die richtige Länge Von jedem String, wie es seine Notiz gibt, macht einen Schuss für die Notiz und erreicht ein unzuverlässiges Ergebnis. "

Der "praktizierte Finger" eines erfahrenen Musikers wird über einen langen Ausbildungszeitraum entwickelt. Sogar dann kann nicht garantiert werden, dass die Leistung gut geht. (Das ist es, was die Live-Aufführungen des Rhythmus so spannend macht, wenn sie gut gehen.) Doch in der Theorie hat die Musik eine ideale Form. Platon bemerkte, daß im Bereich der gehörten Gegenstände "hörbare Klänge, die glatt und klar sind und eine einzige Reihe von reinen Tönen liefern, schön sind, nicht im Verhältnis zu etwas anderem, sondern an sich selbst." An anderer Stelle schlug er vor, dass "die Kunst Der Musik war es, Harmonie zu schaffen, indem sie die Zwietracht zwischen den Höhen und dem Bass auflöste ... als (wir) produzieren wir den Rhythmus, indem wir den Unterschied zwischen schnell und langsam lösen. "Dann machte Platon eine überraschende Aufnahme:" Aber wenn wir zu dem kommen Anwendung von Rhythmus und Harmonie auf menschliche Aktivitäten - wie zum Beispiel die Komposition eines Liedes oder die Unterweisung von anderen in der richtigen Leistung von Luft und Maßnahmen, die bereits komponiert wurden - dann, Herren, begegnen wir uns mit Schwierigkeiten, die eine fachliche Handhabung verlangen . "

Platon scheint auf die Idee des goldenen Mittels zurückzukehren, als er schrieb, dass der Rhythmus "den Unterschied zwischen schnell und langsam" und die Harmonie "die Zwietracht zwischen den Höhen und dem Bass" auflöst. Wenn es darum ging, den Mittelwert zu finden, würde man auch denken, dass die rhythmische Musik irgendwo zwischen überkomplexen, lärmähnlichen Geräuschen, auf einem Extrem und langweilig einfacher tonaler Darstellungen auf der anderen Seite fiel. Die stetige Tonhöhe einer Stimmgabel oder sogar Platons "Single-Serie von reinen Noten" würde das letztere Extrem illustrieren. Denn es scheint, dass gute Musik einen mittleren Kurs zwischen übermäßig und unzureichend komplexen lenkt. Es hat gerade genug Komplexität, um die musikalische Phantasie des Zuhörers herauszufordern, aber nicht genug, um Verwirrung zu erzeugen, wie es die atonalen Symphonien manchmal tun.

Auch wenn die Allgemeinheiten die schöne Musik beschreiben können, können sie nicht in der Lage sein, den Prozess der künstlerischen Schöpfung zu ersetzen. Die Frage ist, ob der Prozess des Komponierens von qualitativ hochwertiger Musik geheimnisvoll aus dem Geist und dem Herzen eines Genie-Komponisten entspringt oder auf eine Methode reduziert werden kann? Rousseau behauptete, dass sein Freund, John Philippe Rameau, eine solche Methode zum Komponieren von Musik erfunden habe. Dennoch ist er einer der weniger bekannten Komponisten in diesem Alter.

Intuitiv fühlt man, dass keine einfache Formel oder ein Prinzip als "Blaupause" für diese kreative Tätigkeit dienen kann. Musik enthält eine solche Mischung von sequentiell komplexen Elementen, die nur eine Intelligenz, die sich dem Menschen in seinen verschiedenen Fähigkeiten nähert, etwas von Wert machen könnte. Um Musik per Computer zu komponieren, könnte eine Option in der heutigen Welt sein. Computer können verschiedene Muster im Gedächtnis halten, nacheinander arbeiten und viele Dinge tun.

Die meisten Studioaufnahmen werden heute mit Computern durchgeführt. Sie arbeiten mit elektronischen Synthesizern zusammen, um Töne zu koordinieren und zu modifizieren. Ein einziger Komponist-Performer-Techniker, der mit einem Computer arbeitet, kann Aufnahmen produzieren, die einst eine vollständige Mannschaft von Musikern benötigt hätten. Synthesizer können den Klang eines bekannten Musikinstruments erzeugen oder ganz künstliche Klänge erzeugen. Sie können auf Klänge zurückgreifen, die digital abgetastet und gespeichert wurden, neben komplexen Rhythmen stehen und die Geschwindigkeit variieren.

Musikalische Aufführungen sind nicht mehr durch menschliche Intelligenz oder manuelle Geschicklichkeit begrenzt. Was Computer noch nicht tun können - zumindest nicht meines Wissens - ist es, automatisch neue musikalische Kompositionen zu kreieren, deren rhythmische und ästhetische Qualitäten denen entsprechen, die in weltberühmten Orchestermeisterwerken zu finden sind. Vielleicht eines Tages wird das möglich sein. Mittlerweile müssen wir uns auf menschliche Komponisten verlassen und auf das hören, was sie über den kreativen Prozess zu sagen haben.

Aaron Coplands Erklärung der Musik

Ein amerikanischer Komponist des 20. Jahrhunderts, Aaron Copland, schrieb ein Buch, Was in Musik zu hören ist, das diesen Prozess aus der Sicht eines Komponisten legt. Aus diesem Buch lernt man, dass die symphonische Komposition mehr wie eine Schwangerschaft ist als eine mechanische Fertigung. "Jeder Komponist beginnt mit einer musikalischen Idee", schrieb Copland. Die Idee oder das Thema kann eine "Melodie" oder "eine Melodie mit Begleitung" oder "eine rein rhythmische Idee" oder etwas anderes sein.

Der Komponist sammelt diese Ideen in einem Notizbuch. Er studiert jeden genau "für seine rein formale Schönheit ... die Art, wie er aufsteigt und fällt." Er wird dann versuchen, "andere Ideen zu finden, die mit dem Original zu tun scheinen", entweder durch Ähnlichkeit oder Kontrast. Der Komponist wird versuchen, Ideen durch einen "Dehnungsprozess" oder "sogenanntes Brückenmaterial" zu verbinden. Wenn man Ideen in ein fertiges Werk verwandelt, wäre das Objekt "das Zusammenschweißen von all dem Material, so dass es ein zusammenhängendes Ganzes macht ... alles muss an seinem Platz sein." Die Knotenpunkte sollten glatt und natürlich erscheinen, anstatt konstruiert zu werden.

Jeder Komponist hat seine eigene Arbeitsweise, die eine Kombination aus phantasievollem Denken und der intellektuellen Arbeit des Bauens eines fertigen Werkes beinhaltet. Der energische Franz Schubert, den Copland den "spontan inspirierten Komponisten" nannte, erfüllte fast jeden Tag fertige Werke. Beethoven hingegen illustriert den "konstruktiven Typ" des Komponisten, der geduldig die Struktur von Klängen aus Ideen in einem Notizbuch schafft.

Jeder engagierte Komponist oder Songwriter hat regelmäßig Ideen. "Ich schreibe überall Songs - im hinteren Teil des Autos, in Hotelzimmern, auf Flugzeugen", sagte Johnny Cash, der amerikanische Pop-Sänger, der keine Noten von Musik lesen konnte. Irving Berlin, ebenfalls musikalisch Analphabet, installierte eine Kupplung an seinem Klavier, die ihm erlaubte, die Tasten einfach zu wechseln. Als er die richtige Melodie fand, würde eine Sekretärin die Notizen notieren. Jede Art von Musik hat ihre eigenen Konventionen oder Formen, die Anleitung für den kreativen Prozess bieten.

Aaron Copland's Buch überprüfte die Elemente, die in die Musik gehen. Die vier Grundelemente sind: Rhythmus, Melodie, Harmonie und Klangfarbe. Rhythmus ist die Anordnung von wiederkehrenden gestressten und unbelasteten Beats in regelmäßigen Abständen in der Zeit. Melodie ist die Folge von einzelnen Noten mit unterschiedlicher Tonhöhe. Harmonie ist das gleichzeitige Klingen von zwei oder mehr verschiedenen Tönen in einem Akkord. Tonfarbe bezieht sich auf das Holz eines Instruments oder seiner Obertöne. Die Töne oder Noten sind Klänge einer bestimmten Tonhöhe, die in einer musikalischen Skala angeordnet werden können. Die Noten können ein gewisses Maß an Lautstärke oder Intensität haben. Die Gesamtstruktur eines musikalischen Werkes müsste auch bei der Bestimmung ihrer Qualität berücksichtigt werden. Rhythmus, im weitesten Sinne, ist, wie gesagt, die insgesamt emotionale oder ästhetische Wirkung, die die Musik auf eine Person hat.

Im engeren Sinne ist der Rhythmus das originale und grundlegendste Element der Musik. Copland bietet das Beispiel von Fußschlägen in einer Parade: LINKS-rechts, LINKS-rechts; Oder, ONE-two, ONE-two. Dies entspricht dem 2/4-Mal in der Musik. Der Rhythmus von 3/4 mal wäre: ONE-two-three, ONE-two-three. Tänzer des Walzers würden das erkennen. Normalerweise, aber nicht immer, der Stress ist auf dem ersten Schlag der Maßnahme.

Das im 12. Jahrhundert entwickelte Schema der gemessenen Musik erlaubt es, musikalische Notationen schriftlich zu bewahren. Jeder Wiederholungssatz von Beats ist ein Maß oder eine Bar. Die Noten befinden sich bei den Beats. Diese Notizen können je nach Dauer: ganze Noten, halbe Noten, Viertelnoten, sechzehnte Notizen und so weiter sein. Ganze Noten dauern doppelt so lange wie halbe Noten, die doppelt so lange wie Viertelnoten dauern. Die tatsächliche Dauer jeder Klangnote ist relativ zu der der ganzen Note. Die Geschwindigkeit des Rhythmus heißt das "Tempo". Wenn es vier Viertelnoten gibt, wird die Musik in vier Viertelzeit (4/4) geschrieben. Dreiviertelzeit (3/4) Musik hätte drei Viertelnoten pro Maß.

Nicht alle Rhythmen haben einfache, plötzliche Beats. Die Rhythmen können vom strengen Meter abweichen, um bestimmte expressive Bedürfnisse zu erfüllen. Bis zum Mittelalter folgten musikalische Rhythmen mit Sprachmustern. Die Muster der gestressten und unbetonten Silben der Worte, unterbrochen durch sinnvolle Pausen und moduliert, um bestimmte Wörter oder Gedanken zu betonen, geben die Sprache eine deutlich rhythmische Qualität. Poesie und Musik, mit kunstvoll arrangierten Beats, wurden aus der gleichen kulturellen Tradition geboren.

In primitiven Kulturen schafft das Schlag der Trommeln eine monotone, nonverbale Art von musikalischem Rhythmus. Diese können ziemlich kompliziert werden, wenn mehrere Trommeln gleichzeitig geschlagen werden oder Variationen eingeführt werden. Anstelle der einfachen ONE-zwei, ONE-zwei, kann es sein: ONE-two, ONE-two-three / ONE-two, ONE-two-three; Oder, vielleicht, eins-zwei-drei, ONE-zwei, ONE-zwei-drei / ONE-zwei-drei, ONE-zwei, ONE-zwei-drei. Wenn gleichzeitig mehrere verschiedene Rhythmen erzeugt werden, wird die Musik "polyrhythmisch". Wir sind im Jazz ausgesetzt, wo der Bass aus einer stetigen, unveränderlichen Reihe von Beats besteht, wie andere Rhythmen in den anderen Teilen frei herumschwimmen. Bei polyrhythmischen Klavierstücken spielt die linke Hand in der Regel einen Satz Rhythmen und die rechte Hand.

Melodie, die zweite von Copland's Elementen, ist eine Reihe von Noten, die das musikalische Thema tragen. Hier nehmen wir den Rhythmus als Teil der Hintergrundstruktur an. Melodie ist das künstlerischste Element der Musik; Es besteht aus Notizen, die sich auf verschiedene Klangpositionen auf und ab bewegen. Melodien sind die einzigartige Qualität in Songs. Wir hören auf das melodische Muster, wie es durch eine musikalische Arbeit, fadenartig, webt. Im Gegensatz zum Rhythmus, Melodie Features Variationen von Ton. Töne sind die deutlich aufgeschlagenen Töne von Noten, die von Musikinstrumenten erzeugt werden, die bei bestimmten Frequenzen vibrieren - zum Beispiel "Mitte C". Sie sind in abgestuften Sätzen angeordnet, die als Skalen bezeichnet werden.

In der "chromatischen" Skala der zeitgenössischen westlichen Musik gibt es zwölf gleichmäßig verteilte Töne in einer Oktave. Jedoch werden nur sieben von diesen, die die "diatonische Skala" umfassen, gewöhnlich verwendet. Die Progression der Noten beginnt bei einem bestimmten Tonfall und steigt dann in der Abstimmung in den Intervallen, die durch die musikalische Übung identifiziert werden: do-re-mi-fa-so-la-ti-do. Dieser Bereich der Noten wäre eine komplette Oktave. Die erste Note - "do" - würde den Schlüssel für die Musik setzen, je nachdem, welchen Ton es getroffen hat.

Mit Melodie mehr als Rhythmus kann man ein ästhetisches Urteil auf eine musikalische Komposition anwenden. Es gibt gute Melodien und schlechte. "Warum eine gute Melodie die Macht haben sollte, uns zu bewegen, hat sich bisher aller Analyse entschieden", schrieb Copland. Dennoch identifizierte er einige der Qualitäten, die in guten Melodien gefunden wurden: Solche Melodien hätten "befriedigende Ausmaße". Sie würden "ein Gefühl der Vollständigkeit und Unvermeidlichkeit" geben. Die melodische Linie wäre "lang und fließend, mit niedrigen und hohen Punkten des Interesses und einem klimatischen Moment, der gewöhnlich dem Ende nahe kam." Auch würde es "neigen, sich unter einer Vielzahl von Noten zu bewegen, um unnötige Wiederholungen zu vermeiden." Ob Oder nicht solche Rezepte helfen, gute Melodien zu schaffen, wird davon ausgegangen, dass die meisten Leute eine gute Melodie kennen, wenn sie einen hören.

Das dritte musikalische Element, Harmonie, ist eines, dessen hervorragende Qualitäten leichter verstanden werden. Obwohl Harmonie auch eine Beziehung zwischen den Tönen beinhaltet, klingen die Töne gleichzeitig in einem Akkord statt nacheinander. Wir wissen intuitiv, welche Töne bei der Zusammenspiel einen angenehmen Klang haben. Besondere Notizen sind harmonisch mit anderen Noten, die eine besondere Beziehung zu ihnen in der Skala haben.

"Harmonische Theorie", schrieb Copland, "basiert auf der Annahme, dass alle Akkorde in einer Reihe von Intervallen eines Drittels nach oben gebaut werden." Das bedeutet, dass in der diatonischen Skala von sieben Noten, was auch immer die niedrigste Note im Akkord ist, Der nächste wird zwei Noten höher sein; Und das dritte, zwei Noten höher als das. In Bezug auf die musikalische Skala wäre es "do-mi-sol". Obwohl ein Akkord aus mindestens drei solchen Notizen besteht, kann er auf vier, fünf, sechs oder sogar sieben Noten erweitert werden. Die meisten Chormusik ist in vierteiliger Harmonie geschrieben.

Tonfarbe ist das vierte von Copland's vier Elementen. Dies bezieht sich auf die "Klangqualität", die durch ein bestimmtes Medium der musikalischen Tonproduktion erzeugt wird. "So hört sich ein Tuba anders als eine Trompete oder Klarinette. Jede Art von Orchesterinstrument hat eine eigene Klangqualität, die die Noten anders macht als die von anderen Instrumenten erzeugten Noten. Die Unterschiede haben mit harmonischen Obertönen und anderen Schallverunreinigungen, die mit dem Instrument verbunden sind, zu tun. Darüber hinaus haben die Instrumente unterschiedliche Volumina, Grenzen des tonalen Bereichs und so weiter.

Der Komponist der Orchestermusik muss entscheiden, welches Instrument mit jedem Teil in die Partitur zu bringen, um die beabsichtigte Wirkung zu erzeugen. Es gibt vier Grundtypen von Orchesterinstrumenten: Streicher, Holzbläser, Messing und Schlagzeug. Innerhalb jeder Kategorie sind eine Reihe von verschiedenen Instrumenten, die jeweils ihre eigene "Farbe" haben. Die Wahl der Instrumente wird sich auf die Qualität des gesammelten Klangs auswirken.

Zusätzlich zu den oben erwähnten Elementen sollte man die Struktur der Musik und ihre verbale Begleitung betrachten. In Bezug auf die Struktur schrieb Copland, dass "was auch immer die Form der Komponist zu adoptieren wünscht ... die Form muss haben, was in meinen Studenten Tagen nannten wir la grande ligne (die lange Zeile) ... Jedes gute Stück Musik muss uns ein Gefühl der Strömung - ein Gefühl der Kontinuität von der ersten Note bis zum letzten. "Das Gefühl der Strömung in musikalischen Kompositionen schafft ein Gefühl, dass die Ausdrücke so geschrieben werden sollten wie sie waren. Alle Teile fallen natürlich in Platz. Gute Struktur vermittelt ein Gefühl der "unvermeidlichen Richtung" und gibt dem Zuhörer "ein befriedigendes Gefühl der Kohärenz, die aus der psychologischen Notwendigkeit der musikalischen Ideen entstanden ist, mit denen der Komponist begann."

Im Zusammenhang mit diesem ist die Idee, dass musikalische Kompositionen Balance haben sollten. Gleichgewicht wird durch Wiederholung von Themen erreicht. Die Themen können genau wiederholt werden, oder sie können in Variationen wiederholt werden. Wiederholung, geben Musik seine "Wirbelsäule Struktur", ist die wichtigste Form der meisten musikalischen Arrangements. Typischerweise wird Melodie zum Mittelpunkt der repetitiven Übung. Es wird um das Orchester von einem Abschnitt zum anderen geführt und unterliegt vielen Variationen. Die Aufgabe des Zuhörers ist es, die Melodie jederzeit zu beachten und den Fortschritt zu verlieren. Das Prinzip der Wiederholung gilt für alle Ebenen der musikalischen Konstruktion einschließlich der Notizen selbst, der Rhythmus von Beats, Bewegungen, Abschnitte und Unterabschnitte und die Arbeit als Ganzes. Die verschiedenen Wiederholungselemente verstärken sich gegenseitig. "Musical-Form", schrieb Copland, "ähnelt einer Reihe von Rädern innerhalb von Rädern, in denen die Bildung des kleinsten Rades bemerkenswert ähnlich der des größten ist."

Musik persönliche Anziehungskraft

Die Texte eines Liedes können in seinem rhythmischen Ausdruck spielen. In den besten Ausdrücken gehen die Worte und Töne natürlich zusammen. Während es nicht Teil der Musik per se ist, sollte das verbale Element in der totalen ästhetischen Wirkung betrachtet werden, die eine musikalische Komposition hat. Worte haben Bedeutungen, die persönlich mit einem Zuhörer verbunden sind. Sie zaubern verschiedene Gedanken in den Köpfen der Hörer. Das deutet darauf hin, dass die rhythmische Kraft der Musik im vollsten Sinne mehr mit der Schaffung einer privaten Erfahrung zu tun hat als mit der Schönheit im Allgemeinen. Worte und ihre Botschaft werden emotional symbolisch für Dinge im Leben eines Menschen. Wenn das stimmt, kann es sein, dass einige der anderen Elemente in der Musik, die mit Klangqualitäten zu tun haben, auch die Herzen und Köpfe der Zuhörer rühren können, weil diese Zuhörer einzeln bereit sind, gerührt zu werden.

Musik hat dann diese verschiedenen Elemente. Jedes Element der Orchestermusik, wie auch andere Arten, zeigt viele Variationen. Schöne Musik wurde in verschiedenen Modi geschrieben. Was kann man überhaupt von Musik sagen? Man könnte sagen, dass die Musik, im Gegensatz zum Lärm, ein Gefühl der Ordnung gibt. Die Töne laufen nicht in alle Richtungen, sondern haben ein Design. Jeder Teil wird mit Bezug auf andere Teile erstellt. Jeder trägt zum Muster des Ganzen bei. Doch in diesem Muster gibt es das Leben. Es gibt Geist, der sich selbst erfüllen will. Schöne Musik schlägt ein Gleichgewicht zwischen Ordnung und Chaos, Wiederholung und Neuheit, Regelmäßigkeit und Variation. Ein ganz normales Klangmuster wäre langweilig. Irgendein Unregelmäßigkeit und Komplexität sollte in der Musik eingeführt werden, um es interessanter zu machen, aber nicht zu viel.

Ich habe einmal einen symphonischen Dirigenten in einem Radiointerview gesagt, dass das Metronom der Feind des Rhythmus war. Seiner Meinung nach sollten musikalische Arbeiten in einer Weise durchgeführt werden, die ein Gefühl von Freiheit und Spontaneität gibt. Rhythmus sollte nicht mechanisch sein, weil es dann nicht menschlich wäre. Um unsere Phantasie zu engagieren, sollte die Musik eine gewisse Wildheit darüber haben, indem sie den Geist im Inneren bezeugt. Aaron Coplands Verweis auf "la grande ligne" - die lange Schlange - fängt einen Sinn für diesen Geist ein. In Rhythmen jeder Art findet man Kontinuität oder das Gefühl der Strömung. Eine vollfließende musikalische Arbeit baut sich rhythmisch auf. Es gibt keine Orte, an denen der Ausdruck eine Sackgasse erreicht, aus Einsichten herausläuft und dann stirbt. Eine mächtige Kraft der schöpferischen Phantasie zieht den Ausdruck zusammen. Gute Musik hat eine Dynamik des kontinuierlichen Denkens, der weiß, wo man weiter geht "Eine tolle Symphonie", schrieb Copland, "ist ein künstlicher Mississippi, den wir unwiderstehlich aus dem Augenblick unserer Abreise zu einem langen voraussichtlichen Ziel fließen."

Rhythmus, wie Schönheit, liegt im Auge (oder Ohr) des Betrachters. Die Freude, die man von einem Musikstück nimmt, hängt weitgehend von der ästhetischen Begabung und Konditionierung des Zuhörers ab. Wir können alle einfache Rhythmen verstehen, aber sie neigen dazu, langweilig zu sein. Wir erleben emotionale Erheiterung, da der Rhythmus voller und spürbar anspruchsvoller wird, solange seine Wahrnehmung in unserem Griff bleibt. Wenn der Rhythmus zu komplex wird, verlieren wir ihn aber. So hängt der richtige Grad an Komplexität in der Musik vom Hörer ab. Da die richtige Anzahl von Pfund für einen Gewichtsheber von der Konditionierung und Kraft des Athleten abhängt, werden die meisten befriedigenden Rhythmen diejenigen sein, die die wahrnehmbaren Talente des Zuhörers auf den richtigen Grad steuern. Ein guter Rhythmus bekommt zuerst seinen "Haken" in den Zuhörer. Sobald der Zuhörer gehakt ist, kann er in der Regel in anspruchsvollere und aufregendste rhythmische Erlebnisse gebracht werden, ohne sich zu verlieren.

Akademische Studien der Musik bestätigen die Theorie, dass ein bestimmtes Stück Musik die Menschen anders beeinflusst. Diana Deutsch an der Universität von Kalifornien, San Diego, hat "große individuelle Unterschiede in der Art, wie Menschen hören musikalische Informationen" gefunden. Dies kann weniger mit dem musikalischen Training des Hörers oder dem Grad der Raffinesse zu tun haben, als einmal geglaubt. Sogar einfache Notenmuster und Melodien neigen dazu, persönlich zu hören.

Diese Tatsache ist nicht gut für moderne abstrakte Musik. "Ich denke, es ist vernünftig zu sagen, dass Komponieren von Musik mit Stift und Papier auf der Grundlage von mathematischen Abstraktionen, wie eine Reihe von Mustern oder Problemen zu lösen, ist, wenn Sie möchten, falsch", sagte Deutsch. "Der menschliche Gehörmechanismus kann keine Abstraktion verarbeiten." So sind wir zurück zu den altmodischen Weisen, Musik zu schätzen. Musik, manche sagen, bietet eine "psychische Fahrt oder Reise", die gewisse ästhetische "Belohnungen" verspricht und die meisten "Erwartungen" erfüllt, aber auch "periodische Überraschungen" einführt.

Am Ende gibt es Grenzen zu setzen Rhythmus unter ein Mikroskop zu sehen, was da liegt. Das ist der textzentrierte Ansatz. Die Idee, Texte oder musikalische Partituren zu studieren, als wären sie zerbrechliche Meisterwerke, die durch Genie produziert wurden, ist der falsche Weg, sich dem Rhythmus zu nähern. Das macht den Rhythmus schwierig, wenn es in der Tat ganz einfach ist. Denn es gibt eine gewisse Stimmung, wenn ein kreativer Akt ein Genie-Werk wird und nichts schief gehen kann. Der Fokus sollte nicht auf die Arbeit, sondern auf den kreativen Moment liegen. Die lohnende Frage zu fragen ist nicht, was exquisite Arrangements in einem ausgefüllten Ausdruck liegen, sondern: Wie stelle ich mich in die Stimmung? Wie bringe ich den Zustand der allmächtigen rhythmischen Schöpfung auf?

Anmerkung: Dies ist Kapitel 5 des Buches, Rhythmus und Selbstbewusstsein, von William McGaughey, die Thistlerose Publikationen im Jahr 2001 veröffentlicht.

 

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