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Ritmo em Música

para: análise

Há algo sobre a música que delicia a mente. Com toda a razoabilidade, não se poderia ter imaginado que um prazer como este existiria. A música é um dom divino. "Sem música", declarou Friedrich Nietzsche, "a vida seria um erro." Psychology Today fez uma pesquisa sobre os tipos de experiências que deram às pessoas mais "emoções". Com 96 por cento dos entrevistados citando seus prazeres, a música encabeçou a lista. Uma bela melodia foi julgada emocionalmente a coisa mais gratificante que a vida humana tem para oferecer. Toda sociedade na terra tem música e dança.

"Na raiz de todo poder e movimento, no centro ardente da própria existência, há música e ritmo, o jogo de freqüências padronizadas contra a matriz do tempo", escreveu o jornalista e autor George Leonard. "Antes de fazer música, a música nos faz. O dom abençoado da audição serve como um canal pelo qual podemos ser lembrados de nossas origens mais profundas. Pois a música é um reflexo no som da estrutura do mundo, tornando explícita a qualidade rítmica em todas as coisas ".

Cada um vive com o ritmo de seu próprio batimento cardíaco e dos pulmões continuamente respirando dentro e para fora. A fala humana tem ritmos de sílabas estressadas e não enfatizadas. Song weds discurso rítmico para os sons pulsantes da música. Os ritmos musicais são emblemáticos de outros tipos de belas experiências, conectando inteligência aos mistérios mais profundos da vida. Nossos corações incham quando ouvimos esses sons delicados e agitados. De uma maneira única, eles nos lembram coisas que são preciosas para nossas almas.

Em cada nível do nosso ser, vibramos. O cérebro humano pulsa a uma taxa de aproximadamente quarenta ciclos por segundo durante a concentração ativa, caindo para menos de um ciclo por segundo em sono profundo. Os órgãos dos sentidos são transformadores de ritmo que interpretam as ondas de energia que chegam. Pegamos mensagens rítmicas através das vibrações com as quais estamos em sintonia. Grande parte dessa experiência ocorre abaixo do nível da consciência. O ritmo se torna uma questão de interesse pessoal quando envolve nossos sentimentos e pensamentos no nível consciente. Aqui reivindica uma área de experiência separada da consciência racional.

Sensações rítmicas estão conosco desde tenra idade. Enquanto ainda no útero, o feto humano se torna consciente do batimento cardíaco da mãe. (Um bebê recém-nascido pode ser feito para ficar quieto e adormecer tocando uma fita com este som.) Ao nascer, os bebês começam um ritmo de respiração ao longo da vida. Sua rotina diária é organizada em ciclos de atividade de vigília e sono. Os tempos de alimentação e evacuação de resíduos, de brincadeiras seguidas de irritação agitada, de visitas parentais e de estar sozinho no berço, seguem um ao outro em padrões recorrentes de experiência infantil. Quando um pai fala com a criança, gestos corporais e tom de voz serão entendidos mais cedo do que o significado das palavras. Os bebês distinguem rapidamente entre diferentes vozes. Sua capacidade de falar, mesmo nas palavras do bebê, leva anos. Poder-se-ia dizer, então, que a própria inteligência humana começa com o reconhecimento de padrões rítmicos. As concepções articulares da forma vêm depois.

A inteligência rítmica pode se estender a outras criaturas vivas. Lobos uivam em suas vozes agudas. Pardais chirp e corujas hoot. Os grilos fazem música esfregando as pernas juntas. Os gafanhotos produzem um característico som de acasalamento desenvolvido há 250 milhões de anos, esfregando as pernas e as asas. A toutinegra castanha tem pelo menos dois tipos de canções, servindo diferentes funções. A canção principal, destinada a atrair as fêmeas, será cantada frequentemente durante a estação de acasalamento adiantada. Uma vez que os pássaros se acasalaram, os machos mudam para canções secundárias que se assemelham a grunhidos que se destinam a desencorajar outros machos de entrarem em seu território. Em contraste com as melodias curtas e repetitivas dos pássaros cantores, a baleia mais inteligente no oceano é dito executar "raga-como as composições do comprimento e da complexidade extraordinárias que permanecem em qualquer lugar de seis a trinta minutos."

A filosofia grega olha para o mundo de uma perspectiva racional, visando produzir conhecimento que ajuda a sociedade a funcionar de várias maneiras. Disciplinas como a ciência natural, a matemática, a engenharia ea lei exemplificam os tipos de atividade governados pela razão. Há, no entanto, outra esfera de atividade que escapa à razão. Imagine a atmosfera barulhenta em um bar de esportes. Os fluxos de licor, piadas raunchy são contadas, os clientes flertam com as garçonetes, música joga em um juke box, e um elogio vai acima daqueles reunidos em torno de uma televisão de tela grande como a equipe da casa pontuação.

De uma perspectiva racional, experiências rítmicas como esta pertencem a essa outra área da vida que é irracional e selvagem, mas também emocionante. A frase "vinho, mulheres e canções" - atualizada ultimamente para "sexo, drogas e rock 'n roll" - abrange alguns elementos desta cultura. O amor apaixonado, substâncias químicas que alteram a mente e, acima de tudo, a música são os agrafos eternos de seu estilo de vida. Este lado da vida representa o "tornar-se" ao invés de "ser", o humor oscila entre a extrema elação e depressão, os valores centrados no prazer - em suma, tudo o que Platão desprezou.

Os historiadores distinguem entre as tradições "apolíneo" e "dionisíaco" na cultura clássica grega e romana. A cultura apolínea incluiu as artes e ciências atribuídas ao deus olímpico Apolo. Embora fosse deus da música, Apollo era também responsável para invenções da civilização mais elevada em áreas tais como a medicina, a filosofia, a lei, ea agricultura. A cultura apolínea representa, então, o princípio racional na vida civilizada. Opondo-se a este princípio estavam as práticas culturais subterrâneas associadas ao culto do deus tracio Dionísio, que era o deus do vinho e da fertilidade. Suas cerimônias cultuais apresentavam orgias bêbadas, dançando ao ponto de frenesi extático, e rituais grotescos nos quais os adoradores rasgavam os animais vivos e bebiam seu sangue.

O deus sucessor romano, Baco, despertou tais espetáculos de embriaguez pública e licenciosidade que o governo romano em 186 aC. Outlawed as cerimónias de Bacchanalian. No entanto, sua tradição cultual viveu nas vidas de poetas, artistas e músicos, como os poetas românticos ingleses ou alemães do início do século 19 ou os "filhos de flores" que viajaram para San Francisco no final dos anos 1960. Sempre terá um seguimento entre os jovens.

A cultura rítmica se estende às artes da sociabilidade. O gozo do humor envolve um certo ritmo. Fazer uma pessoa rir faz com que ele literalmente vibre. A mensagem humorística, ou piada, atinge seu clímax quando o ouvinte detecta uma incongruência no fluxo da expressão racional. Em seguida, o humor muda abruptamente de comunicação séria para brincadeira. O ritmo também pode entrar nas artes visuais. Pinturas chinesas medievais desenhadas com pincel e tinta criam vistas frágeis de paisagens montanhosas ou animais contorcendo seguindo um conceito taoísta, ch'i-yun, que é traduzido "ressonância do espírito". O espírito rítmico do objeto deveria guiar as mãos do artista durante a criação.

Tradicionalmente, os trabalhadores agrícolas cantavam canções ao mesmo tempo em que executavam trabalho de volta. Os viajantes canadenses franceses dos séculos XVII e XVIII que transportavam peles de animais em grandes canoas através de vias navegáveis ??norte-americanas precisavam de força física e resistência. É relatado que "porque eles cantavam para longe as horas de remar, suas vozes eram quase tão importantes quanto seus bíceps, e suas vozes cantando foram considerados quando foram escolhidos para os postos de trabalho."

ritmo na cultura popular

Este aspecto da vida é enfatizado na era da cultura popular. A mídia contemporânea de gravação e transmissão eletrônica permite que imagens de visão e som sejam transmitidas ao público em detalhes completamente sensuais. Gravações de fita preservar o som de uma voz humana ou instrumento musical como era originalmente ouvido. O rádio transmite esse som a um público grande e disperso. As imagens em movimento e as gravações de vídeo permitem que imagens tanto visuais como auditivas sejam capturadas em seus meios de comunicação. A televisão é uma ferramenta poderosa para a disseminação de imagens de visão e som. Tais dispositivos registram imagens que se movem através do tempo, seja como ondas sonoras ou como uma sucessão de imagens visuais que imitam o movimento. Ao contrário da impressão, eles comunicam imagens sensuais em vez de palavras. Os novos meios de comunicação exibem ritmo em suas várias formas. As pessoas que produzem regularmente ritmos de alta qualidade são muito procuradas nesta cultura.

A música é o conteúdo dominante para o rádio. "Disk jockeys" que anunciam e tocam as seleções musicais são a personalidade dominante do rádio. Seu papel foi expandido de apresentar a música para incluir a conversa dos esportes eo chit-bate-papo ocioso em formatos que apelam aos viajantes de manhã; Eles oferecem "companheirismo glorificado" como um anfitrião da manhã-show o chamou. As audiências estão com fome não só para a música, mas para vislumbres da personalidade humana. Nos velhos tempos, o rádio era um meio favorito para a transmissão direta de esportes, noticiários, comédia e obras dramáticas em forma de série. Embora alguns desses programas tenham continuado, eles são eclipsados ??por seus homólogos na televisão, que adiciona imagens visuais para o som.

Newscasts, transmissões de competições atléticas e performances dramáticas, especialmente sitcoms, são as principais categorias de programação de televisão. Os programas de jogos, o jornalismo baseado na realidade, os programas de entrevistas à noite, as "novelas" e os programas de entrevistas focados no relacionamento que apelam principalmente para as mulheres são outros tipos populares. Mostra de variedades como a de Ed Sullivan, que apresentou atos musicais, desapareceram. O denominador comum dos programas de rádio e televisão, assim como os fonógrafos e os filmes antes deles, é que eles exibem o ritmo em suas várias formas. Caracterizam os executores individuais que podem entregar o ritmo. Este ritmo associa-se às qualidades pessoais do performer, às aparências sensuais do rosto e da voz, bem como aos hábitos de espírito do intérprete. Os anfitriões do programa com "o dom do gab" também transmitem a personalidade rítmica.

A mudança para o entretenimento produzido eletronicamente tirou a atenção de textos impressos e tirou seus autores de aclamação pública. Embora possa haver moderno Shakespeares entre os roteiristas de Hollywood e escritores de scripts de televisão, eles recebem pouco reconhecimento. Em vez disso, os atores e atrizes que memorizam e executam os roteiros se tornam o centro das atenções. O mesmo se aplica aos compositores musicais e às pessoas que executam sua música.

Se a música é uma composição para instrumentos, o compositor pode ainda ser reconhecido; Mas se a música é escrita para a voz humana, então o cantor e não o compositor goza do papel de protagonista. A gravação e a transmissão eletrônicas são meios tão poderosos para entregar imagens sensuais que estas imagens ofuscam o design criativo. O performer humano que está na frente da câmera é a imagem que as audiências querem. Compreensivelmente, homens e mulheres que possuem boa aparência e têm um certo magnetismo pessoal gravitam para o topo desta cultura à custa de indivíduos inteligentes com mera visão criativa.

Como um ator, cantor, atleta ou outro ator "estrela" é uma mercadoria pessoal única no mercado, o preço que essa pessoa é capaz de comandar para seu desempenho pode atingir níveis astronômicos. Audiências acostumadas com as personalidades de seus artistas favoritos não aceitam nenhum substituto. Portanto, por lei de oferta e demanda, o preço sobe onde a demanda excede muito a oferta. Não só os artistas bem conhecidos recebem enormes somas de dinheiro para exercer suas habilidades de entretenimento; Eles, como celebridades, também são pagos por "celebridade endossos" de produtos. Michael Jordan, a estrela do basquetebol, recebeu milhões de dólares por endossar calçados esportivos Nike, um produto relacionado ao seu esporte, mas não às habilidades de basquete Jordan por si só.

Esta situação cria uma anomalia em que os executantes humanos que exercem habilidades não técnicas e muitas vezes físicas são mais generosamente compensados ??do que os tipos mais cerebrais, incluindo, talvez, a pessoa que inventou o equipamento eletrônico que possibilitou a ampliação da imagem do intérprete. Mesmo que a contribuição dessa pessoa também era única, ele ou ela criou um design patenteável ao invés de um ritmo pessoal. Esse design era forma. Foi um esquema que, uma vez articulado e apresentado como modelo tecnológico, poderia ser replicado muitas vezes. Portanto, foi possível aumentar a oferta do produto criado a partir do plano para atender a qualquer nível de demanda eo preço iria descer. Do ponto de vista econômico, a diferença entre ritmo e forma é que o fornecimento de ritmos baseados na personalidade é limitado pela sua singularidade, enquanto a forma é seu próprio meio de aumentar a oferta.

se o ritmo pode ser produzido à vontade

Porque o ritmo é tão precioso, todo mundo quer isso. Existe um interesse em descobrir o "segredo" de produzir ritmo para que uma pessoa possa criá-lo à vontade. Em outras palavras, as pessoas querem ser capazes de reduzir o ritmo de certos princípios do conhecimento - para "formar", se você quiser.

Poderá, portanto, ser possível abordar este assunto como os filósofos gregos fariam e perguntariam: "O que é o ritmo? Qual é a sua definição? "O dicionário do Novo Século define o ritmo como:" movimento ou procedimento com recorrência uniforme de uma batida, sotaque ou semelhante; Em geral, procedimento marcado pela recorrência regular de elementos particulares, frases, etc .; Especificamente, na música, a estrutura de uma composição com referência à distribuição de seus sucessivos batimentos ou sotaques, diferenciando-se da melodia e harmonia ". A partir dessas palavras, pode-se supor que o ritmo é uma criação de som em que certos sons tonais ou Ocorrem em intervalos regulares ao longo de um período de tempo. O ritmo é como o batimento do próprio coração. As batidas são esteticamente agradáveis ??e controladas.

Vamos usar o termo "ritmo", de uma maneira diferente. O ritmo é a beleza da bela música ou, por extensão, a beleza de qualquer experiência em que uma expressão inteligente, como a música, seja apresentada de forma agradável durante um período de tempo. O ritmo não é, portanto, a beleza de uma pintura ou de uma estátua que é percebida em um único momento, mas um arranjo no tempo. Seus eventos são organizados em um continuum temporal. Além da música e da dança, expressões rítmicas aparecem em conversas pessoais, competições desportivas, obras dramáticas, histórias e a maioria dos tipos de produções para programas de rádio e televisão.

Quanto a uma definição para cobrir todas estas situações, que pode ser difícil. Parafraseando a declaração de Louis Armstrong sobre o jazz, o filósofo diria: "Você saberá quando a vir (ou ouvir). E, se você sabe, você não precisa perguntar. "Cada pessoa sabe o que ele ou ela pensa é bonito ou se movendo pessoalmente. O ritmo é o que move um indivíduo pessoalmente, tanto de uma forma emocional e intelectual. Sendo pessoal, o ritmo não é facilmente posto em uma forma geral. Assim, a sua definição terá de ser deixada nessa nota.

No entanto, seria negligente deixar os leitores deste livro, esperando aprender sobre o ritmo, com a conclusão de que o ritmo é simplesmente o que está em suas próprias mentes. (Nós não somos como alguns desses outros hucksters que deixam o cliente fazer a conversa e não fornecer nenhum pensamento de sua própria.) Assim, para uma discussão geral de ritmo, o melhor lugar para começar pode ser discutir as qualidades da música. Os elementos da música são claros e específicos em relação a outros tipos de fenômenos rítmicos.

Em teoria, a música rítmica tem um design que, conhecido filosoficamente, poderia se tornar um padrão geral para criar mais do mesmo. A questão pode ser reafirmada desta maneira: A linda música pode ser escrita a partir de uma fórmula? Ou, há um programa de computador que pode escrever este tipo de música? Se os compositores humanos souberem escrever tal música, então certamente alguém deve ser capaz de perguntar-lhes como eles fizeram isso e, usando essa informação, construir uma máquina para fazê-lo melhor.

A filosofia fornece um exemplo de como os princípios musicais podem se tornar conhecimento. Uma das primeiras e mais bem-sucedidas tentativas de explicar o apelo da música foi feita por Pitágoras no século VI aC. Os pitagóricos descobriram que a harmonia na música deriva de uma simples relação numérica entre os comprimentos de cordas vibrantes em um instrumento de cordas. Por exemplo, a proporção da oitava é de 2 para 1. A proporção da quinta é de 3 a 2. As notas cujas cordas vibratórias estão relacionadas em comprimento por pequenos números integrais podem ser montadas harmoniosamente em um acorde. Essa relação foi descoberta pela observação de vários desses acordes. Sabendo disso, pode-se presumivelmente estender o padrão para outros números inteiros, medir o comprimento das cordas e criar harmonias que eram previamente desconhecidas.

Tais são os usos das fórmulas. Mas os acordes harmoniosos não são a mesma coisa que a música rítmica. O ritmo, como um elemento musical estreitamente definido, pertence à sequência cronometrada de batidas. Harmonia é um som criado quando várias notas diferentes são tocadas simultaneamente. O que estamos procurando é uma definição mais ampla de música bonita que engloba todos os seus elementos.

Cada um pode abordar esta questão, identificando casos específicos do objeto em questão e, em seguida, propor um padrão geral que se adapta a todos os casos, mas nenhum que não se encaixam. Em outras palavras, cada pessoa poderia escolher algumas passagens de sua música favorita e tentar ver o que torna a música bonita. Há, naturalmente, muitos tipos diferentes de música na cena contemporânea: clássica, semi-clássica, jazz, música folclórica, country western, rock'n roll, canções gospel, hinos, etc. E, Música orquestral alemã do século XIX, há música escrita por muitos compositores diferentes que cada um seria considerado como tendo um estilo único.

O tipo de música pode influenciar a percepção dos admiradores sobre a beleza, e os gostos musicais são diferentes. Mesmo assim, cada pessoa sabe o que ele ou ela gosta na música. Tendo identificado algumas composições musicais favoritas, essa pessoa poderia ouvir atentamente a música e decidir onde e como é bonito. Existem lugares na música que têm apelo especial? Em caso afirmativo, que elementos estão presentes? Se alguém tem uma percepção clara da beleza em várias peças diferentes de música, então pode ser possível decidir o que as seleções têm em comum. Pode-se tentar encontrar um padrão neles e assim formular uma idéia do que é a bela música em geral, ou mesmo o que o ritmo é em geral.

Pode-se questionar esse tipo de exercício. Estamos tentando capturar a beleza da música em uma fórmula, ou tentar definir o ingrediente essencial do ritmo como se fosse um elemento químico ou estirpe de vírus. O elemento efervescente da música rítmica pode não ser capaz de ser colocado sob um microscópio analítico mais do que se poderia analisar humor, por exemplo, e dizer por que uma piada particular era engraçado. O sentido cômico - a parte que oferece o seu pontapé emocional - é difícil de explicar, embora todos saibam quando algo é engraçado. Da mesma forma, o ritmo da música toca o espírito humano de maneiras misteriosas embora evidentes. O principal é reconhecer e apreciar o ritmo, não explicá-lo.

além do conhecimento generalizado

A beleza rítmica pode estar além do conhecimento generalizado. Enquanto Platão se interessava por estudos musicais, ridicularizava os pitagóricos que, procurando verdades sobre a natureza da harmonia, "mediam concórdias audíveis e som uns contra os outros, gastando muito trabalho inútil ... falam de algo que chamam de minimis e, Os ouvidos ao lado, como se tentando apanhar uma voz da porta ao lado, alguns afirmam que eles podem ouvir uma nota no meio e que este é o menor intervalo ea unidade de medida, enquanto outros insistem que as notas agora tornam idênticos sons, ambos preferindo Seus ouvidos em suas mentes ... Os números que procuram encontram-se nessas concórdias auditivas, mas não ascendem aos problemas generalizados e à consideração de que números são inerentemente concordantes e quais não e por que em cada caso ".

No Philebus, Platão apontou que havia dois tipos de artes e ofícios, distinguidos por seu uso ou não uso de conhecimento generalizado. Os "tipos superiores de conhecimento", ele sugeriu, foram encontrados nas artes que envolveu "numeração, medição e pesagem" de acordo com padrões exatos. Por exemplo, as artes da carpintaria e da construção exigiam esse tipo de conhecimento. A música era um exemplo da outra arte. Seu conhecimento dependia de "adivinhação e do exercício de seus sentidos com base na experiência e na regra empírica, envolvendo o uso dessa capacidade de fazer tiros de sorte que é comumente concedido o título de arte ou artesanato, quando consolidou sua posição por Platão propôs, portanto, "dividir as artes e ofícios assim chamados em duas classes, aquelas afins à música em suas atividades e aquelas afins à carpintaria, sendo as duas classes marcadas por um menor e um maior grau de exatidão, respectivamente . "

As várias artes envolvendo o ritmo caíram nesta segunda categoria. Platão desconfiava da música; Ele via isso como uma influência potencialmente subversiva na sociedade. Os guardiões do Estado, advertiu, deveriam estar "vigilantes contra as inovações na música ... pois os modos de música nunca são perturbados sem perturbar as convenções políticas e sociais mais fundamentais". (Esta declaração antecipada por 2.400 anos de declarações feitas durante a Repressão à música rock 'n roll na União Soviética. O segundo oficial mais alto do Kremlin, Yegor Ligachev, em 1987 alertou contra a infiltração da "cultura burguesa de massa" que, segundo ele, provocou a rebeldia entre os adolescentes.

A principal objeção de Platão à música, porém, foi a sua incapacidade de ascender ao nível da generalidade. O praticante da música, ele escreveu, "ajusta suas concordâncias não pela medição por tiros afortunados de um dedo praticado." Essa incerteza foi encontrada "em toda a música, tocando flauta e lira jogando iguais, pois este último procura o comprimento adequado De cada corda como ela dá a sua nota, fazendo um tiro para a nota, e atingindo um resultado mais confiável.

O "dedo praticado" de um músico hábil é desenvolvido durante um longo período de treinamento. Mesmo assim, não se pode garantir que o desempenho irá bem. (Isso é o que torna as performances ao vivo do ritmo tão excitantes quando elas vão bem). No entanto, em teoria, a música tem uma forma ideal. Platão observou que, no reino dos objetos ouvidos, "sons audíveis que são suaves e claros e produzem uma única série de notas puras, não são bonitos em relação a outra coisa, mas em si mesmos". Em outra parte, ele sugeriu que "a arte Da música era criar harmonia, resolvendo a discórdia entre os agudos e o baixo ... como (também) produzimos ritmo, resolvendo a diferença entre rápido e lento. "Então Platão fez uma admissão surpreendente:" Mas quando chegamos ao A aplicação do ritmo e da harmonia às atividades humanas - como, por exemplo, a composição de uma canção ou a instrução de outros na correta execução de ares e medidas já compostas -, então, cavalheiros, enfrentamos dificuldades que exigem um tratamento especializado . "

Platão parece estar retornando à idéia do meio dourado quando escreveu que o ritmo resolve "a diferença entre rápido e lento", e harmonia "a discórdia entre os agudos e os baixos". Se fosse uma questão de encontrar a média, também se pensaria que a música rítmica caiu em algum lugar entre sons excessivamente complexos e ruidosos, num extremo, e apresentações tonais simples e tediosas. O passo constante de um diapasão ou mesmo a "série única de notas puras" de Platão ilustram o último extremo. Pois, parece que a boa música orienta um curso intermediário entre ser excessivamente e insuficientemente complexo. Ele tem apenas complexidade suficiente para desafiar a imaginação musical do ouvinte, mas não o suficiente para produzir perplexidade como atonal sinfonias às vezes fazem.

Mesmo se as generalidades podem descrever a música bonita, não podem suplantar o processo da criação artística. A questão é se o processo de composição de música de alta qualidade brota misteriosamente da mente e do coração de um compositor "genial" ou pode ser reduzido a um método? Rousseau afirmou que seu amigo, John Philippe Rameau, tinha inventado tal método de compor música. No entanto, ele é um dos compositores menos conhecidos daquela época.

Intuitivamente, alguém sente que nenhuma fórmula ou princípio simples pode servir como um "modelo" para essa atividade criativa. A música contém uma mistura de elementos sequencialmente complexos que só uma inteligência que se aproxima do homem em suas várias capacidades poderia compor qualquer coisa de valor. Para compor música por computador pode ser uma opção no mundo de hoje. Os computadores podem conter vários padrões na memória, operar sequencialmente e fazer muitas coisas.

A maioria das gravações de estúdio hoje é feita com computadores. Eles trabalham com sintetizadores eletrônicos para coordenar e modificar sons. Um único compositor-intérprete-técnico trabalhando com um computador pode produzir gravações que uma vez teria exigido uma tripulação completa de músicos. Os sintetizadores podem produzir o som de qualquer instrumento musical conhecido ou criar sons totalmente artificiais. Eles podem se basear em sons que foram amostrados e armazenados digitalmente, justapõem ritmos complexos e variam a velocidade.

As performances musicais não são mais limitadas pela inteligência humana ou destreza manual. O que os computadores ainda não conseguem fazer - pelo menos, não é do meu conhecimento - é criar automaticamente novas composições musicais cujas qualidades rítmicas e estéticas são iguais às encontradas em obras-primas orquestrais de renome mundial. Talvez algum dia que será possível. Enquanto isso, teremos que confiar em compositores humanos e ouvir o que eles têm a dizer sobre o processo criativo.

Aaron Copland explicação da música

Um compositor americano do século 20, Aaron Copland, escreveu um livro, What to Listen for in Music, que desencadeia este processo do ponto de vista de um compositor. A partir deste livro, aprende-se que a composição sinfônica é mais como uma gravidez do que uma fabricação mecânica. "Cada compositor começa com uma idéia musical", escreveu Copland. A idéia ou tema pode ser uma "melodia", ou "uma melodia com um acompanhamento", ou "uma idéia puramente rítmica", ou outra coisa.

O compositor recolhe essas idéias em um caderno. Ele estuda cada um de perto "por sua beleza puramente formal ... a maneira como ela se eleva e cai". Ele então tentará "encontrar outras idéias que parecem ir com a original", seja por semelhança ou contraste. O compositor tentará conectar ideias por um "processo de alongamento" ou "material da ponte". Ao transformar idéias em uma obra acabada, o objeto seria "a soldagem de todo esse material para que ele faça um todo coerente ... tudo deve estar em seu lugar". As junções devem parecer lisas e naturais ao invés de inventadas.

Cada compositor tem seu próprio modo de trabalhar, que envolve uma combinação de pensamento imaginativo e o trabalho intelectual de construir uma obra acabada. O energético Franz Schubert, que Copland chamou de "inspirado espontaneamente (tipo de) compositor", acabou acabado trabalhos quase todos os dias. Beethoven, por outro lado, ilustra o "tipo construtivo" do compositor que pacientemente cria a estrutura dos sons das idéias em um caderno.

Qualquer compositor ou compositor dedicado regularmente tem idéias. "Eu escrevo músicas em qualquer lugar - na parte de trás do carro, em quartos de hotel, em aviões", disse Johnny Cash, o cantor pop americano, que não conseguia ler uma nota de música. Irving Berlin, igualmente analfabeto musicalmente, instalou uma embreagem em seu piano que lhe permitiu facilmente mudar chaves. Quando encontrou a melodia certa, uma secretária anotaria as notas. Cada tipo de música tem suas próprias convenções ou formas que oferecem orientação para o processo criativo.

O livro de Aaron Copland revê os elementos que entram na música. Os quatro elementos básicos são: ritmo, melodia, harmonia e tom de cor. Ritmo é o arranjo de batidas estressadas e não stressadas recorrentes em intervalos regulares no tempo. Melodia é a seqüência de notas individuais de diferentes tonalidades. Harmonia é o som simultâneo de dois ou mais tons diferentes em um acorde. Cor do tom pertence à madeira de um instrumento ou seus overtones. Os tons ou notas são sons de um determinado passo que pode ser organizado em uma escala musical. As notas podem ter um certo grau de intensidade ou intensidade. A estrutura geral de uma obra musical também teria de ser considerada na determinação da sua qualidade. O ritmo, em um sentido amplo, é, como dissemos, o impacto emocional ou estético global que a música tem sobre uma pessoa.

Num sentido estreito, o ritmo é o elemento original e mais básico da música. Copland oferece o exemplo de batidas de pé em um desfile: LEFT-right, LEFT-right; Ou, UM-dois, UM-dois. Isso corresponderia a 2/4 ª vez na música. O ritmo de 3/4 de tempo seria: UM-dois-três, UM-dois-três. Os dançarinos da valsa reconheceriam isso. Geralmente, mas nem sempre, o estresse está na primeira batida da medida.

O esquema da música medida, desenvolvido no século XII A.D., permite que as notações musicais sejam preservadas na escrita. Cada repetição de batidas é uma medida ou uma barra. As notas estão situadas nas batidas. Essas notas podem ser, dependendo da duração: notas inteiras, meias notas, notas de quarto, notas de sexta e assim por diante. As notas inteiras duram duas vezes mais do que meias notas, que duram duas vezes mais que as notas de quarto. A duração real de cada nota soada é relativa à de toda a nota. A velocidade do ritmo é chamada de "tempo". Se há quatro notas de um quarto em uma medida, a música é escrita em quatro quartos de tempo (4/4). Três quartos de tempo (3/4) de música teria três trimestres por medida.

Nem todos os ritmos têm batidas simples e pesadas. Os ritmos podem se afastar do metro rigoroso para atender a necessidades expressivas particulares. Até os tempos medievais, os ritmos musicais seguiam padrões de fala. Os padrões de sílabas estressadas e não estressadas de palavras, interrompidas por pausas significativas e moduladas para enfatizar certas palavras ou pensamentos, dão à fala uma qualidade distintamente rítmica. A poesia ea música, incorporando ritmos dispostos com arte, nasceram da mesma tradição cultural.

Nas culturas primitivas, o bater de tambores cria um tipo monótono, não verbal de ritmo musical. Estes podem tornar-se bastante complicado quando vários tambores são batidos ao mesmo tempo ou variações são introduzidas. Em vez do simples UM-dois, UM-dois, pode haver: UM-dois, UM-dois-três / UM-dois, UM-dois-três; Ou, talvez, UM-dois-três, UM-dois, UM-dois-três / UM-dois-três, UM-dois, UM-dois-três. Quando vários conjuntos de ritmos diferentes são produzidos ao mesmo tempo, a música se torna "polirrítmica". Estamos expostos a isso no jazz, onde o baixo consiste em uma série constante e imutável de batidas como outros ritmos flutuam livremente nas outras partes. Em peças de piano polirrítmico, a mão esquerda geralmente tocará um conjunto de ritmos e a mão direita outra.

Melodia, o segundo dos elementos de Copland, é uma série de notas que transportam o tema musical. Aqui assumimos o ritmo como parte da estrutura de fundo. A melodia é o elemento mais artístico da música; Consiste em notas que se deslocam para cima e para baixo para várias posições tonais de forma envolvente. Melodias são a qualidade única em canções. Nós ouvimos o padrão melódico enquanto ele se tece, através de um trabalho musical. Ao contrário do ritmo, a melodia apresenta variações de tom. Os tons são os sons claramente definidos das notas que são produzidas por instrumentos musicais que vibram em freqüências particulares - por exemplo, "C médio". Eles são organizados em conjuntos graduados chamados escalas.

Na escala "cromática" da música ocidental contemporânea, há doze tons uniformemente distribuídos dentro de uma oitava. No entanto, apenas sete destes, compreendendo a "escala diatônica", são comumente usados. A progressão das notas começa em um determinado tom e, em seguida, sobe ao longo da escala em intervalos identificados pelo exercício musical: do-re-mi-fa-so-la-ti-do. Essa gama de notas seria uma oitava completa. A primeira nota - "fazer" - iria definir a chave para a música, dependendo do tom que atingiu.

Com a melodia mais do que o ritmo, pode-se aplicar um juízo estético a uma composição musical. Há boas melodias e más. "Por que uma boa melodia deve ter o poder de nos mover, até agora desafiou toda a análise", escreveu Copland. No entanto, ele identificou algumas das qualidades encontradas em boas melodias: Tais melodias teriam "proporções satisfatórias." Eles dariam "uma sensação de completude e inevitabilidade". A linha melódica seria "longa e fluida, com pontos baixos e altos de interesse e um momento climático que geralmente chegava perto do fim". Além disso, "tenderia a se mover entre uma variedade de notas, evitando repetições desnecessárias". Ou não tais prescrições ajudam a criar boas melodias, supõe-se que a maioria das pessoas sabe uma boa melodia quando ouvem um.

O terceiro elemento musical, a harmonia, é aquele cujas excelentes qualidades são mais facilmente compreendidas. Embora harmonia também envolve uma relação entre os tons, os sons são soados simultaneamente em um acorde, em vez de sequencialmente. Sabemos intuitivamente quais tons têm um som agradável quando tocados juntos. Notas particulares são harmoniosas com outras notas que têm uma relação particular com elas na escala.

"A teoria harmônica", escreveu Copland, "baseia-se no pressuposto de que todos os acordes são construídos para cima em uma série de intervalos de um terço". Isso significa que na escala diatônica de sete notas, qualquer que seja a nota mais baixa no acorde, O próximo será duas notas mais altas; E a terceira, duas notas mais altas do que isso. Em termos de escala musical, seria "do-mi-sol". Embora um acorde consista em pelo menos três tais notas, pode ser expandido a quatro, cinco, seis, ou mesmo sete notas. A maior parte da música coral é escrita em quatro partes de harmonia.

A cor do tom é o quarto dos quatro elementos de Copland. Isso se refere à "qualidade do som produzido por um determinado meio de produção de tons musicais". Por exemplo, uma tuba soa diferente de um trompete ou clarinete. Cada tipo de instrumento orquestral tem sua própria qualidade de som que faz com que as notas soem diferentes das mesmas notas produzidas por outros instrumentos. As diferenças têm a ver com os harmônicos harmônicos e outras impurezas sônicas associadas ao instrumento. Além disso, os instrumentos têm diferentes volumes, limites de faixa tonal, e assim por diante.

O compositor de música orquestral deve decidir qual instrumento colocar com cada parte na partitura para produzir o efeito pretendido. Existem quatro tipos básicos de instrumentos de orquestra: cordas, sopros, latão e percussão. Dentro de cada categoria há uma série de instrumentos diferentes, cada um com sua própria "cor". A escolha dos instrumentos terá um impacto na qualidade do som total produzido.

Além dos elementos acima mencionados, deve-se considerar a estrutura da música e seu acompanhamento verbal. Quanto à estrutura, Copland escreveu que "qualquer forma que o compositor escolhe adotar ... a forma deve ter o que nos meus tempos de estudante costumávamos chamar la grande ligne ... Toda boa peça de música deve nos dar uma Senso de fluxo - uma sensação de continuidade desde a primeira nota até a última ". O sentido do fluxo nas composições musicais cria um sentimento de que as expressões foram destinadas a serem escritas como eram. Todas as peças caem naturalmente no lugar. A boa estrutura transmite um sentido de "direção inevitável", dando ao ouvinte "um sentimento satisfatório de coerência nascido da necessidade psicológica das idéias musicais com as quais o compositor começou".

Relacionado com isso é a idéia de que as composições musicais devem ter equilíbrio. O equilíbrio é alcançado através da repetição de temas. Os temas podem ser repetidos exatamente ou podem ser repetidos em variações. A repetição, dando à música sua "estrutura espinhal", é a forma principal da maioria dos arranjos musicais. Normalmente, a melodia se torna o foco do exercício repetitivo. É passado em torno da orquestra de uma seção para outra, passando por muitas variações. A tarefa do ouvinte é prestar atenção à melodia em todos os momentos e nunca perder o controle de seu progresso. O princípio da repetição aplica-se a todos os níveis da construção musical, incluindo as próprias notas, o ritmo das batidas, movimentos, seções e subseções, eo trabalho como um todo. Os vários elementos repetitivos reforçam-se mutuamente. "Forma musical", escreveu Copland, "assemelha-se a uma série de rodas dentro de rodas em que a formação da roda menor é notavelmente semelhante à do maior".

apelo pessoal da música

A letra de uma música pode desempenhar um papel em sua expressão rítmica. Nas melhores expressões, as palavras e sons vão naturalmente juntos. Embora não seja parte da música propriamente dita, o elemento verbal deve ser considerado no efeito estético total que tem uma composição musical. As palavras têm significados que estão pessoalmente associados a um ouvinte. Elas evocam pensamentos diferentes em mentes de ouvintes diferentes. Isso sugere que o poder rítmico da música, em seu sentido mais pleno, pode ter mais a ver com a criação de uma experiência privada do que com a exibição da beleza em geral. As palavras e sua mensagem se tornam emocionalmente simbólicas das coisas na vida de uma pessoa. Se isso é verdade, pode ser que alguns dos outros elementos da música, que têm a ver com qualidades sonoras, também podem agitar os corações e mentes dos ouvintes porque esses ouvintes estão individualmente prontos para serem agitados.

A música, então, tem esses elementos diferentes. Cada elemento da música orquestral, assim como outros tipos, exibe muitas variações. A música bonita foi escrita em vários modos. O que se pode dizer da música em geral? Pode-se dizer em geral que a música, em oposição ao ruído, dá uma sensação de ordem. Os sons não estão sendo executados em todas as direções, mas têm um design. Cada parte é criada com referência a outras partes. Cada um contribui para o padrão do todo. No entanto, dentro desse padrão há vida. Há espírito que quer se cumprir. A música bonita atinge um equilíbrio entre ordem e caos, repetição e novidade, regularidade e variação. Um padrão completamente regular de sons seria chato. Alguma irregularidade e complexidade devem ser introduzidas na música para torná-lo mais interessante, mas não muito.

Certa vez ouvi um sinfônico dizer em uma entrevista de rádio que o metrônomo era o inimigo do ritmo. Na sua opinião, as obras musicais devem ser conduzidas de forma a dar uma sensação de liberdade e espontaneidade. O ritmo não deve ser mecânico porque não seria então humano. A fim de engajar nossa imaginação, a música deve ter uma certa selvageria sobre ele, testemunhando o espírito interior. A referência de Aaron Copland à "la grande ligne" - a linha longa - capta um sentido desse espírito. Em ritmos de todos os tipos, encontra-se a continuidade ou o sentido do fluxo. Uma obra musical de pleno fluxo se constrói ritmicamente sobre si mesma. Não haverá lugares onde a expressão chegue a um impasse, se esgote de insights, e depois morra. Alguma força poderosa da imaginação criativa puxa a expressão longitudinalmente. A boa música tem um impulso de pensamento contínuo que sabe onde seguir em frente. "Uma grande sinfonia", escreveu Copland, "é um Mississippi feito pelo homem que nós irresistivelmente fluimos desde o instante de nossa tomada de licença para um destino previsto por muito tempo."

O ritmo, como a beleza, está no olho (ou no ouvido) do espectador. O prazer que se tira de um pedaço de música depende em grande parte da aptidão estética e do condicionamento do ouvinte. Todos nós podemos entender ritmos simples, mas eles tendem a ser chato. Experimentamos exaltação emocional à medida que o ritmo se torna mais completo e perceptivamente mais desafiador, enquanto a sua percepção permanece ao nosso alcance. Se o ritmo se torna demasiado complexo, no entanto, perdemos. Assim, o grau adequado de complexidade na música depende do ouvinte. Como o número certo de libras para um levantador de peso depende do condicionamento do atleta e força, de modo que os ritmos mais satisfatórios serão aqueles que tributam os talentos perceptivos do ouvinte para o grau certo. Um bom ritmo primeiro obtém seu "gancho" no ouvinte. Uma vez que o ouvinte é viciado, ele geralmente pode ser levado em experiências rítmicas mais exigentes e excitantes, sem se perder.

Estudos acadêmicos de música confirmam a teoria de que uma determinada peça de música afeta as pessoas de forma diferente. Diana Deutsch, da Universidade da Califórnia, em San Diego, descobriu "grandes diferenças individuais na maneira como as pessoas ouvem informações musicais". Isso pode ter menos a ver com o treinamento musical do ouvinte ou grau de sofisticação do que se acreditava. Mesmo padrões de nota simples e melodias tendem a ser ouvidos de maneiras pessoais.

Este fato não é um bom presságio para a música abstrata moderna. "Eu acho que é razoável dizer que a composição de música com caneta e papel com base em abstrações matemáticas, como uma série de padrões ou problemas a serem resolvidos, é, se quiser, incorreta", disse Deutsch. "O mecanismo de audição humana não pode processar uma abstração". Então estamos de volta às formas antiquadas de apreciar a música. A música, dizem alguns, oferece um "passeio ou viagem psíquica" prometendo certas "recompensas" estéticas e cumprindo a maioria das "expectativas", mas também introduzindo "surpresas periódicas".

No final, há limites para colocar o ritmo sob um microscópio para ver o que está lá. Essa é a abordagem centrada no texto. A idéia de estudar textos ou partituras como se fossem obras-primas frágeis produzidas pelo gênio é a maneira errada de se aproximar do ritmo. Isso torna o ritmo difícil quando, de fato, é bastante fácil. Pois, há um certo humor quando qualquer ato criativo se torna um trabalho de gênio e nada pode dar errado. O foco não deve ser o trabalho, mas o momento criativo. A pergunta que vale a pena perguntar não é o que arranjos requintados estão em uma expressão completa, mas: Como eu me coloco no humor? Como faço para trazer o estado de criação rítmica todo-poderosa?

Nota: Este é o capítulo 5 do livro, Rhythm and Self-Consciousness, de William McGaughey, publicado pela Thistlerose Publications em 2001.

 

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