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Ritmo in Musica

a: Analisi

C'è qualcosa sulla musica che incanta la mente. In tutta ragionevolezza, non avrebbe potuto immaginare che un tale piacere in quanto ciò esisterebbe. La musica è un dono divino. "Senza musica," ha dichiarato Friedrich Nietzsche, "la vita sarebbe un errore". Psychology Today, una volta ha fatto un sondaggio sui tipi di esperienze che hanno dato le persone più "emozioni". Con il 96 per cento degli intervistati che cita i suoi piaceri, la musica in cima alla lista. Una bella melodia è stata giudicata essere emotivamente la cosa più soddisfacente che la vita umana ha da offrire. Ogni società sulla terra ha musica e danza.

"Alla radice di ogni potere e di movimento, al centro di masterizzazione della stessa esistenza, c'è la musica e il ritmo, il gioco delle frequenze fantasia contro la matrice del tempo", giornalista e scrittore George Leonard ha scritto. "Prima facciamo la musica, la musica ci fa. Il dono benedetto dell'udito serve come canale attraverso il quale possiamo ricordarci delle nostre origini più profonde. Per la musica è un riflesso nel suono della struttura del mondo, rendendo esplicita la qualità ritmica in tutte le cose ".

Ogni vive con il ritmo del suo battito cardiaco e dei polmoni continuamente inspirare ed espirare. La parola umana ha ritmi di sillabe accentate e atone. Canzone sposa discorso ritmico ai suoni pulsanti della musica. ritmi musicali sono emblematici di altri tipi di belle esperienze, che collega l'intelligenza ai misteri più profondi della vita. I nostri cuori si gonfiano quando sentiamo queste delicate, suoni di agitazione. In un modo unico, ci ricordano le cose che sono preziose per le nostre anime.

Ad ogni livello del nostro essere la nostra vibrazione. Gli impulsi del cervello umano ad un tasso di circa quaranta cicli al secondo durante concentrazione attiva, scendere a meno di un ciclo al secondo nel sonno profondo. Gli organi di senso sono i trasformatori di ritmo che interpretano onde di energia in arrivo. Prendiamo i messaggi ritmiche attraverso le vibrazioni con le quali siamo in sintonia. Gran parte di questa esperienza si svolge al di sotto del livello di coscienza. Il ritmo diventa una questione di interesse personale quando si impegna i nostri sentimenti e pensieri a livello conscio. Qui si sostiene su una superficie di un'esperienza separata dalla consapevolezza razionale.

sensazioni ritmiche sono con noi in età precoce. Mentre era ancora nel grembo materno, il feto umano diventa consapevole del battito cardiaco della madre. (A neonato può essere fatto per diventare tranquillo e si addormentano con la riproduzione di un nastro con questo suono.) Alla nascita, i bambini iniziano un ritmo per tutta la vita della respirazione. La loro routine quotidiana è organizzato in cicli di veglia l'attività e il sonno. I tempi di alimentazione ed evacuazione dei rifiuti, di giocosità seguita da irritazione inquieta, delle visite dei genitori, che giace da solo nella culla, si susseguono nei modelli di esperienza infantile ricorrenti. Quando un genitore parla al figlio, i gesti del corpo e il tono della voce saranno comprese prima di quanto il significato delle parole. I bambini distinguono rapidamente tra le diverse voci. La loro capacità di parlare, anche in termini di bambino, richiede anni. Si potrebbe dire, quindi, che l'intelligenza umana si inizia con il riconoscimento di pattern ritmici. concezioni articoli di forma vengono dopo.

intelligenza ritmica può estendersi ad altre creature viventi. Lupi urlo nelle loro voci acuti. I passeri cinguettano e Casina delle Civette. Grilli fanno musica sfregando le gambe insieme. Grasshoppers producono un suono caratteristico di accoppiamento sviluppata forse 250 milioni anni fa, sfregando le zampe e le ali insieme. L'usignolo castagno lati maschio ha almeno due tipi di canzoni, che servono diverse funzioni. Il brano principale, destinato ad attrarre le femmine, sarà cantato spesso durante la stagione degli amori in anticipo. Una volta che gli uccelli si sono accoppiati, i maschi passare a brani secondari simili a grugniti che sono destinati a scoraggiare altri maschi di entrare nel loro territorio. In contrasto con brani brevi e ripetitive uccelli canori ', la balena più intelligenti nell'oceano è detto di eseguire "composizioni raga-simile di straordinaria lunghezza e la complessità della durata da sei a trenta minuti."

filosofia greca guarda il mondo da un punto di vista razionale, con l'obiettivo di produrre conoscenza che aiuta la società a funzionare in vari modi. Tali discipline come le scienze naturali, la matematica, l'ingegneria e la legge esemplificano i tipi di attività governate dalla ragione. Esiste, tuttavia, un'altra sfera di attività che sfugge ragione. Immaginate l'atmosfera chiassosa in un bar sport. I flussi di liquori, barzellette volgare viene detto, i clienti flirtano con le cameriere, la musica suona in un juke box, e un applauso sale da coloro che sono riuniti intorno a un grande schermo televisivo, come la squadra di casa.

Dal punto di vista razionale, esperienze ritmiche di questo tipo appartengono a quella altra area della vita che è irrazionale e selvaggio, ma anche personalmente emozionante. La frase, "il vino, le donne, e la canzone" - aggiornato ultimamente a "sesso, droga e rock 'n roll" - comprende alcuni elementi di questa cultura. L'amore appassionato, le sostanze chimiche che alterano la mente, e, soprattutto, la musica sono le graffette eterne del suo stile di vita. Questo lato della vita rappresenta il "divenire", piuttosto che "essere", gli sbalzi d'umore tra estrema euforia e depressione, i valori piacere centrato - in breve, tutti che Platone disprezzava.

Gli storici distinguere tra il "apollineo" e tradizioni "dionisiaci" nella cultura greca e romana classica. cultura apollinea comprendeva le arti e le scienze attribuiti al olimpionico dio Apollo. Anche se era dio della musica, Apollo è stato anche responsabile per le invenzioni di civiltà più elevata in settori quali la medicina, la filosofia, il diritto, e l'agricoltura. cultura apollinea rappresenta, quindi, il principio razionale nella vita civile. Contrari a questo principio sono state le pratiche culturali sotterranee associati al culto del dio Dioniso Tracia, che era il dio del vino e della fertilità. Le sue cerimonie di culto presenti orge ubriachi, ballare fino al punto di frenesia estatica, e rituali grotteschi in cui i fedeli strappavano animali che vivono a parte e bevuto il loro sangue.

Il dio successore romana, Bacco, ha suscitato tali spettacoli di ubriachezza in pubblico e libertinaggio che il governo romano nel 186 aC fuori legge le cerimonie baccanali. Tuttavia, la loro tradizione cultuale ha vissuto nella vita dei poeti, artisti e musicisti come l'inglese o il tedesco poeti romantici del 19 ° secolo o dei "figli dei fiori" che camminato a San Francisco alla fine del 1960. Si avrà sempre un seguito tra i giovani.

cultura ritmica si estende alle arti della socialità. Il godimento di umorismo comporta un certo ritmo. Per rendere una persona risata lo fa letteralmente vibrare. Il messaggio umoristico, o scherzo, raggiunge il suo culmine quando l'ascoltatore rileva una incongruenza nel flusso di espressione razionale. Poi l'atmosfera cambia bruscamente da gravi comunicazione alla giocosità. Il ritmo può anche entrare nelle arti visive. dipinti cinesi medievali disegnate con pennello e inchiostro di creare panorami fragili paesaggi di montagna o animali si contorcevano a seguito di un concetto taoista, ch'i-yun, che viene tradotto "spirito di risonanza". Lo spirito ritmico dell'oggetto avrebbe dovuto guidare le mani dell'artista durante la creazione.

Tradizionalmente, i lavoratori agricoli hanno cantato canzoni durante l'esecuzione del lavoro di back-rottura. I voyageurs franco-canadese del 17 ° e 18 ° secolo che trasportavano pellicce animali in grandi canoe attraverso corsi d'acqua del Nord America necessari forza fisica e resistenza. È stato riferito che "in quanto hanno cantato per trascorrere le ore per bambini, le loro voci erano importanti quasi quanto i loro bicipiti, e le loro voci di canto sono stati considerati quando sono stati scelti per i posti di lavoro."

ritmo nella cultura popolare

Questo aspetto della vita è sottolineato nell'era della cultura popolare. I mezzi di comunicazione contemporanei di registrazione elettronica e trasmissione permettono immagini di immagini e suoni da comunicare al pubblico in dettaglio sensuale. registrazioni su nastro conservano il suono di una voce umana o strumento musicale come era stato originariamente ascoltato. Radio offre questo suono di un grande e diffusa pubblico. Le immagini in movimento e registrazioni video consentono sia le immagini visive e uditive di catturare nei loro mezzi. La televisione è un potente strumento per la diffusione di immagini di vista e il suono. Tali immagini dispositivi registrare in movimento nel tempo, sia come onde sonore o come una successione di immagini visive che imitano movimento. A differenza della stampa, comunicano immagini sensuali, piuttosto che le parole. I nuovi media di comunicazione ritmo mostra nelle sue varie forme. Le persone che producono regolarmente ritmi di alta qualità sono molto richiesti in questa cultura.

La musica è il contenuto dominante per la radio. "dj" che annunciano e giocano le selezioni musicali sono la personalità della radio dominante. Il loro ruolo è stato ampliato da presentare la musica per includere parlare di sport e di inattività chiacchiere in formati che fanno appello ai pendolari del mattino; Essi offrono "la compagnia glorificato" come una mattina-show ha chiamato. Il pubblico di ascolto sono affamati, non solo per la musica ma per scorci della personalità umana. Ai vecchi tempi, la radio era un mezzo preferito per la trasmissione diretta sport, notiziari, la commedia, e opere drammatiche in forma seriale. Anche se alcuni di questi programmi hanno continuato, sono eclissati dalle loro controparti in televisione, che aggiunge immagini visive per il suono.

Telegiornali, trasmissioni di gare atletiche, e rappresentazioni teatrali, in particolare sitcom, sono le principali categorie di programmazione televisiva. Giochi televisivi, giornalismo basato sulla realtà, a tarda notte talk show, pomeriggio "soap opera" e talk show di relazione incentrato che si rivolgono principalmente alle donne sono alcuni altri tipi popolari. Spettacoli di varietà come ad esempio, sono sbiaditi di Ed Sullivan, che ha presentato atti musicali. Il comune denominatore di spettacoli radiofonici e televisivi, così come fonografi e immagini in movimento prima di loro, è tale da presentare il ritmo nelle sue varie forme. Sono dotati di singoli artisti che possono offrire ritmo. Questo ritmo attacca alle qualità personali del performer, le apparenze sensuali del volto e la voce, nonché delle abitudini del performer d'animo. padroni di casa del programma con "il dono della parlantina" esprimono anche personalità ritmica.

Il passaggio al prodotto elettronicamente intrattenimento ha preso l'attenzione off testi a stampa e messo a nudo i loro autori di successo di pubblico. Mentre ci possono essere Shakespeare moderni tra gli sceneggiatori di Hollywood e scrittori di sceneggiature televisive, ricevono poco riconoscimento. Invece, gli attori e le attrici che memorizzare e eseguono gli script diventano il centro dell'attenzione. Lo stesso vale per compositori musicali e le persone che svolgono la loro musica.

Se la musica è una composizione per strumenti, il compositore può ancora essere riconosciuto; ma se la musica è scritta per la voce umana, allora il cantante piuttosto che il cantautore gode il ruolo da protagonista. Registrazione elettronica e trasmissione sono tali mezzi potenti per la consegna di immagini sensuali che queste immagini oscurano design creativo. L'esecutore umano che si trova di fronte alla macchina fotografica è l'immagine che il pubblico vuole. Comprensibilmente, gli uomini e le donne che possiedono bell'aspetto e hanno un certo magnetismo personale gravitano alla parte superiore di questa cultura a scapito di individui cervellotici con mera visione creativa.

Perché una "stella" attore, cantante, atleta, o altro esecutore è una merce unico e personale sul mercato, il prezzo che questa persona è in grado di comandare per la sua prestazione può raggiungere livelli astronomici. Il pubblico abituati ai particolari personalità dei loro artisti preferiti accetterà alcun sostituto. Pertanto, dalla legge della domanda e dell'offerta, il prezzo sale in cui la domanda supera così grandemente alimentazione. Non solo artisti noti ricevono ingenti somme di denaro per esercitare le loro capacità di intrattenimento; essi, come le celebrità, vengono anche pagati per "testimonial" di prodotti. Michael Jordan, la star del basket, ha ricevuto milioni di dollari per avallare scarpe sportive Nike, un prodotto correlato al suo sport, ma non per le capacità di basket Jordan per sé.

Questa situazione crea una anomalia in quanto esecutori umani che esercitano non tecnico e spesso le abilità fisiche sono più generosamente compensati rispetto ai tipi più cerebrale, tra cui, forse, la persona che ha inventato l'apparecchiatura elettronica che ha reso possibile per l'immagine del performer da ingrandire. Anche se il contributo di quella persona era anche unico, lui o lei ha creato un design brevettabile, piuttosto che un ritmo personale. Quel progetto era modulo. E 'stato un sistema che, una volta articolato e presentato come modello tecnologico, potrebbe essere replicata molte volte. Pertanto, è stato possibile aumentare l'offerta del prodotto creato dal progetto per soddisfare qualsiasi livello della domanda e il prezzo sarebbe sceso. Dal punto di vista economico, la differenza tra il ritmo e la forma è che l'offerta di ritmi di personalità-based è limitata dalla loro unicità, mentre la forma è il proprio mezzo per aumentare l'offerta.

sia ritmo può essere prodotto a volontà

Perché il ritmo è così prezioso, tutti lo vogliono. Vi è un interesse per scoprire il "segreto" di produrre il ritmo in modo che una persona può creare questa a volontà. In altre parole, le persone vogliono essere in grado di ridurre il ritmo ad alcuni principi della conoscenza - a "forma", se si vuole.

Può quindi essere possibile affrontare questo argomento come i filosofi greci avrebbero e chiedere: "Qual è il ritmo? Qual è la sua definizione "Il dizionario definisce New Century ritmo come:" il movimento o la procedura con recidiva uniforme di una battuta, accento, o simili; in generale, la procedura segnata dalla ricorrenza regolare di elementi particolari, frasi, ecc .; in particolare, nella musica, la struttura di una composizione con riferimento alla distribuzione dei suoi battiti successivi o accenti, come distinto da melodia e armonia ". Da queste parole si può supporre che il ritmo è una creazione di suono in cui certi suoni tonali, o battiti, si verificano a intervalli regolari per un periodo di tempo. Il ritmo è come i propri battiti cardiaci. I battiti sono esteticamente gradevoli e controllato.

Useremo il termine, "ritmo", in un modo diverso. Il ritmo è la bellezza in bella musica o, per estensione, la bellezza di ogni esperienza in cui l'espressione intelligente, come la musica, è piacevolmente presentato nel corso di un periodo di tempo. Il ritmo è, quindi, non la bellezza in un quadro o una statua che viene percepito in un unico momento, ma una disposizione in tempo. I suoi eventi sono disposti su un continuum temporale. Oltre a musica e danza, espressioni ritmiche appaiono nelle conversazioni personali, gare sportive, opere teatrali, racconti, e la maggior parte tipi di produzioni per trasmissioni radiofoniche e televisive.

Come una definizione di coprire tutte queste situazioni, potrebbe essere difficile. Parafrasando l'affermazione di Louis Armstrong di jazz, il filosofo direbbe: "Lo saprete quando si vede (o sentire) esso. E, se si conosce, non si deve chiedere. "Ogni persona sa quello che lui o lei pensa che sia bello o personalmente in movimento. Il ritmo è ciò che muove un individuo personalmente, sia in modo emozionale e intellettuale. Essere personale, il ritmo non è facilmente messo in una forma generale. Quindi, la sua definizione dovrà essere lasciato su quella nota.

Tuttavia, saremmo negligenti lasciare i lettori di questo libro, in attesa di conoscere il ritmo, con la conclusione che il ritmo è semplicemente ciò che è nelle loro menti. (Noi non siamo come alcune di quelle di altri venditori ambulanti che hanno lasciato il cliente fare la comunicazione e fornire nessun pensiero della propria.) Così, per una discussione generale del ritmo, il posto migliore per iniziare potrebbe essere quella di discutere le qualità della musica. Gli elementi di musica sono chiari e specifici rispetto ad altri tipi di fenomeni ritmici.

In teoria, musica ritmica ha un design che, noto filosoficamente, potrebbe diventare un modello generale per la creazione di più dello stesso. Il problema potrebbe essere ribadito in questo modo: bella musica può essere scritto da una formula? Oppure, c'è un programma per computer in grado di scrivere questo tipo di musica? Se compositori umani sanno come scrivere questo tipo di musica, allora sicuramente qualcuno dovrebbe essere in grado di chiedere loro come hanno fatto e, utilizzare tali informazioni, costruire una macchina per farlo meglio.

La filosofia fornisce un esempio di come i principi musicali possono diventare conoscenza. Uno dei tentativi più antichi e di maggior successo per spiegare il ricorso di musica è stata fatta da Pitagora nel 6 ° secolo aC I pitagorici scoprirono che l'armonia nella musica deriva da un semplice rapporto numerico tra le lunghezze delle corde vibranti in uno strumento a corde. Ad esempio, il rapporto tra l'ottava è 2 rapporto 1. del quinto è 3 a 2. Note le cui corde vibranti sono legati in lunghezza da piccoli numeri interi possono essere messi insieme armoniosamente in una corda. Quel rapporto è stato scoperto osservando diversi di questi accordi. Sapendo che, si può presumibilmente estendere il modello ad altri numeri interi, misurare la lunghezza delle stringhe, e creare armonie che erano precedentemente sconosciuti.

Tali sono gli usi di formule. Ma corde armoniche non sono la stessa cosa di musica ritmica. Ritmo, come un elemento musicale strettamente definita, riguarda la sequenza temporizzata di battiti. L'armonia è un suono creato quando più note diverse sono colpiti simultaneamente. Quello che stiamo cercando è una definizione più ampia di bella musica che abbraccia tutti i suoi elementi.

Ognuno può avvicinarsi a questa domanda, individuando casi specifici dell'oggetto in questione e quindi proporre un modello generale, che si adatta a tutti i casi, ma nessuno che non si adattano. In altre parole, ogni persona potrebbe raccogliere alcuni passaggi del suo o la sua musica preferita e cercare di vedere ciò che rende la bella musica. Ci sono, naturalmente, molti diversi tipi di musica della scena contemporanea: classica, semi-classica, jazz, musica popolare, Paese occidentale, rock 'n roll, canti Gospel, canti, ecc E, all'interno di classica o, diciamo, 19 ° secolo tedesco musica orchestrale, c'è la musica scritta da molti compositori diversi che avrebbero ogni essere considerati di avere uno stile unico.

Il tipo di musica può influenzare la percezione della bellezza dei suoi ammiratori ', e gusti musicali sono diversi. Anche così, ognuno sa quello che lui o lei piace nella musica. Dopo aver identificato alcune composizioni musicali preferiti, quella persona poteva ascoltare da vicino la musica e decidere dove e come è bello. ci sono posti nella musica che hanno appello speciale? In caso affermativo, quali elementi sono presenti? Se uno ha una chiara percezione della bellezza in diversi pezzi di musica, che potrebbe quindi essere possibile decidere che le selezioni hanno in comune. Si potrebbe cercare di trovare un modello in loro e quindi formulare un'idea di ciò che bella musica in generale è, o anche quello che il ritmo è in generale.

Si può mettere in discussione questo tipo di esercizio. Stiamo cercando di catturare la bellezza della musica in una formula, o cercando di definire ingrediente essenziale del ritmo, come se si trattasse di un elemento chimico o ceppo di virus. L'elemento effervescente di musica ritmica potrebbe non essere in grado di essere posto sotto un microscopio analitico più di quanto si possa analizzare umorismo, per esempio, e dire perché una particolare scherzo era divertente. Il fumetto senso - la parte che offre il suo calcio emotivo - è difficile da spiegare, anche se tutti sanno quando qualcosa è divertente. Allo stesso modo, il ritmo della musica tocca lo spirito umano in misteriosi modi però evidenti. La cosa principale è quello di riconoscere e apprezzare il ritmo, non spiegarlo.

al di là della conoscenza generalizzata

Bellezza ritmica può trovarsi oltre la conoscenza generalizzata. Mentre Platone era interessato a studi musicali, ha ridicolizzato i pitagorici che, in cerca di verità che riguardano la natura di armonia, "misura concordanze acustici e suoni uno contro l'altro, spendendo molto lavoro inutile ... che parlano di qualcosa che chiamano minime e, ponendo la loro orecchie a fianco, come se cercasse di cogliere una voce dalla porta accanto, alcuni affermano che si può sentire una nota in mezzo e che questo è il minimo intervallo e l'unità di misura, mentre altri insistono che le note ora rendono suoni identici, sia preferendo le loro orecchie alle loro menti ... I numeri che cercano si trovano in queste consonanze sentito, ma non ascendono a problematiche di carattere generale e la considerazione che i numeri sono intrinsecamente concorde e quali no e perché in ogni caso ".

Nel Filebo, Platone ha sottolineato che ci sono due tipi di arti e mestieri, che si distinguono per il loro uso o non uso della conoscenza generalizzata. I "tipi superiori di conoscenza", ha suggerito, sono stati trovati in quelle arti che ha coinvolto "numerazione, di misura, e con un peso", secondo norme precise. Per esempio, le arti di carpenteria ed edilizia richiesto che tipo di conoscenza. La musica era un esempio di altra arte. La sua conoscenza dipendeva "congetture e l'esercizio dei sensi su una base di esperienza e di regola, che prevede l'uso di quella capacità di fare i colpi di fortuna che è comunemente accordati il ??titolo di arte o mestiere, quando ha consolidato la propria posizione a forza di pratica laboriosa. "Platone propone pertanto di" dividere le arti e mestieri cosiddetti in due classi, quelli simile alla musica nelle loro attività con quelle simile alla carpenteria, le due classi di essere caratterizzati da un minore e un maggior grado di esattezza, rispettivamente, ".

Le varie arti che coinvolgono ritmo caduto in questa seconda categoria. Plato diffidava fare musica; ha visto questo come un influenza potenzialmente sovversiva nella società. I guardiani dello stato, ha avvertito, dovrebbero essere "vigile contro le innovazioni nella musica ... per le modalità della musica non sono mai disturbati senza inquietante le convenzioni politiche e sociali fondamentali." (Questa dichiarazione anticipata da 2.400 anni le dichiarazioni fatte durante la giro di vite sul rock 'n roll in Unione Sovietica. secondo più alto ufficiale del Cremlino, Egor Ligaciov, nel 1987 ha messo in guardia contro l'infiltrazione di "cultura borghese di massa" che ha detto aveva incitato ribellione tra gli adolescenti.)

obiezione principale di Platone la musica, però, era la sua incapacità di salita al livello di generalità. Il professionista della musica, ha scritto, "regola i suoi concorda non con la misura da colpi fortunati di un dito praticato." Tale incertezza è stato trovato "in tutta la musica, flauto e cetra a giocare allo stesso modo, per quest'ultimo caccia per la lunghezza corretta di ogni stringa in quanto dà la sua nota, facendo un colpo per la nota, e il raggiungimento di un risultato più inaffidabile ".

Il "finger praticato" di un musicista abile si sviluppa su un lungo periodo di formazione. Anche allora, non è possibile garantire che la prestazione andrà bene. (Questo è ciò che rende le performance live di ritmo così eccitante quando non vanno bene.) Eppure, in teoria, la musica ha una forma ideale. Plato ha osservato che, nel regno di oggetti sentito, "suoni udibili che sono liscia e chiara, e fornire una singola serie di note puri, non sono belli rispetto a qualcos'altro, ma in se stessi". Altrove, ha suggerito che "l'arte della musica è stato quello di creare armonia, risolvendo la discordia fra gli alti ei bassi ... come (anche) produciamo ritmo risolvendo la differenza tra veloce e lento "Allora Platone ha fatto un'ammissione sorprendente:". Ma quando si arriva alla applicazione di ritmo e armonia alle attività umane - come ad esempio la composizione di una canzone, o l'istruzione di altri nella corretta esecuzione delle arie e delle misure che sono già state composte - allora, signori, ci incontriamo con difficoltà che richiedono la movimentazione di esperti ".

Platone sembra essere il ritorno al concetto di sezione aurea quando scrisse che il ritmo si risolve "la differenza tra veloce e lento", e l'armonia ", la discordia fra alti e dei bassi". Se fosse una questione di trovare la media, si potrebbe anche pensare che la musica ritmica caduto da qualche parte tra suoni eccessivamente complesse rumore come, in una estreme e boringly semplici presentazioni tonali, dall'altro. Il passo costante di un diapason o anche "serie singola di note puri" di Platone avrebbe illustrare il secondo estremo. Infatti, sembra che la buona musica dirige una via di mezzo tra l'essere eccessivamente e non sufficientemente complesso. Ha appena sufficiente complessità di sfidare l'immaginazione musicale di chi ascolta, ma non abbastanza per produrre stupore come sinfonie atonali a volte fanno.

Anche se generalità possono descrivere bella musica, non possono essere in grado di soppiantare il processo di creazione artistica. La questione è se il processo di composizione di musica di alta qualità nasce misteriosamente dalla mente e dal cuore di un compositore "genio" o può essere ridotto a un metodo? Rousseau ha affermato che il suo amico, John Philippe Rameau, aveva inventato un tale metodo di comporre musica. Tuttavia, egli è uno dei compositori meno noti di quell'epoca.

Intuitivamente, si sente che non formula semplice o principio può servire come un "modello" per questa attività creativa. La musica contiene una tale miscela di elementi in sequenza complessi che solo un'intelligenza avvicinamento dell'uomo nelle sue varie funzionalità potrebbe comporre qualcosa di valore. Per comporre musica con il computer potrebbe essere un'opzione nel mondo di oggi. I computer possono contenere vari modelli in memoria, operare in modo sequenziale, e fare molte cose.

La maggior parte di registrazione in studio oggi è fatto con i computer. Lavorano con i sintetizzatori elettronici per coordinare e modificare i suoni. Un singolo compositore-interprete-tecnico che lavora con un computer in grado di produrre registrazioni che un tempo avrebbero richiesto una squadra piena di musicisti. Sintetizzatori in grado di produrre il suono di qualsiasi strumento musicale conosciuto o creare suoni di puro artificio. Possono attingere suoni che sono stati campionati digitalmente e memorizzati, giustapporre ritmi complessi, e variare la velocità.

Spettacoli musicali non sono più limitati da intelligenza umana e la destrezza manuale. Ciò che i computer non possono ancora fare - almeno, non a mia conoscenza - è quello di creare automaticamente nuove composizioni musicali le cui qualità ritmica ed estetica uguale a quelle che si trovano in capolavori orchestrali di fama mondiale. Forse un giorno che sarà possibile. Nel frattempo, dovremo fare affidamento su compositori umani e ascoltare quello che hanno da dire sul processo creativo.

la spiegazione di Aaron Copland della musica

Un 20 ° secolo il compositore americano, Aaron Copland, ha scritto un libro, Cosa ascoltare per in musica, che mette a nudo questo processo dal punto di vista di un compositore. Da questo libro, si apprende che la composizione sinfonica è più simile a una gravidanza che una fabbricazione meccanica. "Ogni compositore inizia con una idea musicale", ha scritto Copland. L'idea o il tema può essere una "melodia", o "una melodia con un accompagnamento", o "un'idea puramente ritmico", o qualcosa d'altro.

Il compositore raccoglie queste idee in un notebook. Studia ogni strettamente "per la sua bellezza puramente formale ... il modo in cui le sue sale e scende." Egli poi cercare di "trovare alcune altre idee che sembrano andare con quello originale", sia per somiglianza o per contrasto. Il compositore tenterà di connettersi idee da parte di un "processo di allungamento" o "cosiddetto materiale ponte". Nel trasformare le idee in un lavoro finito, l'oggetto sarebbe "la saldatura insieme di tutto quel materiale in modo che rende un insieme coerente ... tutto deve essere al suo posto." Le giunzioni dovrebbero apparire liscio e naturale piuttosto che artificiosa.

Ogni compositore ha il suo modo di lavorare, che coinvolgono una combinazione di pensiero immaginativo e del lavoro intellettuale di costruire un lavoro finito. L'energico Franz Schubert, il quale Copland chiamato "spontaneamente ispirato (tipo di) compositore", si è rivelato opere finite quasi ogni giorno. Beethoven, invece, illustra il "tipo costruttivo" del compositore che crea pazientemente la struttura di suoni da idee in un notebook.

Qualsiasi compositore o cantautore dedicato ha regolarmente idee. "Scrivo canzoni ovunque - nella parte posteriore della vettura, in camere d'albergo, su piani", ha detto Johnny Cash, la cantante pop americana, che non sapeva leggere una nota di musica. Irving Berlin, allo stesso modo musicalmente analfabeti, installato una frizione sul suo pianoforte che gli ha permesso di passare facilmente le chiavi. Quando ha scoperto la melodia giusta, una segretaria avrebbe scrivere le note. Ogni tipo di musica ha le proprie convenzioni o forme che offrono una guida per il processo creativo.

Il libro di Aaron Copland recensione degli elementi che vanno in musica. I quattro elementi di base sono: ritmo, melodia, armonia e colore tono. Il ritmo è la disposizione delle ricorrenti battute stressati e atone a intervalli regolari nel tempo. La melodia è la sequenza di singole note di diversa intonazione. L'armonia è il suono simultaneo di due o più toni differenti in un accordo. tonalità di colore riguarda il legno di uno strumento o le sue sfumature. I toni o note sono suoni di una certa altezza che possono essere organizzati in una scala musicale. Le note possono avere un certo grado di intensità o l'intensità. La struttura complessiva di un'opera musicale dovrebbe anche essere considerato nel determinare la sua qualità. Il ritmo, in senso lato, è, come abbiamo detto, l'impatto emotivo o estetico complessivo che la musica ha su una persona.

In senso stretto, il ritmo è l'elemento originale e più di base della musica. Copland offre l'esempio di battiti piede in una parata: destra-sinistra, sinistra-destra; o, uno-due, uno-due. Ciò corrisponderebbe a 2/4 ° tempo nella musica. Il ritmo di 3/4 ° volta sarebbe: uno-due-tre, uno-due-tre. Ballerini del valzer avrebbero riconosciuto questo. Di solito, ma non sempre, lo stress è sul primo battito della misura.

Lo schema della musica misurata, sviluppata nel 12 ° secolo dC, permette notazioni musicali da conservare per iscritto. Ogni set ripetizione di battute è una misura o al bar. Le note sono situate le battute. Queste note possono essere, a seconda della durata: note intere, mezze note, note da un quarto, sedicesimi, e così via. note tutta l'ultima il doppio del tempo come note e mezzo, che durano il doppio del tempo come quarti. La durata effettiva di ogni suonato nota è relativa a quella dell'intera nota. La velocità del ritmo è detta "tempo". Se ci sono quattro quarti di note in una misura, la musica è scritto in tempo di quattro trimestri (4/4). Tre quarti di tempo (3/4) musica avrebbe tre quarti di note per misura.

Non tutti i ritmi sono semplici, ritmi laboriosi. I ritmi possono discostarsi dal rigoroso metro per soddisfare le particolari esigenze espressive. Fino a tempi medievali, ritmi musicali seguivano i modelli di discorso. I modelli di sillabe accentate e atone di parole, interrotte da pause significative e modulati per enfatizzare certe parole o pensieri, dare discorso una qualità decisamente ritmica. Poesia e musica, incorporando battute ad arte disposti, sono nate della stessa tradizione culturale.

Nelle culture primitive, il battito dei tamburi crea una monotona, tipo non verbale del ritmo musicale. Questi possono diventare molto complicato quando diversi tamburi sono battere allo stesso tempo o sono introdotti variazioni. Al posto del semplice uno-due, uno-due, non ci può essere: ONE-due, uno-due-tre / uno-due, uno-due-tre; o, forse, uno-due-tre, uno-due, uno-due-tre / uno-due-tre, uno-due, uno-due-tre. Quando più insiemi diversi di ritmi vengono prodotte allo stesso tempo, la musica diventa "polyrhythmic". Siamo esposti a questo nel jazz, dove il basso è costituito da una costante, serie immutabile di battute come altri ritmi galleggiano liberamente nelle altre parti. In pezzi per pianoforte poliritmiche, la mano sinistra in genere giocare una serie di ritmi e la mano destra un altro.

Melody, il secondo degli elementi di Copland, è una serie di note che trasportano il tema musicale. Qui si assume ritmo come parte della struttura di fondo. Melody è l'elemento più artistica della musica; consiste di note in movimento su e giù per varie posizioni tonali in maniera coinvolgente. Le melodie sono la qualità unica di canzoni. Ascoltiamo per il disegno melodico come si tesse, filiforme, attraverso un lavoro musicale. A differenza di ritmo, melodia presenta variazioni di tono. I toni sono i suoni nettamente falde di note che sono prodotte da strumenti musicali che vibrano a frequenze particolari - per esempio, "middle C". Essi sono disposti in gruppi graduati chiamati scale.

Nella scala "cromatica" della musica contemporanea occidentale, ci sono dodici toni uniformemente distribuiti all'interno di un'ottava. Tuttavia, solo sette di questi, che comprende la "scala diatonica", sono comunemente usati. La progressione di note ha inizio in un tono particolare e poi sale lungo la scala ad intervalli individuati dalla all'esercizio musicale: do-re-mi-fa-so-la-ti-do. Quella serie di note sarebbe un'ottava completa. La prima nota - "fare" - sarebbe impostare la chiave per la musica, a seconda di quale tono ha colpito.

Con melodia più di ritmo, si può applicare giudizio estetico ad una composizione musicale. Ci sono buone melodie e quelli cattivi. «Perché una buona melodia dovrebbe avere il potere di spostare ci ha finora sfidato tutte le analisi", ha scritto Copland. Tuttavia, ha identificato alcune delle qualità si trovano in buone melodie: Tali melodie avrebbero Avrebbero dare "un senso di completezza e l'inevitabilità" "proporzioni soddisfacenti.". La linea melodica sarebbe "lunga e fluente, con punti di interesse e un momento culminante che di solito è venuto verso la fine bassa e alta." Inoltre, sarebbe "tendono a muoversi tra una varietà di note, evitando inutili ripetizioni." Sia o no tali prescrizioni contribuiscono a creare buone melodie, si presume che la maggior parte delle persone conoscono una buona melodia quando sentono uno.

Il terzo elemento musicale, armonia, è quello la cui qualità eccellente sono più facilmente comprensibile. Anche se l'armonia coinvolge anche un rapporto tra i toni, i toni suonano simultaneamente in un accordo, piuttosto che in modo sequenziale. Sappiamo intuitivamente che i toni hanno un suono piacevole quando si suona insieme. note particolari sono in armonia con le altre note che hanno una particolare relazione con loro nella scala.

"Teoria armonica," scrive Copland, "si basa sul presupposto che tutti gli accordi sono costruiti verso l'alto in una serie di intervalli di terza." Ciò significa che nella scala diatonica di sette note, qualunque sia la nota più bassa è nella corda, il prossimo sarà due note più alte; e la terza, due note superiore a quella. In termini di scala musicale, sarebbe "do-mi-sol". Sebbene una corda costituita da almeno tre di tali note, può essere espansa a quattro, cinque, sei, sette o anche note. La maggior parte della musica corale è scritto in quattro parti armonia.

tonalità di colore è il quarto dei quattro elementi di Copland. Questo si riferisce alla "qualità del suono prodotto da un particolare mezzo di produzione del suono musicale." Per esempio, una tuba suona diverso da una tromba o il clarinetto. Ogni tipo di strumento orchestra ha la propria qualità del suono che rende le note suonano diverso rispetto alle stesse note prodotte da altri strumenti. Le differenze hanno a che fare con sfumature armoniche e altre impurità sonori associati con lo strumento. Inoltre, gli strumenti hanno diversi volumi, limiti della gamma tonale, e così via.

Il compositore di musica orchestrale deve decidere quale strumento per mettere con ogni parte del punteggio per produrre l'effetto desiderato. Ci sono quattro tipi fondamentali di strumenti orchestrali: archi, fiati, gli ottoni e percussioni. All'interno di ogni categoria sono una serie di strumenti diversi, ciascuno con un proprio "colore". La scelta degli strumenti avrà un impatto sulla qualità del sonoro complessivo.

Oltre agli elementi sopra citati, si dovrebbe considerare la struttura della musica e il suo accompagnamento verbale. Per quanto riguarda la struttura, Copland ha scritto che "qualunque forma il compositore sceglie di adottare ... la forma deve avere ciò che nei miei giorni da studente abbiamo usato per chiamare la grande ligne (la linea lunga) ... Ogni buon pezzo di musica ci deve dare una senso di flusso -. un senso di continuità da prima nota a durare "Il senso del flusso in composizioni musicali crea una sensazione che le espressioni dovevano essere scritte come erano. Tutte le parti cadono naturalmente in luogo. Di buona struttura conferisce un senso di "inevitabile direzione", dando all'ascoltatore "una piacevole sensazione di coerenza che nasce dalla necessità psicologica delle idee musicali con i quali ha iniziato il compositore."

A questo proposito è l'idea che le composizioni musicali dovrebbero avere equilibrio. L'equilibrio è raggiunto attraverso la ripetizione di temi. I temi possono essere ripetuti esattamente oppure possono essere ripetute in variazioni. Ripetizione, dando la musica la sua "struttura della colonna vertebrale", è la forma principale della maggior parte arrangiamenti musicali. In genere, la melodia diventa il fulcro di esercizio ripetitivo. Si passa attorno all'orchestra da una sezione all'altra, subendo molte varianti. Il compito di chi ascolta è di prestare attenzione alla melodia in ogni momento e non perdere le tracce del suo progresso. Il principio della ripetizione si applica a tutti i livelli di costruzione musicale comprese le note stesse, il ritmo di battiti, movimenti, sezioni e sottosezioni, e il lavoro nel suo complesso. I vari elementi ripetuti si rafforzano a vicenda. "Forma musicale," scrive Copland, "assomiglia ad una serie di ruote all'interno ruote in cui la formazione della ruota più piccola è notevolmente simile a quella del più grande."

appello personale della musica

Il testo di una canzone può avere un ruolo nella sua espressione ritmica. Nelle migliori espressioni, le parole ei suoni vanno naturalmente insieme. Pur non parte della musica di per sé, l'elemento verbale deve essere considerato nella effetto estetico totale che una composizione musicale ha. Le parole hanno significati che sono personalmente associati a un ascoltatore. Essi evocano pensieri diversi in mente diversi ascoltatori. Ciò suggerisce che la potenza ritmica della musica, nel suo senso più pieno, può avere più a che fare con la creazione di una esperienza privata che con esibendo la bellezza in generale. Le parole e il loro messaggio diventano emotivamente simbolica delle cose nella vita di una persona. Se questo è vero, può darsi che alcuni degli altri elementi nella musica, avendo a che fare con qualità del suono, può anche mescolare i cuori e le menti degli ascoltatori, perché questi ascoltatori sono individualmente pronti per essere mescolato.

Musica, quindi, ha questi elementi diversi. Ogni elemento di musica orchestrale, così come altri tipi, presenta molte varianti. Bella musica è stata scritta in vari modi. Che cosa si può dire della musica in generale? Si può dire che la musica complessiva, rispetto al rumore, dà un senso di ordine. I suoni non sono in esecuzione in tutte le direzioni, ma hanno un design. Ogni parte viene creato con riferimento ad altre parti. Ognuno contribuisce al modello del tutto. Tuttavia, in questo modello c'è vita. C'è lo spirito che vogliono realizzarsi. Bella musica rappresenta un equilibrio tra ordine e caos, la ripetizione e la novità, la regolarità e la variazione. Un modello completamente regolare di suoni sarebbe noioso. Alcuni irregolarità e complessità dovrebbero essere introdotti nella musica per renderlo più interessante, ma non troppo.

Una volta ho sentito un conduttore sinfonico dire in un'intervista radiofonica che il metronomo era il nemico del ritmo. A suo parere, opere musicali devono essere condotte in un modo che dà un senso di libertà e spontaneità. Il ritmo non dovrebbe essere meccanica perché non sarebbe allora umana. Al fine di coinvolgere la nostra immaginazione, la musica dovrebbe avere una certa selvaggia su di esso, a testimonianza dello spirito all'interno. Il riferimento di Aaron Copland per "La grande ligne" - la linea lungo - coglie un senso di quello spirito. In ritmi di ogni genere si trovano la continuità o il senso del flusso. Un lavoro musicale completo che scorre si basa su se stesso ritmicamente. Non ci saranno luoghi in cui l'espressione raggiunge un vicolo cieco, si esaurisce di intuizioni, e poi muore. Alcuni potente forza di immaginazione creativa tira l'espressione lungo. Buona musica ha un moto di pensiero continuo che sa dove andare prossimo. "Un grande sinfonia", ha scritto Copland, "è un uomo fatto Mississippi verso il basso che abbiamo irresistibilmente flusso dal momento del nostro commiato a una destinazione lungo previsto."

Il ritmo, come la bellezza, si trova nell'occhio (o l'orecchio) di chi guarda. Il piacere che si prende da un pezzo di musica dipende in gran parte l'attitudine estetica e di condizionamento di chi ascolta. Tutti noi possiamo comprendere i ritmi semplici, ma tendono ad essere noioso. Sperimentiamo euforia emotiva come il ritmo diventa più piena e percettivamente più impegnativo, fino a quando la sua percezione resta a portata di mano. Se il ritmo diventa troppo complesso, tuttavia, lo perdiamo. Così il giusto grado di complessità nella musica dipende l'ascoltatore. Come il giusto numero di sterline per un sollevatore di pesi dipende condizionata e la forza dell'atleta, così i ritmi più soddisfacenti saranno quelli che tassare i talenti percettive di chi ascolta al punto giusto. Un buon ritmo prima prende il "gancio" in chi ascolta. Una volta che l'ascoltatore è agganciato, può di solito da portare in esperienze ritmiche più impegnativi ed emozionanti, senza perdersi.

Gli studi accademici di musica confermano la teoria che un dato brano musicale colpisce le persone in modo diverso. Diana Deutsch presso l'Università della California, San Diego, ha trovato "le differenze individuali enormi nel modo in cui la gente sente informazioni musicali". Questo può avere meno a che fare con la formazione musicale di chi ascolta o il grado di sofisticazione di una volta creduto. Anche i modelli di note semplici e melodie tendono ad essere ascoltato in modi personali.

Questo fatto non fa ben sperare per la musica moderna astratta. "Penso che sia ragionevole dire che comporre musica con carta e penna sulla base di astrazioni matematiche, come una serie di modelli o problemi da risolvere, è, se vi piace, non corretta", ha detto Deutsch. "Il meccanismo dell'udito umano non può elaborare un'astrazione". Così siamo tornati al vecchio stile modi di apprezzare la musica. Musica, alcuni dicono, fornisce un "giro psichica o viaggio" promettendo certi "ricompense" estetico e soddisfare la maggior parte delle "aspettative", ma anche l'introduzione di "sorprese periodici."

Alla fine, ci sono limiti a mettere ritmo al microscopio per vedere ciò che si trova lì. Questo è l'approccio di testo centrato. L'idea di studiare testi o spartiti musicali come fossero capolavori fragili prodotte dal genio è il modo sbagliato di affrontare il ritmo. Questo rende ritmo difficile quando si è, infatti, molto facile. Infatti, vi è un certo stato d'animo in cui ogni atto creativo diventa opera d'ingegno e niente può andare storto. L'attenzione dovrebbe essere non sul lavoro, ma il momento creativo. La domanda vale la pena di chiedere non è quello che le modalità squisiti si trovano in un'espressione completato ma: Come mi sono messo nello stato d'animo? Come faccio a portare sullo stato della onnipotente creazione ritmica?

Nota: Questo è il capitolo 5 del libro, Ritmo ed Auto-Coscienza, da William McGaughey, che Pubblicazioni di Thistlerose pubblicato nel 2001.

 

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