BillMcGaughey.com
   

Irama dalam musik

ke: analisis

Ada sesuatu tentang musik yang kesenangan pikiran. Dalam semua kewajaran, salah satu tidak bisa membayangkan bahwa kesenangan seperti ini akan ada. Musik adalah karunia ilahi. "Tanpa musik," kata Friedrich Nietzsche, "hidup akan menjadi suatu kesalahan." Psychology Today pernah melakukan survei pada jenis pengalaman yang memberi orang paling "sensasi". Dengan 96 persen dari responden mengutip kesenangannya, musik puncak daftar. Sebuah melodi yang indah itu dinilai secara emosional hal yang paling memuaskan yang hidup manusia yang ditawarkan. Setiap masyarakat di bumi memiliki musik dan tari.

"Pada akar semua kekuatan dan gerak, di pembakaran pusat keberadaan itu sendiri, ada musik dan irama, bermain frekuensi bermotif terhadap matriks waktu," jurnalis dan penulis George Leonard telah menulis. "Sebelum kita membuat musik, musik membuat kita. Karunia diberkati pendengaran berfungsi sebagai saluran melalui mana kita dapat diingatkan asal kita yang terdalam. Untuk musik adalah refleksi dalam suara dari struktur dunia, membuat eksplisit kualitas berirama dalam segala hal. "

Setiap hidup dengan irama detak jantung sendiri dan dari paru-paru terus bernafas dalam dan keluar. Pidato manusia memiliki irama suku kata stres dan tanpa tekanan. Lagu pengantin pidato berirama untuk suara berdenyut musik. irama musik yang simbol dari jenis lain dari pengalaman yang indah, menghubungkan intelijen untuk misteri yang lebih dalam hidup. hati kita membengkak ketika kita mendengar ini halus, suara pengadukan. Dengan cara yang unik, mereka mengingatkan kita hal-hal yang berharga bagi jiwa kita.

Pada setiap tingkat keberadaan kita kita bergetar. Pulsa otak manusia pada tingkat siklus sekitar empat puluh per detik selama konsentrasi aktif, menjatuhkan turun menjadi kurang dari satu siklus per detik di tidur nyenyak. Organ-organ indera adalah transformator ritme yang menafsirkan gelombang energi yang masuk. Kami mengambil pesan berirama melalui getaran yang kita selaras. Banyak dari pengalaman ini berlangsung di bawah tingkat kesadaran. Rhythm menjadi masalah kepentingan pribadi ketika terlibat perasaan dan pikiran kita pada tingkat sadar. Berikut mengklaim wilayah pengalaman terpisah dari kesadaran rasional.

sensasi berirama bersama kami pada usia dini. Sementara masih dalam kandungan, janin manusia menjadi sadar ibu detak jantung. (Seorang bayi yang baru lahir dapat dibuat menjadi tenang dan tertidur dengan memutar rekaman dengan suara ini.) Saat lahir, bayi memulai irama seumur hidup pernapasan. rutinitas sehari-hari mereka diatur dalam siklus bangun aktivitas dan tidur. Zaman makan dan evakuasi limbah, main-main diikuti oleh iritasi gelisah, kunjungan orangtua dan terbaring sendirian di dalam buaian, mengikuti satu sama lain dalam pola pengalaman infantile berulang. Ketika orangtua berbicara dengan anak, gerakan tubuh dan nada suara akan dipahami lebih cepat dari arti kata-kata. Bayi dengan cepat membedakan antara suara yang berbeda. kemampuan mereka untuk berbicara, bahkan dalam kata-kata bayi, waktu bertahun-tahun. Orang mungkin mengatakan, kemudian, bahwa kecerdasan manusia itu sendiri dimulai dengan pengakuan pola berirama. konsepsi mengartikulasikan bentuk datang kemudian.

intelijen berirama mungkin meluas ke makhluk hidup lainnya. Serigala melolong di mereka suara bernada tinggi. Burung pipit berkicau dan burung hantu bagasi. Jangkrik membuat musik dengan menggosok kaki mereka bersama-sama. Belalang menghasilkan suara kawin karakteristik dikembangkan mungkin 250 juta tahun yang lalu dengan menggosok kaki dan sayap mereka bersama-sama. The berangan-sisi warbler laki-laki memiliki setidaknya dua jenis lagu, melayani fungsi yang berbeda. Lagu utama, dimaksudkan untuk menarik betina, akan dinyanyikan sering selama musim kawin awal. Setelah burung akan kawin, jantan beralih ke lagu sekunder menyerupai geraman yang dimaksudkan untuk mencegah laki-laki lainnya dari memasuki wilayah mereka. Berbeda dengan lagu-lagu pendek dan berulang-ulang penyanyi ', paus lebih cerdas dalam lautan dikatakan melakukan "komposisi raga seperti panjang yang luar biasa dan kompleksitas yang berlangsung di mana saja 6-30 menit."

filsafat Yunani melihat dunia dari perspektif yang rasional, bertujuan untuk menghasilkan pengetahuan yang membantu masyarakat untuk berfungsi dalam berbagai cara. disiplin ilmu seperti ilmu alam, matematika, teknik, dan hukum memberikan contoh jenis kegiatan diatur dengan alasan. Ada, Namun, lingkup lain dari kegiatan yang dimengerti alasan. Bayangkan suasana riuh di sebuah bar. Arus minuman keras, lelucon cabul diberitahu, pelanggan menggoda dengan pelayan, musik bermain di kotak juke, dan bersorak naik dari orang-orang berkumpul di sekitar sebuah televisi layar besar sebagai skor tim tuan rumah.

Dari perspektif rasional, pengalaman berirama seperti ini milik daerah lain kehidupan yang tidak rasional dan liar tetapi juga pribadi yang menarik. Ungkapan, "anggur, perempuan, dan lagu" - diperbarui akhir-akhir ini untuk "seks, narkoba, dan rock 'n roll" - mencakup beberapa unsur budaya ini. gairah cinta, kimia mengubah pikiran, dan, di atas semua, musik adalah staples abadi gaya hidup nya. sisi kehidupan merupakan "menjadi" daripada "menjadi", perubahan suasana hati antara kegembiraan ekstrim dan depresi, nilai-nilai kesenangan berpusat - singkatnya, semua yang Plato dibenci.

Sejarawan membedakan antara "Apolonia" dan "Dionysian" tradisi dalam budaya Yunani dan Romawi klasik. budaya Apolonia termasuk seni dan ilmu pengetahuan dikaitkan dengan Olympian dewa Apollo. Meskipun ia adalah dewa musik, Apollo juga bertanggung jawab untuk penemuan peradaban yang lebih tinggi di bidang-bidang seperti kedokteran, filsafat, hukum, dan pertanian. budaya Apolonia mewakili, kemudian, prinsip rasional dalam kehidupan yang beradab. Menentang prinsip ini adalah praktek-praktek budaya bawah tanah yang berhubungan dengan penyembahan dewa Thracian Dionysus, yang adalah dewa anggur dan kesuburan. upacara ibadat nya unggulan pesta pora mabuk, menari ke titik kegilaan gembira, dan ritual aneh di mana jamaah merobek hewan hidup terpisah dan minum darah mereka.

Penerus dewa Romawi, Bacchus, terangsang kacamata seperti mabuk di tempat umum dan ketidaksopanan yang pemerintah Romawi di 186 SM melarang upacara Bacchanalian. Namun, tradisi ibadat mereka telah tinggal di dalam kehidupan penyair, seniman, dan musisi seperti bahasa Inggris atau penyair Romantis Jerman pada awal abad ke-19 atau "anak bunga" yang berjalan kaki ke San Francisco pada akhir 1960-an. Ini akan selalu memiliki berikut di kalangan anak muda.

budaya berirama meluas ke seni dari sosialisasi. Kenikmatan humor melibatkan irama tertentu. Untuk membuat orang tertawa membuat dia benar-benar bergetar. Pesan lucu, atau lelucon, mencapai klimaksnya ketika pendengar mendeteksi keganjilan dalam aliran ekspresi rasional. Kemudian suasana hati berubah tiba-tiba dari komunikasi serius untuk main-main. Rhythm juga dapat masuk ke dalam seni visual. Medieval lukisan Cina digambar dengan kuas dan tinta menciptakan pemandangan rapuh pemandangan pegunungan atau menggeliat hewan berikut konsep Tao, ch'i-yun, yang diterjemahkan "roh resonansi". Semangat berirama objek seharusnya membimbing tangan artis selama pembuatan.

Secara tradisional, pekerja pertanian telah dinyanyikan lagu sambil melakukan kerja back-melanggar. The voyageurs Perancis-Kanada ke-17 dan ke-18 yang diangkut bulu hewan di kano besar di perairan Amerika Utara membutuhkan kekuatan fisik dan daya tahan. Hal ini melaporkan bahwa "karena mereka bernyanyi untuk sementara away jam mendayung, suara mereka hampir sama pentingnya dengan biceps mereka, dan suara nyanyian mereka dianggap ketika mereka dipilih untuk pekerjaan."

rhythm dalam budaya populer

Aspek kehidupan ditekankan dalam usia budaya populer. Media kontemporer perekaman elektronik dan penyiaran memungkinkan gambar dari pandangan dan suara untuk disampaikan kepada khalayak secara penuh rinci sensual. rekaman kaset melestarikan suara suara manusia atau alat musik seperti yang awalnya terdengar. Radio memberikan suara ini ke khalayak yang besar dan tersebar. film dan rekaman video mengizinkan kedua gambar visual dan auditori akan ditangkap di media mereka. Televisi adalah alat yang ampuh untuk menyebarkan gambar dari pandangan dan suara. Seperti perangkat merekam gambar bergerak melalui waktu, baik sebagai gelombang suara atau sebagai suksesi gambar visual yang meniru gerak. Tidak seperti cetak, mereka berkomunikasi gambar sensual daripada kata-kata. Media baru irama komunikasi pameran dalam berbagai bentuknya. Orang yang secara teratur menghasilkan irama berkualitas tinggi yang banyak diminati dalam budaya ini.

Musik adalah konten yang dominan untuk radio. "Disk joki" yang mengumumkan dan memainkan musik pilihan adalah kepribadian radio yang dominan. Peran mereka telah diperluas dari menyajikan musik untuk menyertakan bicara olahraga dan siaga chit-chatting dalam format yang menarik bagi komuter pagi; mereka menawarkan "dimuliakan persahabatan" sebagai salah satu pagi-show menyebutnya. Para penonton mendengarkan lapar tidak hanya untuk musik tapi untuk sekilas kepribadian manusia. Di masa lalu, radio adalah media favorit untuk penyiaran langsung olahraga, siaran berita, komedi, dan karya-karya dramatis dalam bentuk serial. Meskipun beberapa dari program-program ini terus, mereka dikalahkan oleh rekan-rekan mereka di televisi, yang menambahkan gambar visual untuk suara.

Siaran berita, siaran dari kontes atletik, dan pertunjukan dramatis, terutama komedi situasi, adalah kategori utama dari program televisi. Game show, berbasis realitas jurnalisme, larut malam talk show, sore "sinetron" dan hubungan-fokus talk show yang menarik sebagian besar untuk perempuan adalah beberapa jenis populer lainnya. Berbagai acara seperti Ed Sullivan, yang disajikan pertunjukan musik, telah memudar. Common denominator dari radio dan televisi, serta phonographs dan film sebelum mereka, adalah bahwa mereka menunjukkan ritme dalam berbagai bentuknya. Mereka memiliki pemain individu yang dapat memberikan ritme. ritme ini menempel pada kualitas pribadi dari pelaku, penampilan sensual wajah dan suara, serta kebiasaan pemain ini pikiran. Program host dengan "karunia mengobrol" juga menyampaikan kepribadian berirama.

Pergeseran untuk diproduksi secara elektronik hiburan telah mengambil perhatian dari teks dicetak dan dilucuti penulis mereka pujian publik. Meskipun mungkin ada zaman modern Shakespeares antara skenario Hollywood dan penulis naskah televisi, mereka menerima sedikit pengakuan. Sebaliknya, para aktor dan aktris yang menghafal dan melakukan script menjadi pusat perhatian. Hal yang sama berlaku komposer musik dan orang-orang yang melakukan musik mereka.

Jika musik adalah komposisi untuk instrumen, komposer masih dapat dikenali; tetapi jika musik ini ditulis untuk suara manusia, maka penyanyi bukan penulis lagu menikmati peran utama. perekaman elektronik dan penyiaran adalah media seperti kuat untuk memberikan gambar sensual bahwa gambar-gambar cemerlang dr desain kreatif. Pemain manusia yang berdiri di depan kamera adalah gambar yang ingin penonton. Maklum, pria dan wanita yang memiliki penampilan yang baik dan memiliki daya tarik pribadi tertentu tertarik ke atas budaya ini dengan mengorbankan orang cerdas dengan visi kreatif belaka.

Karena "bintang" aktor, penyanyi, atlet, atau pemain lainnya adalah komoditas pribadi yang unik di pasar, harga yang orang ini mampu memerintahkan untuk kinerja nya bisa mencapai tingkat astronomi. Penonton terbiasa dengan kepribadian tertentu pemain favorit mereka akan menerima ada pengganti. Oleh karena itu, oleh hukum penawaran dan permintaan, harga naik di mana permintaan sehingga sangat melebihi pasokan. Tidak hanya artis terkenal menerima uang dalam jumlah besar untuk berolahraga keterampilan hiburan mereka; mereka, seperti selebriti, juga dibayar untuk "dukungan selebriti" dari produk. Michael Jordan, bintang basket, telah menerima jutaan dolar untuk mendukung Nike sepatu olahraga, produk yang berhubungan dengan olahraga, tapi tidak dengan kemampuan basket Jordan per se.

Situasi ini menciptakan sebuah anomali dalam pemain manusia berolahraga non-teknis dan sering keterampilan fisik lebih murah hati kompensasi dari jenis yang lebih serebral, termasuk, mungkin, orang yang menemukan peralatan elektronik yang memungkinkan untuk gambar pemain untuk diperbesar. Meskipun kontribusi orang itu juga unik, ia menciptakan desain dipatenkan daripada irama pribadi. desain yang bentuk. Itu skema yang, sekali diartikulasikan dan disajikan sebagai cetak biru teknologi, bisa direplikasi berkali-kali. Oleh karena itu, adalah mungkin untuk meningkatkan pasokan dari produk yang dibuat dari cetak biru untuk memenuhi setiap tingkat permintaan dan harga akan turun. Dari sudut pandang ekonomi, perbedaan antara ritme dan bentuk adalah bahwa pasokan irama berbasis kepribadian dibatasi oleh keunikan mereka sementara bentuk adalah cara sendiri untuk meningkatkan pasokan.

apakah ritme dapat diproduksi di akan

Karena ritme begitu berharga, semua orang menginginkannya. Ada minat dalam menemukan "rahasia" menghasilkan ritme sehingga seseorang dapat membuat ini di akan. Dengan kata lain, orang ingin dapat mengurangi ritme prinsip-prinsip tertentu pengetahuan - untuk "bentuk", jika Anda mau.

Oleh karena itu mungkin untuk mendekati subjek ini sebagai filsuf Yunani akan dan bertanya: "Apa irama? Apa definisi "The New Century kamus mendefinisikan ritme sebagai:"? Gerakan atau prosedur dengan kekambuhan seragam beat, aksen, atau sejenisnya; secara umum, prosedur ditandai dengan kekambuhan biasa elemen tertentu, frase, dll .; khusus, dalam musik, struktur komposisi dengan mengacu pada distribusi ketukan berturut atau aksen, yang dibedakan dari melodi dan harmoni. "Dari kata-kata ini orang dapat menduga irama yang adalah ciptaan suara di mana suara tonal tertentu, atau ketukan, terjadi secara berkala selama periode waktu. Rhythm adalah seperti seseorang denyut jantung sendiri. Beats yang estetis menyenangkan dan dikendalikan.

Kami akan menggunakan istilah, "ritme", dengan cara yang berbeda. Rhythm adalah keindahan dalam musik yang indah atau, dengan ekstensi, keindahan pengalaman di mana ekspresi cerdas, seperti musik, adalah pleasingly disajikan selama periode waktu. Rhythm adalah, oleh karena itu, tidak keindahan dalam sebuah lukisan atau patung yang dirasakan dalam satu saat, tetapi pengaturan waktu. Peristiwa yang disusun pada sebuah kontinum temporal. Selain musik dan tari, ekspresi berirama muncul dalam percakapan pribadi, kontes olahraga, karya dramatis, cerita, dan sebagian besar jenis produksi untuk radio dan televisi.

Adapun definisi untuk mencakup semua situasi ini, yang mungkin sulit. Parafrase pernyataan Louis Armstrong tentang jazz, filsuf akan berkata: "Anda akan tahu ketika Anda melihat (atau mendengar) itu. Dan, jika Anda tahu, Anda tidak harus bertanya. "Setiap orang tahu apa yang dia pikir adalah indah atau pribadi bergerak. Rhythm adalah apa yang menggerakkan individu pribadi, baik secara emosional dan intelektual. Menjadi pribadi, irama tidak mudah dimasukkan ke dalam bentuk umum. Jadi definisi harus dibiarkan pada catatan.

Namun, kami akan lalai meninggalkan pembaca buku ini, mengharapkan untuk belajar tentang irama, dengan kesimpulan bahwa ritme hanya apa yang ada dalam pikiran mereka sendiri. (Kami tidak seperti beberapa orang penjaja lain yang membiarkan klien yang bicara dan memberikan tidak ada pikiran mereka sendiri.) Jadi, untuk diskusi umum irama, tempat terbaik untuk memulai mungkin untuk membahas kualitas musik. Unsur-unsur musik yang jelas dan spesifik dibandingkan dengan jenis lain dari fenomena berirama.

Secara teori, musik berirama memiliki desain yang, dikenal secara filosofis, bisa menjadi pola umum untuk menciptakan lebih sama. Masalah ini mungkin disajikan kembali dengan cara ini: Dapatkah musik yang indah ditulis dari formula? Atau, apakah ada program komputer yang dapat menulis jenis musik ini? Jika komposer manusia tahu bagaimana menulis musik seperti itu, maka pasti seseorang harus mampu untuk meminta mereka bagaimana mereka melakukannya dan, dengan menggunakan informasi itu, membangun sebuah mesin untuk melakukannya dengan lebih baik.

Filsafat memberikan contoh bagaimana prinsip-prinsip musik dapat menjadi pengetahuan. Salah satu yang paling awal dan paling sukses usaha untuk menjelaskan daya tarik musik dibuat oleh Pythagoras di SM abad ke-6 Pythagorean menemukan bahwa harmoni dalam musik berasal dari hubungan numerik sederhana antara panjang bergetar string dalam alat musik gesek. Misalnya, rasio oktaf adalah 2 untuk rasio 1. kelima adalah 3 sampai 2. Catatan yang bergetar string terkait panjangnya dengan nomor terpisahkan kecil dapat disatukan harmonis dalam akord. Hubungan yang ditemukan dengan mengamati beberapa akord tersebut. Mengetahui hal itu, salah satu mungkin mungkin memperpanjang pola ke nomor terpisahkan lain, mengukur panjang string, dan menciptakan harmoni yang sebelumnya tidak diketahui.

Seperti penggunaan formula. Tapi akord yang harmonis tidak sama dengan musik berirama. Rhythm, sebagai elemen musik didefinisikan secara sempit, berkaitan dengan urutan waktunya ketukan. Harmony adalah suara yang dibuat ketika beberapa catatan yang berbeda dipukul secara bersamaan. Apa yang kita cari adalah definisi yang lebih luas dari musik yang indah yang mencakup semua unsur-unsurnya.

Masing-masing dapat mendekati pertanyaan ini dengan mengidentifikasi kasus-kasus tertentu dari objek tersebut dan kemudian mengusulkan pola umum yang cocok untuk semua kasus tetapi tidak ada yang tidak cocok. Dengan kata lain, setiap orang bisa mengambil beberapa bagian dari musik favorit nya dan mencoba untuk melihat apa yang membuat musik yang indah. Ada, tentu saja, berbagai jenis musik di kancah kontemporer: klasik, semi klasik, jazz, musik rakyat, Negara Barat, rock 'n roll, lagu Gospel, himne, dll Dan, dalam klasik atau, katakanlah, abad 19 musik orkestra Jerman, ada musik yang ditulis oleh banyak komposer yang berbeda yang masing-masing akan dianggap memiliki gaya yang unik.

Jenis musik dapat mempengaruhi persepsi pengagum nya 'keindahan, dan selera musik yang berbeda. Meski begitu, setiap orang tahu apa yang dia suka di musik. Setelah mengidentifikasi beberapa komposisi musik favorit, orang yang bisa mendengarkan erat dengan musik dan memutuskan di mana dan bagaimana itu indah. Apakah ada tempat di musik yang memiliki daya tarik khusus? Jika demikian, apa elemen yang hadir? Jika seseorang memiliki persepsi yang jelas tentang keindahan di beberapa bagian yang berbeda dari musik, mungkin kemudian mungkin untuk memutuskan apa yang memiliki pilihan yang sama. Satu bisa mencoba untuk menemukan pola dalam mereka dan sehingga merumuskan gagasan tentang apa musik yang indah secara umum, atau bahkan apa ritme pada umumnya.

Satu dapat mempertanyakan jenis latihan. Kami berusaha untuk menangkap keindahan musik dalam formula, atau mencoba untuk menentukan unsur penting ritme ini seolah-olah itu elemen atau strain virus kimia. Unsur effervescent musik berirama mungkin tidak dapat ditempatkan di bawah mikroskop analitis lebih dari satu bisa menganalisis humor, misalnya, dan mengatakan mengapa lelucon tertentu lucu. Arti komik - bagian yang memberikan tendangan emosionalnya - sulit untuk menjelaskan meskipun semua orang tahu ketika ada sesuatu yang lucu. Demikian juga, irama musik menyentuh jiwa manusia di misterius cara meskipun jelas. Hal utama adalah untuk mengenali dan menghargai ritme, tidak menjelaskannya.

di luar pengetahuan umum

Keindahan berirama mungkin berada di luar pengetahuan umum. Sementara Plato tertarik studi musik, ia diejek Pythagorean yang, mencari kebenaran tentang sifat harmoni, "ukuran concords terdengar dan suara terhadap satu sama lain, pengeluaran tenaga kerja banyak berguna ... mereka berbicara tentang sesuatu yang mereka sebut not setengah dan, meletakkan mereka telinga bersama, seolah berusaha menangkap suara dari sebelah, beberapa menegaskan bahwa mereka dapat mendengar catatan di antara dan bahwa ini adalah yang paling interval dan unit pengukuran, sementara yang lain bersikeras bahwa catatan sekarang membuat suara identik, baik memilih telinga mereka ke pikiran mereka ... nomor mereka mencari ditemukan di ini concords mendengar, tetapi mereka tidak naik ke masalah umum dan pertimbangan yang nomor secara inheren sesuai dan yang tidak dan mengapa dalam setiap kasus. "

Dalam Philebus, Plato mengatakan bahwa ada dua macam seni dan kerajinan, dibedakan oleh digunakan atau tidak digunakannya pengetahuan umum mereka. The "jenis unggul pengetahuan", ia menyarankan, ditemukan pada mereka seni yang melibatkan "penomoran, mengukur, dan berat" menurut standar yang tepat. Misalnya, seni pertukangan dan konstruksi bangunan diperlukan bahwa jenis pengetahuan. Musik adalah contoh dari seni lainnya. pengetahuan tergantung pada "menebak dan latihan indra Anda secara pengalaman dan aturan praktis, yang melibatkan penggunaan kemampuan yang membuat tembakan keberuntungan yang biasa diberikan gelar seni atau kerajinan, ketika telah mengkonsolidasikan posisinya oleh berkat praktek rajin. "Plato karena itu diusulkan untuk" membagi seni dan kerajinan yang disebut menjadi dua kelas, mereka mirip dengan musik dalam kegiatan mereka dan mereka mirip dengan pertukangan, dua kelas yang ditandai dengan lebih rendah dan tingkat yang lebih besar dari ketepatan masing-masing . "

Berbagai seni yang melibatkan irama jatuh ke kategori kedua ini. Plato dipercaya musik keputusan; ia melihat ini sebagai pengaruh berpotensi subversif dalam masyarakat. Wali negara, ia memperingatkan, harus "waspada terhadap inovasi dalam musik ... untuk mode musik tidak pernah terganggu tanpa Bonhoeffer konvensi politik dan sosial yang paling mendasar." (Pernyataan ini diantisipasi oleh 2.400 tahun pernyataan yang dibuat selama tindakan keras terhadap rock 'n roll di Uni Soviet. resmi kedua tertinggi Kremlin, Yegor Ligachev, pada tahun 1987 memperingatkan terhadap infiltrasi "budaya borjuis massa" yang katanya telah menghasut pemberontakan di kalangan remaja.)

Keberatan utama Plato musik, meskipun, adalah kegagalan untuk pendakian ke tingkat umum. Praktisi musik, ia menulis, "menyesuaikan concords yang tidak dengan pengukuran oleh tembakan beruntung jari berlatih." Itu ketidakpastian ditemukan "di seluruh musik, seruling bermain dan kecapi bermain sama, untuk ini perburuan terakhir untuk panjang yang tepat setiap string karena memberikan catatan, membuat tembakan untuk catatan, dan mencapai hasil yang paling bisa diandalkan. "

The "berlatih jari" dari musisi yang terampil dikembangkan dalam jangka panjang pelatihan. Bahkan kemudian, tidak dapat dijamin bahwa kinerja akan berjalan dengan baik. (Itulah yang membuat pertunjukan live dari ritme sangat menarik ketika mereka berjalan dengan baik.) Namun, dalam teori, musik memang memiliki bentuk yang ideal. Plato mengamati bahwa, dalam dunia benda mendengar, "suara terdengar yang halus dan jelas, dan memberikan serangkaian tunggal catatan murni, indah tidak relatif terhadap sesuatu yang lain, tapi dalam diri mereka." Di tempat lain, ia menyarankan bahwa "seni musik adalah untuk menciptakan harmoni dengan memecahkan perselisihan antara treble dan bass ... sebagai (juga) kami memproduksi ritme dengan memecahkan perbedaan antara cepat dan lambat "Kemudian Plato membuat pengakuan mengejutkan:". Tetapi ketika kita datang ke penerapan ritme dan harmoni aktivitas manusia - seperti misalnya komposisi lagu, atau instruksi dari orang lain dalam kinerja yang benar dari mengudara dan langkah-langkah yang telah disusun - kemudian, tuan-tuan, kami bertemu dengan kesulitan yang memanggil untuk penanganan ahli . "

Plato tampaknya akan kembali ke ide mean emas ketika ia menulis bahwa ritme menyelesaikan "perbedaan antara cepat dan lambat", dan harmoni "perselisihan antara treble dan bass". Jika itu masalah menemukan mean, kita juga akan berpikir bahwa musik berirama jatuh di suatu tempat antara terlalu rumit, suara noise-seperti, pada satu presentasi tonal yang ekstrim, dan bosan sederhana, di sisi lain. Pitch stabil garpu tala atau bahkan "seri tunggal catatan murni" Plato akan menggambarkan ekstrim yang terakhir. Sebab, tampaknya bahwa musik yang baik mengarahkan jalan tengah antara menjadi berlebihan dan kurang kompleks. Ini memiliki cukup kompleksitas untuk menantang imajinasi musik pendengar tetapi tidak cukup untuk menghasilkan bingung sebagai simfoni tanpa nada kadang-kadang melakukan.

Bahkan jika generalisasi dapat menggambarkan musik yang indah, mereka mungkin tidak dapat menggantikan proses penciptaan seni. Pertanyaannya adalah apakah proses penyusunan musik berkualitas tinggi mata air misterius dari pikiran dan hati dari "jenius" komposer atau dapat dikurangi dengan metode? Rousseau menyatakan bahwa temannya, John Philippe Rameau, telah menemukan sebuah metode seperti menyusun musik. Namun, dia adalah salah satu komposer yang kurang terkenal dari usia itu.

Secara intuitif, salah satu merasa bahwa tidak ada rumus sederhana atau prinsip dapat berfungsi sebagai "cetak biru" untuk kegiatan kreatif ini. Musik berisi campuran seperti elemen berurutan kompleks yang hanya kecerdasan mendekati manusia di berbagai kemampuannya bisa menulis sesuatu yang layak. Untuk membuat musik dengan komputer mungkin menjadi pilihan di dunia saat ini. Komputer dapat menyimpan berbagai pola dalam memori, beroperasi secara berurutan, dan melakukan banyak hal.

Kebanyakan studio rekaman hari ini dilakukan dengan komputer. Mereka bekerja dengan synthesizer elektronik untuk mengkoordinasikan dan memodifikasi suara. Seorang komposer-pemain-teknisi tunggal yang bekerja dengan komputer dapat menghasilkan rekaman yang pernah akan diperlukan kru penuh musisi. Synthesizer dapat menghasilkan suara alat musik yang dikenal atau membuat suara yang sepenuhnya buatan. Mereka dapat memanfaatkan suara yang telah sampel digital dan disimpan, mendekatkan irama yang kompleks, dan beragam kecepatan.

Pertunjukan musik tidak lagi dibatasi oleh kecerdasan manusia atau ketangkasan manual. komputer apa yang belum bisa melakukan - setidaknya, tidak untuk pengetahuan saya - adalah untuk menciptakan komposisi musik otomatis baru yang kualitas berirama dan estetika sama yang ditemukan di karya orkestra terkenal di dunia. Mungkin beberapa hari yang akan mungkin. Sementara itu, kita akan harus bergantung pada komposer manusia dan mendengarkan apa yang mereka katakan tentang proses kreatif.

penjelasan Aaron Copland untuk musik

Seorang komposer 20th Century Amerika, Aaron Copland, menulis buku, Apa yang harus Dengarkan Musik, yang menelanjangi proses ini dari sudut seorang komposer pandang. Dari buku ini, kita belajar bahwa komposisi simfoni lebih seperti kehamilan dari fabrikasi mekanik. "Setiap komposer dimulai dengan ide musik," tulis Copland. Ide atau tema bisa menjadi "melodi", atau "melodi dengan iringan", atau "ide murni berirama", atau sesuatu yang lain.

komposer mengumpulkan ide-ide ini dalam sebuah buku catatan. Dia mempelajari setiap erat "karena keindahan murni formal ... jalan naik dan turun." Dia kemudian akan mencoba untuk "menemukan beberapa ide lain yang tampaknya untuk pergi dengan yang asli", baik dengan kesamaan atau kontras. komposer akan mencoba untuk menghubungkan ide-ide oleh "proses pemanjangan" atau "yang disebut materi jembatan". Dalam mengubah ide menjadi sebuah karya selesai, objek akan "las bersama-sama dari semua materi yang sehingga membuat kesatuan yang utuh ... segala sesuatu harus di tempatnya." Persimpangan akan muncul halus dan alami daripada dibikin.

Setiap komposer memiliki cara sendiri untuk kerja, yang melibatkan kombinasi dari pemikiran imajinatif dan tenaga kerja intelektual membangun pekerjaan selesai. Energik Franz Schubert, yang Copland disebut "spontan terinspirasi (jenis) komposer", ternyata karya selesai hampir setiap hari. Beethoven, di sisi lain, menggambarkan "tipe konstruktif" dari komposer yang sabar menciptakan struktur suara dari ide-ide dalam sebuah buku catatan.

Setiap komposer khusus atau penulis lagu secara teratur memiliki ide-ide. "Saya menulis lagu di mana saja - di belakang mobil, di kamar hotel, di pesawat," kata Johnny Cash, penyanyi pop Amerika, yang tidak bisa membaca catatan musik. Irving Berlin, juga musik yang buta huruf, memasang kopling pada piano yang memungkinkan dia mudah untuk beralih kunci. Ketika ia menemukan melodi yang tepat, seorang sekretaris akan menuliskan catatan. Setiap jenis musik memiliki konvensi atau bentuk yang menawarkan bimbingan untuk proses kreatif sendiri.

Buku Aaron Copland ini Ulasan elemen yang masuk ke dalam musik. Empat elemen dasar: ritme, melodi, harmoni, dan warna nada. Rhythm adalah susunan berulang stres dan tanpa tekanan ketukan secara berkala dalam waktu. Melody adalah urutan catatan tunggal dari berbagai lapangan. Harmony adalah terdengar simultan dari dua atau lebih nada yang berbeda dalam akord. nada warna berkaitan dengan kayu dari instrumen atau nada nya. Nada atau catatan yang suara pitch tertentu yang dapat diatur dalam skala musik. Catatan dapat memiliki tingkat tertentu dari kenyaringan atau intensitas. Struktur keseluruhan dari karya musik juga harus dipertimbangkan dalam menentukan kualitas. Rhythm, dalam arti luas, adalah, seperti yang kita katakan, emosional atau estetika dampak keseluruhan yang musik memiliki pada seseorang.

Dalam arti sempit, irama merupakan unsur asli dan paling dasar musik. Copland menawarkan contoh ketukan kaki di parade: KIRI-kanan, KIRI-benar; atau, SATU-dua, SATU-dua. Ini akan sesuai dengan 2/4 waktu dalam musik. Irama 3/4 waktu akan: SATU-dua-tiga, SATU-dua-tiga. Penari dari waltz akan mengenali ini. Biasanya, namun tidak selalu, stres adalah pada ketukan pertama dari ukuran.

Skema musik diukur, dikembangkan pada abad Masehi-12, memungkinkan notasi musik harus dipertahankan secara tertulis. Setiap set mengulangi ketukan adalah ukuran atau bar. Catatan terletak di ketukan. catatan ini bisa, tergantung pada durasi: seluruh catatan, setengah catatan, catatan kuartal, catatan keenam belas, dan sebagainya. catatan seluruh bertahan dua kali lebih lama setengah catatan, yang berlangsung dua kali lebih lama sebagai catatan kuartal. Durasi sebenarnya dari setiap terdengar catatan adalah relatif terhadap seluruh catatan. Kecepatan ritme disebut nya "tempo". Jika ada empat kuartal-catatan dalam ukuran, musik ditulis dalam waktu empat kuartal (4/4). Tiga perempat waktu (3/4) musik akan memiliki tiga perempat catatan per ukuran.

Tidak semua irama memiliki sederhana, ketukan lamban. Irama dapat berangkat dari meteran yang ketat untuk memenuhi kebutuhan ekspresif tertentu. Sampai abad pertengahan, irama musik diikuti pola bicara. Pola stres dan tanpa tekanan suku kata dari kata-kata, terganggu oleh jeda yang berarti dan termodulasi untuk menekankan kata-kata atau pikiran tertentu, memberikan pidato kualitas jelas berirama. Puisi dan musik, menggabungkan berseni diatur denyut, lahir dari tradisi budaya yang sama.

Dalam budaya primitif, pemukulan drum menciptakan monoton, semacam nonverbal irama musik. Ini dapat menjadi sangat rumit ketika beberapa drum mengalahkan pada saat yang sama atau variasi diperkenalkan. Alih-alih sederhana SATU-dua, SATU-dua, bisa ada: SATU-dua, SATU-dua-tiga / ONE-dua, SATU-dua-tiga; atau, barangkali, SATU-dua-tiga, SATU-dua, SATU-dua-tiga / ONE-dua-tiga, SATU-dua, SATU-dua-tiga. Ketika beberapa set yang berbeda dari irama yang dihasilkan pada saat yang sama, musik menjadi "polyrhythmic". Kita terkena ini di jazz, di mana bass terdiri dari, seri berubah stabil ketukan sebagai irama lainnya melayang bebas di bagian lain. Dalam potongan piano polyrhythmic, tangan kiri umumnya akan bermain satu set ritme dan tangan kanan lain.

Melody, kedua elemen Copland, adalah serangkaian catatan mengusung tema musik. Di sini kita mengasumsikan ritme sebagai bagian dari struktur latar belakang. Melody adalah elemen artistik yang paling dalam musik; terdiri dari catatan bergerak naik dan turun ke berbagai posisi tonal dalam cara yang menarik. Melodi adalah kualitas yang unik di lagu. Kami mendengarkan pola melodi seperti tenun, benang-seperti, melalui karya musik. Tidak seperti ritme, melodi memiliki variasi nada. Nada adalah suara jelas bernada catatan yang dihasilkan oleh alat musik bergetar pada frekuensi tertentu - misalnya, "C tengah". Mereka diatur dalam set bergradasi disebut timbangan.

Dalam skala "berwarna" dari musik barat kontemporer, ada dua belas nada merata dalam satu oktaf. Namun, hanya tujuh dari ini, yang terdiri dari "skala diatonis", yang umum digunakan. Perkembangan catatan dimulai pada nada tertentu dan kemudian naik di sepanjang skala pada interval diidentifikasi oleh latihan musik: do-re-mi-fa-so-la-ti-do. rentang yang catatan akan menjadi oktaf lengkap. Catatan pertama - "melakukan" - akan mengatur kunci untuk musik, tergantung pada nada memukul.

Dengan melodi lebih dari ritme, seseorang dapat menerapkan penilaian estetika dengan komposisi musik. Ada melodi yang baik dan yang buruk. "Kenapa melodi yang baik harus memiliki kekuatan untuk menggerakkan kita sejauh ini menantang semua analisis," tulis Copland. Namun demikian, ia mengidentifikasi beberapa kualitas yang ditemukan dalam melodi yang baik: melodi seperti itu akan memiliki Mereka akan memberikan "rasa kelengkapan dan keniscayaan" "proporsi memuaskan.". Garis melodi akan "panjang dan mengalir, dengan rendah dan tinggi tempat menarik dan momen klimaks yang biasanya datang mendekati akhir." Selain itu, akan "cenderung bergerak di antara berbagai catatan, menghindari pengulangan yang tidak perlu." Apakah atau tidak resep seperti membantu untuk menciptakan melodi yang baik, diasumsikan bahwa kebanyakan orang tahu melodi yang baik ketika mereka mendengar satu.

Unsur musik ketiga, harmoni, adalah salah satu yang sangat baik kualitas yang lebih mudah dipahami. Meskipun harmoni juga melibatkan hubungan antara nada, nada yang terdengar secara bersamaan dalam chord bukan secara berurutan. Kita tahu secara intuitif yang nada memiliki suara menyenangkan ketika bermain bersama. catatan tertentu yang harmonis dengan catatan lain yang memiliki hubungan tertentu dengan mereka dalam skala.

"Teori Harmonic," tulis Copland, "didasarkan pada asumsi bahwa semua akord dibangun ke atas dalam serangkaian interval ketiga." Itu berarti bahwa dalam skala diatonis dari tujuh catatan, apa pun catatan terendah di chord, yang berikutnya akan ada dua catatan yang lebih tinggi; dan yang ketiga, dua catatan yang lebih tinggi dari itu. Dalam hal skala musik, itu akan menjadi "do-mi-sol". Meskipun chord terdiri dari setidaknya tiga catatan tersebut, dapat diperluas ke empat, lima, enam, atau bahkan tujuh catatan. Kebanyakan musik paduan suara ditulis dalam empat bagian harmoni.

nada warna adalah keempat empat Copland ini elemen. Hal ini mengacu pada "kualitas suara yang dihasilkan oleh media tertentu produksi nada musik." Sebagai contoh, tuba terdengar berbeda dari terompet atau klarinet. Setiap jenis instrumen orkestra memiliki kualitas sendiri suara yang membuat catatan terdengar berbeda dari catatan yang sama yang dihasilkan oleh instrumen lainnya. Perbedaan harus dilakukan dengan nada harmonik dan kotoran sonic lain yang terkait dengan instrumen. Selain itu, instrumen memiliki volume yang berbeda, batas jangkauan tonal, dan sebagainya.

Komposer musik orkestra harus memutuskan mana instrumen untuk menempatkan dengan setiap bagian dalam skor untuk menghasilkan efek yang diinginkan. Ada empat tipe dasar dari instrumen orkestra: string, woodwinds, kuningan, dan perkusi. Dalam setiap kategori sejumlah instrumen yang berbeda, masing-masing memiliki "warna" tersendiri. Pilihan instrumen akan berdampak pada kualitas suara secara keseluruhan yang dihasilkan.

Selain unsur-unsur yang disebutkan di atas, salah satu harus mempertimbangkan struktur musik dan iringan verbalnya. Mengenai struktur, Copland menulis bahwa "bentuk apapun komposer memilih untuk mengadopsi ... form harus memiliki apa yang di hari mahasiswa saya digunakan untuk memanggil la grande ligne (garis panjang) ... Setiap bagian yang baik dari musik harus memberi kita rasa aliran -. rasa kontinuitas dari catatan pertama yang bertahan "rasa aliran dalam komposisi musik menciptakan perasaan bahwa ekspresi yang dimaksudkan untuk ditulis seperti mereka. Semua bagian jatuh secara alami ke tempatnya. struktur yang baik menanamkan rasa "arah yang tak terelakkan", memberikan pendengar "perasaan memuaskan koherensi lahir dari kebutuhan psikologis dari ide-ide musik dengan yang komposer mulai."

Terkait dengan ini adalah gagasan bahwa komposisi musik harus memiliki keseimbangan. Saldo dicapai melalui pengulangan tema. Tema dapat diulang persis atau mereka dapat diulang dalam variasi. Pengulangan, memberikan musik "struktur tulang belakang", adalah bentuk utama yang paling aransemen musik. Biasanya, melodi menjadi fokus latihan berulang-ulang. Hal ini diedarkan orkestra dari satu bagian ke bagian lain, mengalami banyak variasi. Tugas pendengar adalah untuk memperhatikan melodi sepanjang waktu dan tidak pernah kehilangan jejak kemajuannya. Prinsip pengulangan berlaku untuk semua tingkat konstruksi musik termasuk catatan sendiri, irama ketukan, gerakan, bagian dan subbagian, dan pekerjaan secara keseluruhan. Berbagai elemen berulang memperkuat satu sama lain. "Bentuk musik," tulis Copland, "menyerupai serangkaian roda di dalam roda di mana pembentukan roda terkecil adalah sangat mirip dengan salah satu yang terbesar."

banding pribadi musik

Lirik lagu dapat memainkan bagian dalam ekspresi berirama nya. Dalam ekspresi terbaik, kata-kata dan suara pergi alami bersama-sama. Meskipun bukan merupakan bagian dari musik per se, unsur lisan harus dipertimbangkan dalam total efek estetika yang komposisi musik memiliki. Kata-kata memiliki arti yang secara pribadi terkait dengan pendengar. Mereka menyulap pikiran yang berbeda dalam pikiran pendengar yang berbeda '. Itu akan menunjukkan bahwa kekuatan berirama musik, dalam arti sepenuhnya, mungkin lebih berkaitan dengan menciptakan pengalaman pribadi daripada dengan menunjukkan keindahan pada umumnya. Kata-kata dan pesan mereka menjadi emosional simbolis hal dalam hidup seseorang. Jika itu benar, mungkin bahwa beberapa elemen lainnya dalam musik, yang berkaitan dengan kualitas suara, mungkin juga menggerakkan hati dan pikiran pendengar karena pendengar ini secara individual siap untuk diaduk.

Musik, kemudian, memiliki unsur-unsur yang berbeda. Setiap elemen musik orkestra, serta jenis lainnya, menunjukkan banyak variasi. musik yang indah yang telah ditulis dalam berbagai modus. Apa yang bisa satu musik pada umumnya? Orang bisa mengatakan secara keseluruhan bahwa musik, sebagai lawan kebisingan, memberikan rasa ketertiban. Suara tidak berjalan ke segala arah, tetapi memiliki desain. Setiap bagian dibuat dengan mengacu ke bagian lain. Setiap kontribusi terhadap pola keseluruhan. Namun, dalam pola ini ada kehidupan. Ada semangat ingin memenuhi sendiri. musik yang indah keseimbangan antara ketertiban dan kekacauan, pengulangan dan kebaruan, keteraturan dan variasi. Pola-benar teratur suara akan membosankan. Beberapa ketidakteraturan dan kompleksitas harus diperkenalkan dalam musik untuk membuatnya lebih menarik, tapi tidak terlalu banyak.

Saya pernah mendengar sebuah konduktor simfoni mengatakan dalam sebuah wawancara radio bahwa metronom adalah musuh irama. Menurutnya, karya musik harus dilakukan dengan cara yang memberikan rasa kebebasan dan spontanitas. Irama tidak harus mekanik karena tidak akan kemudian menjadi manusia. Dalam rangka untuk terlibat imajinasi kita, musik harus memiliki keliaran tertentu tentang hal itu, bersaksi untuk semangat dalam. referensi Aaron Copland untuk "la grande ligne" - garis panjang - menangkap rasa semangat itu. Dalam irama dari setiap jenis orang menemukan kontinuitas atau rasa aliran. Sebuah karya musik penuh mengalir dibangun di atas itu sendiri berirama. Tidak akan ada tempat di mana ekspresi mencapai jalan buntu, kehabisan wawasan, dan kemudian mati. Beberapa kekuatan yang kuat imajinasi kreatif menarik ekspresi bersama. Musik yang bagus memiliki momentum pemikiran terus menerus yang tahu di mana untuk kepala berikutnya. "A simfoni besar," tulis Copland, "adalah buatan manusia Mississippi bawah yang kita tak tertahankan mengalir dari instan kami cuti-mengambil ke tujuan lama diramalkan."

Ritme, seperti kecantikan, terletak pada mata (atau telinga) yang melihatnya. Kenikmatan yang satu mengambil dari sepotong musik sangat tergantung pada bakat estetika dan penyejuk dari pendengar. Kita semua bisa memahami irama sederhana, tetapi mereka cenderung membosankan. Kami mengalami kegembiraan emosional irama menjadi lebih lengkap dan perceptively lebih menantang, asalkan persepsi tetap dalam genggaman kita. Jika ritme menjadi terlalu rumit, namun, kami kehilangan itu. Jadi tingkat yang tepat dari kompleksitas dalam musik tergantung pada pendengar. Karena jumlah yang tepat dari pound untuk pengangkat berat badan tergantung pada pengkondisian atlet dan kekuatan, sehingga irama yang paling memuaskan akan menjadi orang yang pajak bakat perseptif pendengar ke tingkat yang tepat. Sebuah ritme yang baik pertama mendapat nya "hook" ke pendengar. Setelah pendengar ketagihan, ia biasanya dapat membawa ke pengalaman berirama lebih menuntut dan menarik tanpa menjadi hilang.

studi akademis musik mengkonfirmasi teori bahwa bagian tertentu dari musik mempengaruhi orang-orang berbeda. Diana Deutsch di University of California, San Diego, telah ditemukan "perbedaan individu besar dalam cara orang mendengar informasi musik". Ini mungkin memiliki lebih sedikit untuk melakukan dengan pelatihan musik pendengar atau tingkat kecanggihan dari sekali percaya. Bahkan catatan pola sederhana dan melodi cenderung untuk didengar dengan cara pribadi.

Fakta ini bukan pertanda baik untuk musik abstrak modern. "Saya pikir itu masuk akal untuk mengatakan bahwa menulis musik dengan pena dan kertas atas dasar abstraksi matematika, sebagai rangkaian dari pola atau masalah yang harus diselesaikan, adalah, jika Anda suka, tidak benar," kata Deutsch. "Mekanisme pendengaran manusia tidak dapat memproses sebuah abstraksi." Jadi kita kembali ke cara kuno menghargai musik. Musik, beberapa orang mengatakan, menyediakan "naik psikis atau perjalanan" menjanjikan estetika "imbalan" tertentu dan memenuhi sebagian besar "harapan", tetapi juga memperkenalkan "kejutan periodik."

Pada akhirnya, ada batas untuk menempatkan irama di bawah mikroskop untuk melihat apa yang ada di sana. Itu adalah pendekatan teks berpusat. Ide mempelajari teks-teks atau skor musik seolah-olah mereka karya rapuh diproduksi oleh jenius adalah cara yang salah untuk mendekati irama. Hal ini membuat ritme sulit ketika, pada kenyataannya, cukup mudah. Sebab, ada suasana hati tertentu ketika setiap tindakan kreatif menjadi sebuah karya jenius dan tidak ada yang bisa salah. Fokusnya harus tidak pada pekerjaan tapi saat kreatif. Pertanyaan berharga untuk bertanya bukan apa pengaturan indah terletak pada ekspresi selesai tetapi: Bagaimana cara menempatkan diri dalam suasana hati? Bagaimana cara membawa pada keadaan semua-kuat penciptaan berirama?

Catatan: Ini adalah Bab 4 dari buku, Rhythm dan Self-Kesadaran, oleh William McGaughey, yang Thistlerose Publikasi yang diterbitkan pada tahun 2001.

 

kembali ke: analisis

 

Klik untuk terjemahan ke:

Bahasa Inggris - Perancis - Spanyol - Jerman - Portugis - Italia

Cina - Turki - Polandia - Belanda - Rusia

 

 

HAK CIPTA 2008 PUBLIKASI THISTLEROSE - HAK CIPTA DILINDUNGI
http://www.billmcgaughey.com/musicalrhythmsh.html